la rada

nothing banal, cute, traditional

byron gago, karin kurzmeyer, tobias madison,
valentina minnig, eric philippoz, bertold stallmach

@la rada, via della morettina 2, locarno

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Anche nel 2019 la rada produce un programma espositivo specifico, curato da Riccardo Lisi, focalizzato sulla giovane scena svizzera e supportato dalla fondazione svizzera Pro Helvetia. Quest’anno il suo titolo è in tedesco, tratto da Goethe: Trunkenheit ohne Wein (Jugend ist). In pratica la gioventù per il grande germanico sarebbe una condizione di ebrezza, pure in assenza di alcoolici – qualcosa che oggi verrebbe messo in discussione dai giovani stessi.

La prima esposizione del programma è la collettiva Temptation Blocker, che cercherà di sfuggire la tentazione sempre presente (fuori dalle metropoli) di cadere nel gusto tradizionale e nel decorativo. Ogni artista contemporaneo dovrebbe percepire negativamente quando la sua opera sia giudicata “carina”…
Temptation Blocker è un software che permette di sfuggire alle proprie ossessioni, bloccando visualizzazione e uso di ogni contenuto digitale ad esse riferibile, che si tratti di una celebrity, di un gioco, di un vizio e così via. Per noi una predisposizione culturale della provincia è esporre ciò che è atteso, consueto e non inusitato, per cui in questo show i sei artisti scelti, provenienti da ogni polo cardinale della Svizzera, cercheranno di stupire il pubblico e di colpire la percezione comune del buon gusto.
Le opere andranno da sculture e installazioni eterodosse – ambito che il curatore ama frequentare – a video di animazione (Bertold Stallmach), bassorilievi e opere bidimensionali, nel caso di Eric Philippoz, che realizzerà anche una performance nel corso dell’inaugurazione, la sera di venerdì 8 febbraio.
I materiali impiegati saranno molteplici: dalle ceramiche che giocano a mimetizzarsi di Karin Kurzmeyer, ai funghi tropicali di Byron Gago, passando per i materiali poveri impiegati di norma da Valentina Minnig e per ciò con cui vorrà stupirci Tobias Madison, all’interno della sua vasta produzione.
Oggetti e linguaggi del consumo di massa saranno trasfigurati, senza temere esiti kitsch, e vi saranno contaminazioni con culture di paesi lontani e usi più vicini al mito, che al vero, come lo sciamanesimo. Ma anche immagini e costumi tradizionali della nostra Svizzera troveranno una rilettura pungente.
Questa volta la rada desidera offrire al pubblico qualcosa di fantasmagorico: una nuova interpretazione del grottesco e della visionarietà, tema frequente nella ricca produzione elvetica di arte, oggi.

Vi abbiamo tentato e volete venire a vedere la mostra?
Dopo la lunga serata inaugurale, essa sarà aperta fino al 9 marzo dal giovedì al sabato dalle 14 alle 19, con ingresso libero, e su appuntamento tutti i giorni, anche festivi e durante il carnevale, in via della Morettina 2, a Locarno.
Per informazioni e appuntamenti: riccardo.lisi@larada.ch | +41 76 4391866 | +39 320 4866373.
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Also in 2019 la rada (Locarno) produces a specific exhibition program, curated by Riccardo Lisi, focused on the young Swiss scene and supported by the Swiss foundation Pro Helvetia. This year its title is in German, taken from Goethe: Trunkenheit ohne Wein (Jugend ist). In practice, youth for the great Germanic would be a condition of drunkenness, even in the absence of alcohol – something that today would be questioned by the young people themselves.

The first exhibition of the program is the collective Temptation Blocker, which will try to escape the ever-present temptation -at least outside the metropolis- to fall into traditional and decorative taste. Every contemporary artist should perceive negatively when his work is judged “cute”…
Temptation Blocker is a software that allows you to escape from your obsessions, blocking the visualization and use of any digital content related to them, be it a celebrity, a game, a vice and so on. For us a cultural predisposition of the province is to expose what is expected, usual and not uncommon, so in this show the six artists chosen, coming from every cardinal pole of Switzerland, will try to amaze the public and to strike the common perception of good taste.
The works will range from heterodox sculptures and installations – a field the curator loves to attend – to animation video (Bertold Stallmach), bas-reliefs and two-dimensional works, in the case of Eric Philippoz, who will also perform during the inauguration, on the evening of Friday 8 February.
The materials used will be many: from ceramics playing with camouflage, by Karin Kurzmeyer, to tropical mushrooms by Byron Gago, passing through the poor materials normally used by Valentina Minnig and for what Tobias Madison wants to surprise us with, within his vast production.
Objects and languages of mass consumption will be transfigured, without fear of kitsch results, and there will be contamination with cultures of distant countries and uses closer to myth, than to reality, such as shamanism. But also traditional images and costumes of our Switzerland will find a pungent processing.
This time, la rada wants to offer the public something phantasmagorical: a new interpretation of the grotesque and visionary, a frequent theme in Switzerland’s rich production of art today.

Are you tempted and want to come and see the exhibition?
After the long opening night, it will be open until 9 March from Thursday to Saturday, 2 to 7pm, with free admission, and by appointment every day, including holidays and during the carnival, in via della Morettina 2, Locarno.
For information and appointments: riccardo.lisi@larada.ch | +41 76 4391866 | +39 320 4866373.

with luka rayski and augustin rebetez
curator: elisa rusca
open in the holydays too, except 22.12, 31.12 and 01.01
@la rada, via della morettina 2, locarno

(scroll down for the English text)

« Qu’est-ce qu’optimisme? » disait Cacambo.
– Hélas! dit Candide, « c’est la rage de soutenir que tout est bien quand on est mal. »
Voltaire, Candide

Concludendo il programma annuale dello spazio la rada, a Locarno, la mostra Merry Crisis and a Happy New Fear (AGAIN) presenta i lavori recenti di Luka Rayski e Augustin Rebetez, due giovani artisti che esplorano la sovversione dei codici estetici della bellezza attraverso stati d’animo che oscillano tra allucinazioni e reverie.
Le fotografie di Rebetez ritraggono personaggi da incubo, grotteschi e surreali. Ogni ritratto è una mise en scene estremamente strutturata, la cui natura incuriosisce lo spettatore per la sua impossibilità di essere afferrata pienamente. Per questa mostra, l’image-maker nato nel canton Giura presenta una combinazione di opere realizzate tra il 2012 e il 2018: una serie di fotografie incorniciate di dimensioni variabili e una grande carta da parati in cui troviamo oggetti, animali, figurine umane, assemblaggi bizzarri. Cantastorie disobbediente, l’artista ci mostra frammenti di un universo che va al di là dell’inquadratura fotografica: il gusto di Rebetez per una stravaganza gotica compone qui un catalogo della sua personale teratologia.
I disegni e i dipinti di Rayski sono riconoscibili per il loro stile irriverente e per un gesto pittorico rapido e apparentemente legato all’estetica del bad painting. Nella sua ultima serie, Arabische Pferde, l’artista polacco gioca con la diversione di immagini trovate in libri di metà Novecento sul popolo beduino e sui cavalli arabi. Le fotografie in bianco e nero che illustrano uno sguardo eurocentrico che feticizza il Medio Oriente, sono usate come sfondo e nuovo spazio formale che dà origine a una serie di disegni autonomi: le pagine dei libri vengono strappate, le immagini decontestualizzate, distorte, manipolate. Lavori più grandi su tela e schiuma espansa completano la selezione per questa mostra, mostrando silhouette congelate durante un’azione che sembrano fluttuare nel vuoto, e griglie stilizzate che paiono muoversi.
Insolenti e sarcastici, Rebetez e Rayski ci fanno entrare nei loro mondi alternativi seducendoci con dolce brutalità e caustica bellezza. La stranezza di questo dialogo potrebbe essere una fuga alla condizione attuale di instabilità e ansia, o un salto direttamente al centro di essa. Riflettendo sulla situazione di tensione generale che inutilmente cerchiamo, temporaneamente, di dimenticare, Merry Crisis and a Happy New Fear (AGAIN) ci ricorda che dietro ogni luce nel buio si potrebbe nascondere un mostro: finiremo con l’esserne divorati? O si tratta solo di un riflesso nello specchio?

Luka Rayski (1982), riceve la Fulbright Scholarship e ottiene il suo MFA in Belle Arti alla Parsons The New School for Design, New York, nel 2014, dopo essersi laureato con lode in Arti Grafiche e Pittura all’Accademia di Belle Arti di Varsavia, Polonia. Nel 2007 è stato premiato con il Premio del Ministero della Cultura e del Patrimonio Nazionale nel Concorso Geppert all’Esposizione Nazionale dei Giovani Pittori. Ha inoltre vinto numerosi premi per illustrazioni e manifesti, come il primo premio al concorso della Poster Gallery AMS nel 2006. Dal 2009 i suoi disegni sono pubblicati su numerose riviste come Tygodnik Polityka, Wysokie Obcasy e Tygodnik Powszechny, tra le altre.
Vive e lavora a Varsavia.

Augustin Rebetez (1986) nel 2011 presenta una mostra personale ai Rencontres photographiques di Arles e nel 2014 partecipa alla Biennale di Sydney. Lo stesso anno riceve il Vevey International Photography Prize. Nel 2016 crea un’installazione per il Museo Tinguely di Basilea e un’altra per l’MBAL. Nel 2018 partecipa alla Shenzhen Independent Animation Biennale di Shenzhen. Rebetez collabora con molti performer, acrobati, musicisti e amici, così come con istituzioni come il Théâtre de Vidy di Losanna, dove ha creato tre diverse opere, o Art for the World. Nel 2018 ha pubblicato una serie di dodici cortometraggi in stop-motion con il regista e clown Martin Zimmermann, dal titolo The Adventures of Mr. Skeleton (www.mrskeleton.ch). Ha pubblicato diversi libri e realizzato numerose clip e copertine di album per gruppi musicali. Vive e lavora a Mervelier (JU).

Elisa Rusca (1986) è curatrice e scrittrice. Vive e lavora tra Berlino, Londra e Varsavia.

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Conceived to conclude the annual programme of la rada art space, Merry Crisis and a Happy New Fear (AGAIN) presents recent works by Luka Rayski and Augustin Rebetez, who are dealing both with the reversal of the aesthetic codes of beauty through states of mind oscillating between the reverie and the hallucination.
Rebetez’s photographs depict nightmarish characters, grotesques and surreal. Each portrait is an extremely structured mise en scene whose nature intrigues the viewer for its impossibility to be grasped. For this exhibition, the Jura-born image-maker presents a combination of works realised between 2012 and 2018: a series of framed photographs of various dimensions and one large-format wallpaper show us strange creatures, human-like figurines, clusters of disconnected, yet sculptural, bizarre objects. As a misbehaved storyteller, the artist gives us fragments of a universe larger than the photographic frame: Rebetez’s taste for a gothic extravaganza composes here a catalogue from his personal teratology.
Rayski’s drawings and paintings are recognisible for their irreverent style and a quick, “bad” pictorial gesture. In his most recent series, “Arabische Pferde”, the Polish artist plays with the diversion of acquired images from mid-20th century books on Bedouin people and Arabian horses. The black and white photographs that illustrated a Western-centred look fetichising the Middle-East, are used here as a background and as a formal playground for the artist. The pages are torn apart, the images decontextualised, manipulated and distorted. Bigger works on canvas and plastic foam complete the selection for this show: silhouettes frozen in motion, almost floating, and abstract nets that seem to move.
Insolent and sarcastic, both Rebetez and Rayski let us enter into their alternative worlds by seducing us with their sweet brutality and caustic beauty. The weirdness out of this dialogue might be an escape from the present condition of instability and anxiety, or a jump right into it.
Reflecting on the situation of general tension that we unsuccessfully try to forget in a temporary way, Merry Crisis and a Happy New Fear (AGAIN) reminds us that behind every light in the dark could hide a monster: will it eat us? Or is it only a reflection in the mirror?

Luka Rayski (1982), granted with the Fulbright Scholarship graduated with a MFA in Fine Arts at Parsons The New School for Design, New York, in 2014, after graduating cum laude in Graphic Desing and Painting at the Academy of Fine Arts in Warsaw, Poland. In 2007, he was awarded with the Prize of the Ministry of Culture and National Heritage in the Geppert Competition at the National Exhibition of Young Painters. He also won many prizes for posters, as the first prize at the competition of Poster Gallery AMS in 2006. Since 2009, he publishes drawings in numerous magazines such as Tygodnik Polityka, Wysokie Obcasy, and Tygodnik Powszechny, among others. He is based in Warsaw.

Augustin Rebetez (1986) had a solo show at the Rencontres photographiques d’Arles in 2011, and participated in the Sydney Biennale in 2014. That same year, he received the Vevey International Photography Prize. In 2016, he created an installation for the Tinguely Museum in Basel and an other one for the MBAL. In 2018, he took part to the Shenzhen Independent Animation Biennale. He collaborates with many performers, acrobats, musicians and friends, as well institutions such as Théâtre de Vidy in Lausanne, where he created three different pieces, or Art for the World. In 2018, he released a serie of twelve stop-motion shorts with director and clown Martin Zimmermann, entitled The Adventures of Mr. Skeleton (www.mrskeleton.ch). He has published several books and realised many clips and album covers. He is based in Mervelier, Jura.

Elisa Rusca (1986) is a curator and writer based between Berlin, London and Warsaw.

nora renaud & Priscilla tea
special guest: miltos manetas
@la rada, via della morettina 2, locarno

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Venerdì 9 novembre alle ore 18, la rada, a Locarno, inaugurerà l‘esposizione >@rpa<, basata su un dialogo tra le opere dell’artista ginevrina Nora Renaud e della pittrice milanese Priscilla Tea. In fasi differenti, la loro produzione artistica è stata strettamente legata al medesimo artista, il cosmopolita Miltos Manetas, che in questa esposizione funge da ospite speciale. L’esposizione ha un titolo enigmatico che da un lato rimanda all’arpa, dall’altro al linguaggio digitale ed alla comunicazione mobile. Anche l’immagine scelta dalle artiste per l’invito proviene da una chat testuale tra i loro smartphone. L’allestimento della mostra si baserà su un dialogo – una risonanza - tra le due artiste, che operano con media e tecniche differenti. Le opere di Nora Renaud mostrano elementi artigianali commisti a temi digitali, mentre nelle grandi tele assai contemporanee di Priscilla Tea convivono rimandi alla natura con parti di schermate digitali. Dunque nel dialogo tra le opere si evidenzierà anche la transizione operata dalle due artiste tra motivi e tecniche temporalmente distanti. A proposito di queste opere, e concordemente con Manetas, è importante citare il concetto di NeoUmile, ideato da Massimo Sterpi e che si riferisce al necessario understatement da parte dell’artista contemporaneo rispetto al suo essere percepito come vip o comunque differente dal popolo – concetto che a me ricorda quello richiesto in Giappone durante la cerimonia del tè a tutti i partecipanti, a qualsiasi ceto appartengano. Inoltre Nora Renaud chiama Hyperanalogia l’ambiguità di alcune sue opere tra forme chiaramente digitali e oggetti tradizionali, anche tessuti da indios della Colombia in cui vive. Infine Priscilla Tea ha usato in passato il concetto di Metascreen per suoi dipinti - dalla tecnica assai peculiare e riuscita - che in qualche modo fanno percepire il digitale. Essi fanno pensare a chi scelga di restare ancora analogico, pur nella consapevolezza di strumenti e comunicazioni di oggi, e che il nostro cervello possa vedere dello stupore andando oltre oggetti ormai banali come i gadget tecnologici. Ci lasceremo poi sorprendere da quanto – tra virtuale e reale – Miltos Manetas realizzerà in occasione di questa primo progetto duale di Nora Renaud e Priscilla Tea. L’esposizione è curata da Riccardo Lisi e durerà fino a sabato 1 dicembre 2018, visitabile dal giovedì al sabato, dalle 14 alle 19 e su appuntamento possibile anche nei giorni festivi. Sabato 17 novembre l’esposizione non sarà visitabile per via della partecipazione della rada all’evento Farsi Spazio a Lugano, presso lo Spazio Morel Il programma annuale della rada è sostenuto da DECS Repubblica e Stato del Canton Ticino, tramite i fondi SwissLos, e da Migros Percento Culturale. Ringraziamo inoltre la Città di Locarno. - § - On Friday, November 9 at 6 p.m., la rada in Locarno will open >@rpa<, an exhibition based on a dialogue between the works of the Geneva artist Nora Renaud and the Milanese painter Priscilla Tea. In different phases, their artistic production has been closely linked to the same artist, the cosmopolitan Miltos Manetas, who acts as special guest in this show. The exhibition has an enigmatic title that on the one hand refers to the harp, on the other hand to digital language and mobile communication. The image chosen by the artists for the invitation also comes from a text chat between their smartphones. The exhibition will be based on a dialogue - a resonance - between the two artists, who work with different media and techniques. Nora Renaud's works show artisanal elements mixed with digital themes, while in Priscilla Tea's very contemporary large canvases references to nature coexist with parts of digital screens. Therefore, the dialogue between the works will also highlight the transition made by the two artists between motifs and techniques that are temporally distant. With regard to these works, and in agreement with Manetas, it is important to mention the concept of NeoHumble, conceived by Massimo Sterpi and which refers to the necessary understatement by the contemporary artist with respect to his being perceived as a VIP or in any case different from the people – something that reminds me of what is requested in Japan during the tea ceremony from all the participants, from whatever class they belong. Moreover, Nora Renaud calls Hyperanalogy the ambiguity of some of her works between clearly digital forms and traditional objects, also woven by Indians from Colombia, where she lives. Finally, Priscilla Tea has in the past used the concept of Metascreen for her paintings - with a very peculiar and effective technique - that somehow make you perceive the digital. They make us think of those who choose to remain analogical, even in the knowledge of today's tools and communications, and that our brains can see amazement going beyond banal objects such as technological gadgets. We will then be surprised by what - between virtual and real - Miltos Manetas will realize on the occasion of this first dual project by Nora Renaud and Priscilla Tea. The exhibition is curated by Riccardo Lisi and will last until Saturday, December 1st, 2018, open from Thursday to Saturday, from 2 to 7 pm and by appointment, also possible on holidays. On Saturday November 17th the exhibition will not be open due to the participation of la rada in the event Farsi Spazio in Lugano, at Spazio Morel. The annual programme of la rada is supported by DECS Repubblica e Stato del Canton Ticino, through the SwissLos funds, and by Migros Percento Culturale. We would also like to thank the City of Locarno.

with matteo emery, lucas herzig, raphael perret, loredana sperini with
a virtual presence of armand schulthess
@la rada, via della morettina 2, locarno

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Venerdì 5 ottobre, alle ore 18.30, si apre alla rada (Locarno) un’esposizione che analizza il rapporto tra l’artista contemporaneo e le risorse a sua disposizione, sia naturali che industriali.

“Una città in cui gli spazzaturai sono accolti come angeli, e il loro compito di rimuovere i resti dell’esistenza di ieri è circondato d’un rispetto silenzioso, come un rito che ispira devozione, o forse solo perché una volta buttata via la roba nessuno vuole più averci da pensare”, scrive Calvino a proposito di una delle sue città invisibili. “La città di Leonia rifà se stessa tutti i giorni: ogni mattina la popolazione si risveglia tra lenzuola fresche, si lava con saponette appena sgusciate dall’involucro, indossa vestaglie nuove fiammanti, estrae dal più perfezionato frigorifero barattoli di latta ancora intonsi, ascoltando le ultime filastrocche dall’ultimo modello d’apparecchio.” Una città che oggigiorno non rappresenta più solo una finzione e fa riflettere se la sua vera passione non sia quella di godere delle cose nuove, ma piuttosto “l’espellere, l’allontanare da sé il più possibile, il mondarsi d’una ricorrente impurità.” Tuttavia qualcuno ci pensa e s’impegna a redimere dalle rovine, a liberare dalle colpe di questo peccato. Ma se queste rovine ritornassero sotto un’altra forma? Anche a Leonia questi rimasugli indistruttibili non sono invisibili ma rappresentano un acrocoro di montagne per sempre visibile all’orizzonte.

La collettiva Redeemed from ruins. Free from consequences of sin raccoglie alcune testimonianze, in cui questi affittuari di cultura (secondo Nicolas Bourriaud) interagiscono con materiali abbandonati, lasciti della natura o fabbricati dall’uomo. Prodotti di multipla provenienza in attesa di nuove espressioni, sono ritrovati e radicati in altri contesti, in nuove idee e dialoghi, in cui risuscitano o ri-muoiono.

Quali sono le motivazioni che spingono questi artisti a farlo e a quale intento? Vogliono fare una critica alle risorse, alla crisi che imperversa la società, allo spreco, alla società dei consumi? La risposta si concretizzerà nell’esposizione stessa attraverso le opere d’arte e i diversi punti di vista che rappresentano dei microracconti in cui uso, storia e memoria di questi oggetti vengono reinterpretati liberamente dagli artisti.

Essi sono Matteo Emery, Lucas Herzig, Raphael Perret e Loredana Sperini, con la presenza virtuale di Armand Schulthess.

La mostra è curata da Rafael Kouto e Carolina Sanchez.

L’esposizione perdurerà fino a sabato 27 ottobre e s’inserisce nel programma A fat, little, punchy concern of sixteen curato da Riccardo Lisi sulle nuove leve artistiche svizzere e supportato da Pro Helvetia. Si ringraziano inoltre Migros percento culturale e RafaelKouto; Nicolas Polli per la grafica.

Esposizione visitabile dal 5 al 27 ottobre 2018

dal giovedì al sabato, ore 14-19 e su appuntamento anche nei giorni festivi

con ingresso libero.

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Friday 5th October at 6.30 pm, la rada (via della Morettina 2, Locarno) is delighted to present an exhibition that explores the relationship between contemporary artists and the resources at their disposal, both natural and industrial.

“The fact is that street cleaners are welcomed like angels, and their task of removing the residue of yesterday’s existence is surrounded by a respectful silence, like a ritual that inspires devotion, perhaps only because once things have been cast off nobody wants to have to think about them further”, has written Calvino about one of his Invisible Cities.

“The city of Leonia refashions itself every day: every morning the people wake between fresh sheets, wash with just-unwrapped cakes of soap, wear brand-new clothing, take from the latest model refrigerator still unopened tins, listening to the last-minute jingles from the most up-to-date radio.” A city that nowadays doesn’t represent an appearance and wondering if Leonia’s true passion is really the enjoyment of new things, but indeed “the joy of expelling, discarding, cleansing itself of a recurrent impurity.” However, someone thinks about it and engaging with the redemption from ruins, and free from consequences of sin.

If these ruins came back to another form? Even in Leonia these indestructible remains are not invisible but represent an acronym of mountains forever visible on the horizon.

The collective show Redeemed from ruins. Free from consequences of sin. collects some testimonies, in which these culture tenants interact with abandoned materials, bequests of nature or manufactured by man. Products of multiple origins waiting for new expressions, they are found and rooted in other contexts, in new ideas and dialogues, in which they resuscitate or re-die.

What are the motivations that push these artists to do it and with which intent? Do they want to criticize the resources, the crisis that rages society, waste, the consumer society? The answer will be reflected in the exhibition itself through the works of art and the different points of view that represent micro-accounts in which the use, history and memory of these objects are freely reinterpreted by the artists.

They are Matteo Emery, Lucas Herzig, Raphael Perret and Loredana Sperini, with a virtual presence of Armand Schulthess.

The show is curated by Rafael Kouto and Carolina Sanchez.

This exhibition can be visited until the 27th of October and it is part of A fat, little, punchy concern of sixteen, supported by Pro Helvetia and curated by Riccardo Lisi. Thanks to Migros percento culturale and RafaelKouto, and Nicolas Polli for visual and graphic design.

5th – 27th October 2018, Thursday – Saturday: 2-9 pm or on appointment. Free entry.

gregory hari | if | lina kaplan vieira | lisa lurati | andrea marinelli
marko miladinovic | valerio rocco orlando | bianca pedrina | giorgia piffaretti
sergio racanati | titta cosetta raccagni | marinella senatore | paulo wirz
cineconcerto festival (montecarotto, italy) presents treep by larry luminari
@la rada, via della morettina 2, locarno

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Venerdì 3 agosto alle ore 18, la rada, a Locarno, inaugurerà l‘esposizione The Missing Image, ampia collettiva di videoarte, fotografia e performance.

A Locarno per molti anni è stato facile entrare in un ambito artistico particolare, interstiziale tra varie discipline: la videoarte. Infatti vi è stato prima un piccolo, ma curato e partecipato festival di videoarte e poi il grande Festival internazionale del film ha esposto opere di videoarte in una sezione apposita e in bei „dispositivi“ ad ingresso libero, posti anche in luoghi inconsueti, come il lungolago di Ascona.
Purtroppo negli ultimi anni non è più così e alla rada si è ritenuto importante far ritornare un‘immagine mancante: quella della videoarte, ambito parallelo a quello del cinema di ricerca e d’artista, che comunque è presente nel Film festival.
Va aggiunto che la sede della rada è posta sul percorso che dalle sale principali di proiezione del Film festival portano a Piazza Grande e al centro di Locarno, e il grande pubblico presente – sia locale che internazionale – potrà così fermarsi di pomeriggio e sera alla rada, per vedere opere filmiche peculiari e altre opere, con ingresso gratuito.

In quest‘occasione si è cercato di recuperare esempi significativi della produzione video italiana del nuovo millennio – con opere di Marinella Senatore e Valerio Rocco Orlando – assieme ad autori emergenti: gli svizzeri Giorgia Piffaretti, If (Ivan Berdondini), Lisa Lurati, Marko Miladinovic e la performer e ricercatrice italiana sul tema della sessualità Titta Cosetta Raccagni.

Assieme a queste immagini in movimento saranno presenti immagini statiche, sempre molto particolari e con un notevole contenuto di ricerca: le fotografie realizzate dagli svizzeri Lisa Lurati, Bianca Pedrina e Gregory Hari e dai brasiliani Lina Kaplan Vieira e Paulo Wirz. Della fotografa basilese Bianca Pedrina sarà disponibile anche la sua sapida pubblicazione Photoprobleme.

Si è anche voluto inserire un elemento vitale tramite quattro performance dal vivo che si svolgeranno tutte nel periodo del festival.
L’inaugurazione di venerdì 3 agosto includerà un’azione del giovane e noto performer zurighese Gregory Hari, poi giovedì 9 un altro importante performer d’arte, l’italiano Sergio Racanati, realizzerà alle 22 un‘altra performance ideata appositamente per l’esposizione.
Venerdì 10 alle 22 la rada darà spazio alla proposta di un festival piccolo ma interessante, Cineconcerto Festival di Montecarotto, in provincia di Ancona, con il video Treep di Larry Luminari, con musica live.
Infine l’ultima serata del festival, sabato 11, vedrà alle 18.30 la performance audiovisiva di Andrea Marinelli, attivo in una ricerca musicale elettronica, che propone assieme a suoi visual basati su semplici lavagne luminose.
Tutte le performance e l’esposizione sono a ingresso libero.

La mostra è curata da Riccardo Lisi e durerà fino a sabato 8 settembre 2018, ma con orari particolari e differenziati: fino a sabato 11 agosto la mostra sarà aperta tutti i giorni, dalle 17 alle 22. Poi ci sarà una pausa fino a giovedì 23 agosto, quando l’esposizione riaprirà fino all‘8 settembre, dal giovedì al sabato, dalle 14 alle 19 e su appuntamento possibile anche nei giorni festivi.
L’esposizione è resa possibile dal contributo della Georg und Josi Guggenheim Stiftung.
Ringraziamo inoltre Tognetti Auto (Gordola ed Ascona).

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Friday, August 3rd at 6 pm, la rada, in Locarno, will open the show The Missing Image, a wide collective of video art, photography and performance.

In Locarno, for many years it was easy to enter a particular, interstitial artistic context between various disciplines: video art. In fact there was first a small, but careful and participated video art festival, and then the great International film festival has shown video art works in a special section and in beautiful devices with free entry, also placed in unusual locations, such as the lakefront of Ascona.
Unfortunately, in recent years it is no longer so, and at la rada we considered important to give back a missing image: that of video art, a parallel context to that of research and artists‘ cinema, which is still present in the Film Festival.
It should be added that the building of la rada is located on the path that, from the main screening rooms of the Film festival lead to Piazza Grande and the center of Locarno, and the large public present – both local and international – will be able to stop in the afternoon and evening at la rada, to see peculiar film works and others, with free admission.

On this occasion we tried to recuperate significant examples of the Italian video production of the new millennium – with works by Marinella Senatore and Valerio Rocco Orlando – together with emerging authors: the Swiss Giorgia Piffaretti, If (Ivan Berdondini), Lisa Lurati, Marko Miladinovic and the Italian performer and researcher on the theme of sexuality Titta Cosetta Raccagni.

Along with these moving images will be present static images, always pecurial and with a considerable research content: the photographs taken by the Swiss Lisa Lurati, Bianca Pedrina and Gregory Hari and the Brazilians Lina Kaplan Vieira and Paulo Wirz. By the Basler photographer Bianca Pedrina her sapid publication Photoprobleme will also be available.

We also wanted to incorporate a vital element through four live performances that will all take place during the festival.
The inauguration on Friday 3 August will include an action by the young and well-known Zurich performer Gregory Hari, then on Thursday 9 another important performer of art, the Italian Sergio Racanati, will realize another ad hoc performance at the 10 pm .
Friday 10 at 10 pm, la rada will give space to the proposal of a small but interesting festival, Cineconcerto Festival of Montecarotto, in the province of Ancona, with Treep, a video by Larry Luminari, with live music.
Finally, the last evening of the festival, Saturday 11, will see at 6.30 pm the audiovisual performance by Andrea Marinelli, active in electronic music research, which he proposes together with his visuals based on simple overhead projectors.
All performances and the exhibition are free admission.

The exhibition is curated by Riccardo Lisi and will last until Saturday, September 8th, 2018, but with peculiar opening timing: until Saturday August 11th the exhibition will be open every day, from 5 to 10 pm. Then there will be a break until Thursday August 23rd, when the exhibition will reopen until September 8th from Thursday to Saturday, from 2 to 7 pm and by appointment, also on holidays.
The exhibition is made possible by the contribution of the Georg und Josi Guggenheim Stiftung.
We also thank Tognetti Auto (Gordola and Ascona).

anna allenbach | céline delévaux
nina haab | eleonora meier
@la rada, via della morettina 2, locarno

(scroll down for the French text)

Venerdì 8 giugno alle ore 18, la rada (in via della Morettina 2, a Locarno) inaugurerà l‘esposizione META-PAINTING, curata da Clarissa Chiaese e costituita da opere di quattro artiste ticinesi.

La bidimensionalità degli acquarelli e delle tele dell’esposizione META-PAINTING, sguardi femminili sulla metapittura, vuole offrire un panorama contemporaneo sul concetto di “citazione” pittorica e di rappresentazione all’epoca attuale. Le artiste Eleonora Meier, Anna Allenbach, Nina Haab e Celine Delévaux ridefiniscono lo spazio e la concezione del disegno, dell’acquarello, della pittura, esplorando nuovi orizzonti della rappresentazione bidimensionale e non solo.
Nell’arte contemporanea degli ultimi anni, la pittura ha trovato, ahimè, uno spazio di manovra ed una considerazione ridotti per esprimere il proprio valore, considerate altre forme ed espressioni, conquistatesi l’interesse dell’opinione pubblica a partire dagli anni ‘70 con l’arrivo della performance e del progredire delle opere d‘installazione site specific.
Storicamente invece ha sempre occupato un ruolo predominante nell’immaginario collettivo. Secondo le teorie di numerosi storici dell’arte, in Europa in origine il dipinto era strettamente connesso agli spazi sacri e di culto: era considerato uno strumento di rappresentazione oggettiva del potere. Con l’opera di Diego Velazquez Las Meninas del 1656, invece, per la prima volta, si aprì una nuova epoca di autoreferenzialità del dipinto.
La pittura a quel tempo esprime l’interesse degli artisti per paesaggi e rappresentazioni storiche mitologiche, di esplorazione del passato fino ad giungere, nel XX secolo, ad autodistruggersi (vedi l’opera di Lucio Fontana, Concetto spaziale).
Con le tele di Fontana e di altri artisti performatori – che hanno utilizzato il loro gesto distruttivo-creativo per interrompere la tradizione standardizzata classica del concetto di quadro e di tela – si arrivò quindi a una distruzione del supporto bidimensionale non solo a livello letterale e oggettivo, ma anche simbolico.
Da allora la pittura lascia spazio ad espressioni artistiche più performative, politiche e a sperimentazioni con supporti tecnologici e assemblaggi di tecniche diverse. L’attenzione si rivolge all’oggetto di consumo, critiche sociali delle masse e a cambiamenti sociopolitici. Il medium “piano” inteso come supporto classico è destinato a sparire, assieme all’epoca della rappresentazione oggettiva.
Le quattro artiste incluse in META-PAINTING però rimembrano questo concetto tradizionale di pittura, che esprime e definisce, intesa come rappresentazione di elementi reali. Allenbach sostituisce la struttura di elementi chimici, rappresentandone la struttura geometrica interna. Delévaux rielabora elementi paesaggistici, astraendoli totalmente, Haab rievoca reminiscenze di storie personali, provenienti da passati remoti, ottocenteschi, mediante una rilettura metaforica. Infine Meier in grandi e sorprendenti acquarelli offre uno lettura attuale e molto personale di panorami architettonici di gusto metafisico.
Attraverso questi processi le quattro artiste si collegano alla tradizione storica e classica della pittura, riallacciandosi quasi a correnti artistiche del XVI- XVIII secolo, ma munendosi di un discorso proprio.
Con un linguaggio attuale e uno sguardo femminile sulla realtà offrono una nuova visione della pittura.

La mostra è curata da Clarissa Chiaese e durerà fino a domenica 1 luglio 2018.
Orari di apertura: dal giovedì al sabato, dalle 14 alle 19 e su appuntamento possibile anche nei giorni festivi. Ingresso libero. Questa esposizione fa parte del programma 2018 di esposizioni prodotte dalla rada e dedicate alla giovane scena svizzera, supportato da Pro Helvetia. Il programma è curato da Riccardo Lisi e ha come titolo un verso estraniante della fiaba Aunt Fanny, scritta nel 1837 dall’abate inglese R.H. Barham: A fat, little, punchy concern of sixteen.

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Vendredi 8 juin à 18h, ouvre à la rada (Locarno) l’exposition META-PAINTING, regards féminins sur la metapeinture organisée par la curatrice Clarissa Chiaese. Cette exposition se constitue par l’œuvre de quatre artistes tessinoises.

La bidimensionnalité des aquarelles et des toiles faisant partie de l’exposition, souhaite offrir au public un panorama contemporain qui illustre le concept de “citation” picturale. Également elle aborde le sujet de la représentation dans l’art de nos jours. Les artistes Eleonora Meier, Anna Allenbach, Nina Haab e Céline Delévaux redéfinissent l’espace et la conception du dessin, de l’aquarelle et de la peinture, en explorant des nouveaux horizons de la représentation bidimensionnelle.
Dans l’art contemporain récent, la peinture a malheureusement trouvé peu de place pour éxprimer sa valeur, considérée la montée de différentes nouvelles éxpressions comme la performance, l’installation site specific, etc.
Historiquement par contre, elle a toujours occupée un rôle prédominant dans l’imaginaire collectif. D’après les nombreuses théories des historiens de l’art, en Europe, originairement, la peinture était strictement liée à des espaces de culte et elle nait comme représentation objective du pouvoir.
Avec l’œuvre de Diego Velázquez Las Meninas, du 1656, pour la première fois s’ouvrit une nouvelle époque d’auto-référentialité du tableau.
La peinture, à l’époque, exprimait également l’intérêt des artistes pour les paysages et représentait des scènes historiques et mythologiques jusqu’à arriver, au XXème siècle à s’autodétruire (voir l’œuvre de Lucio Fontana, Concetto spaziale)
Avec les œuvres de Fontana et d’autres performeurs on arrivait, avec un geste “créateur – destructeur” à la fin de la tradition classique du concept de toile et tableau. Avec la destruction du support bidimensionnel, on y est en effet parvenu, non seulement au niveau littérale et objectif mais bien évidement symbolique.
Dés lors, la peinture a laissé la place à des expressions artistiques plus performative, politiques et à des expérimentations avec des supports technologiques et assemblages de différents techniques et mediums.
L’attention se tourne vers l’objet de consommation, les critiques sociales et des masses, et les changements sociopolitiques. Le medium “plan” conçu en tant que représentant d’une réalité objective et subjective, est destiné à la (presque) disparition.
Les quatre artistes citées, s’inspirent de ce concept “traditionnel” de peinture, qui s’exprime et se définit en tant que représentation d’éléments réels.
Allenbach s’inspire de la structure des éléments chimiques en représentent leur structure géométrique interne. Delévaux réélabore des paysages mystiques en faisant abstraction complète. Haab évoque des mémoires lointaines, provenant des passés individuels, du dix-neuvième siècle, à travers une relecture métaphorique. Finalement Meier, dans des grands et somptueux aquarelles offre une lecture personnelle des panoramas architecturales au gout métaphysique.
À travers ces processus ces quatre artistes femmes se relient à la tradition historique et classique de la peinture. Elles dialoguent avec les courants artistiques du XVI-XVIII siècle, avec un discours propre, fort et indépendant. Avec un langage actuel et un regard féminin sur la réalité elles nous offrent une nouvelle version de la peinture.

L’exposition est organisée par Clarissa Chiaese et durera jusqu’au dimanche 1er juillet 2018.
Horaires d’ouverture: du jeudi au samedi, de 14h à 19h et sur rendez-vous également en jours de fête. Entrée gratuite. Cette exposition fait partie du programme d’exposition 2018 réalisé par la rade et dédié à la jeune scène suisse, soutenu par Pro Helvetia. Le programme est édité par Riccardo Lisi et a pour titre un vers étranger du conte de fées Aunt Fanny, écrit en 1837 par l’abbé anglais R.H. Barham: A fat, little, punchy concern of sixteen.

baltensperger + siepert
@la rada, via della morettina 2, locarno

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Venerdì 4 maggio alle ore 18, la rada inaugurerà la prima esposizione personale di Baltensperger + Siepert, duo di artisti zurighesi attivi in Svizzera e noti anche al pubblico internazionale.

You travel alone.
You are a woman.
You will be raped.
This cannot be avoided.

Se non siete in grado di sopportare frasi di questo genere, è meglio che giriate al largo della nuova mostra ospitata dalla rada. Dal 4 al 27 di maggio verranno, infatti, esposte le opere del duo Baltensperger + Siepert che spiazzeranno il pubblico per il modo diretto e concreto con cui esse si relazionano alle tematiche del nostro tempo.

L’opera di Baltensperger + Siepert affronta questioni politiche e sociali e scandaglia le convenzioni vigenti, al fine di osservarle da prospettive alternative in grado di produrre una diversa visione di insieme.

Il titolo della mostra si rifa al loro ciclo di opere chiamato Territories, a cui il duo lavora dal 2010. La rada ospiterà per la prima volta le principali produzioni di questa serie che indaga frammenti inerenti al tema delle relazioni di potere territoriali.

Il centro della mostra è costuito dall’ultima opera di Baltensperger + Siepert intitolata Dancing Queens and Power Structures. L’installazione riempie e sovrasta lo spazio espositivo: cento soldati identici di fine ceramica bianca s‘impongono all’interno delle sale della rada con forte disposizione geometrica. Il fragile materiale contrasta il rigoroso gesto della formazione militare e suscita riflessioni su comportamenti collettivi e rappresentazione strutturale del potere.

Tra le varie produzioni, verranno esposte anche Desti-Nation e Ways to Escape One’s Former Country.

Desti-Nation è il prototipo di una grossa boa pilota alimentata da celle solari e dotata di GPS, GSM e di un propulsore elettrico. Una volta posizionata in mare, essa è in grado di fungere autonomamente da faro e guidare le barche dei migranti in mare, garantendo loro un passaggio sicuro nel Mediterraneo verso l’Europa.

Ways to Escape One’s Former Country – Handbook for an Uncertain Migration è un esperimento letterario che affronta il fenomeno della migrazione. L’opera permette ai lettori d‘identificarsi con il punto di vista di un migrante, senza stigmatizzarne ulteriormente la condizione, e li catapulta su diciotto differenti tratte verso l’Europa. All’interno del libro vengono riportate indicazioni su come agire che spiazzano duramente il lettore per la loro schiettezza, confrontandolo con i fatti di un viaggio verso l’incertezza.

L’esposizione mette in risalto l’opera poliedrica di Baltensperger + Siepert, che fornisce così al pubblico gli strumenti per intepretare le tematiche attuali da nuovi potenziali punti di vista.

La mostra è curata da Riccardo Lisi in collaborazione con Silvia Converso e durerà fino a domenica 27 maggio 2018.
Sabato 26 maggio dalle 18 si svolgerà il finissage con la presentazione del libro d’arte A memoria, di Alessandro Ligato e Giacomo Meschini, e il live set audio di Danilo Ligato.

Orari di apertura: dal giovedì al sabato, dalle 14 alle 19 e su appuntamento possibile anche nei giorni festivi. Ingresso libero.

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On Friday the 4th of May, renowned art space la rada in Locarno will open the first institutional solo exhibition by the Zurich based artist duo Baltensperger + Siepert.

You travel alone.
You are a woman.
You will be raped.
This cannot be avoided.

If you cannot endure sentences like this you are strongly advised to avoid the current exhibition at art space la rada in Locarno at all costs. Zurich based artist duo Baltensperger + Siepert will present their work at the art space from 4th – 27th May. The duo’s work has an unexpected, refreshing, and very direct approach to contemporary history.

With their artistic practice Baltensperger + Siepert reflect and examine cultural, social and political issues. Their artworks are tools to help question existing conventions and renegotiate preconceived opinions.

A collection of the most important works of Baltensperger + Siepert’s Territories cycle will be presented in Locarno for the first time. In this work cycle, which the duo started in 2010, they examine fragments of the topic of territorial power relations.

The center of this exhibition is Dancing Queens and Power Structures, the latest art-work of the duo. One hundred identical soldiers made of white, shiny porcelain are placed on a plinth in a strict geometric order. The fragile material contrasts the militant gesture and formation while it provokes thoughts about group behavior and structural representation of power.

Aside from other artworks the internationally known artworks Desti-Nation and Ways to Escape One’s Former Country will also be part of the exhibition.

Desti-Nation is the prototype of guiding buoy. It is equipped with solar panels, GPS, GSM and an electric engine. Once placed in the water, like a moving lighthouse, it guides refugees the fastest and safest way over the Mediterranean Sea to Europe.

Ways to Escape One’s Former Country – Handbook for an Uncertain Migration approaches the phenomenon of migration as a literary experiment. The reader is drawn into 18 journeys on the footsteps of refugees to Europe. The reader is confronted with brutally direct instructions that lead to the unknown without making use of existing stigma or narrative strategies.

The exhibition displays the multifaceted work of the duo, and enables the visitor to renegotiate preexisting opinions and open up to an unknown world.

Territories will be on display until the the 27th of May. The exhibition is curated by Riccardo Lisi, in collaboration with Silvia Converso.
Opening: Friday, 4th of May, 6 pm.
Saturday, May 26th from 6 pm, a finissage will take place with the presentation of the book of art A memoria, by Alessandro Ligato and Giacomo Meschini, and the live sound set by Danilo Ligato.
Open Thursday – Saturday 14.00 – 19.00 and on appointment. Free entry.

Nino Baumgartner, Karin Borer, Dario Cotti & Giacomo Galletti, Davide Dicorato
Bastien Gachet, Simon Heusser, Sandro Pianetti, Alan Schmalz
@la rada, via della morettina 2, locarno

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Venerdì 30 marzo alle 18 si apre alla rada l’esposizione collettiva Space Invaders, curata da Riccardo Lisi e dedicata prevalentemente a forme eterodosse e contemporanee di scultura.
Quest’anno compie quarant’anni il videogioco arcade giapponese Space Invaders, oggettivamente molto semplice ma capace d’influenzare a livello mondiale l’immaginazione dei giovani dell’epoca, provocando pure in Giappone una forte carenza nella diffusione delle monete da 100 yen, impiegate per giocarlo.
In questo progetto espositivo si ritrovano alcuni elementi caratterizzanti la linea recente dello spazio indipendente locarnese: una selezione eterogenea di giovani artisti svizzeri (dai 25 ai 39 anni) provenienti dalle varie regioni linguistiche, il confronto tra modalità espressive differenti – sia nella scelta di materiali e tecnica, che nell’esito – e una propensione al rischio, a volte fin all’esagerazione, stavolta costituita dal fare occupare le sale non grandissime della rada da ben otto artisti, tra cui un duo.
Tra gli “space invaders” è presente anche un italiano, Davide Dicorato, mentre sono ticinesi Sandro Pianetti e il duo Dario Cotti/Giacomo Galletti. In Svizzera tedesca operano Nino Baumgartner, Karin Borer e Simon Heusser, mentre provengono da Ginevra Bastien Gachet e Alan Schmalz.
Dunque si tratta di un’esposizione assolutamente non minimal, comprendente installazioni di formato medio-grande assieme ad altre più piccole ed opere bidimensionali. Lo spazio verrà agito anche in maniera performativa, sia off the record – con la stampa da linoleum “espansa” effettuata dentro la rada da Simon Heusser mediante l’uso di uno schiacciasassi – che dal vivo, con le due performance Shortcut che Nino Baumgartner realizzerà nel weekend successivo al vernissage (sabato 7 e domenica 8 aprile, alle 14) con ritrovo alla fabbrica (Losone) nel contesto del Performa Festival, che collabora alla loro produzione. La partecipazione a queste performance è gratuita ma richiede di avere scarpe da trekking e 3-4 ore di tempo.

Questa esposizione fa parte del programma 2018 di esposizioni prodotte dalla rada e dedicate alla giovane scena svizzera, supportato da Pro Helvetia. Il programma è curato da Riccardo Lisi e ha come titolo un verso estraniante della fiaba Aunt Fanny, scritta nel 1837 dall’abate inglese R.H. Barham: A fat, little, punchy concern of sixteen.
La mostra durerà fino a sabato 21 aprile 2018 ed è aperta dal giovedì al sabato, dalle 14 alle 19 e su appuntamento possibile anche nei giorni festivi, sempre con ingresso libero.

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Friday, March 30th at 6 pm the group exhibition Space Invaders, curated by Riccardo Lisi and dedicated mainly to heterodox and contemporary sculpture forms, opens up in la rada, Locarno.
This year, it turns forty years the Japanese arcade videogame Space Invaders, objectively very simple but able to influence the imagination of young people of the time at a global level, also causing in Japan a strong deficiency in the spread of 100 yen coins, employed to play it.
In this exhibition project we find some elements characterizing the recent line of the independent space in Locarno: a heterogeneous selection of young Swiss artists (since 25 to 39 years old) from the various linguistic regions, the comparison between different ways of expression – both in the choice of materials and technique, which in the outcome – and a propensity to risk, sometimes to an exaggeration, this time consists of making occupy the not very large rooms of la rada by as many as eight artists, including a duo.
Among the “space invaders” there is also an Italian, Davide Dicorato, while Sandro Pianetti and Dario Cotti / Giacomo Galletti duo are from Ticino. In German-speaking Switzerland, Nino Baumgartner, Karin Borer and Simon Heusser operate, while Bastien Gachet and Alan Schmalz come from Geneva.
So it is an absolutely non-minimal exhibition, including medium-large format installations together with other smaller and two-dimensional works. The space will be acted also in a performative manner, both off the record – with the expanded linoleum cut printing inside la rada by Simon Heusser through the use of a steamroller – and live, with the two Shortcut performances that Nino Baumgartner will realize in the weekend following the vernissage (Saturday 7 and Sunday 8 April, at 2 pm) starting from la fabbrica (Losone) in the context of the Performa Festival, which collaborates in their production. The participation to these performances is free but requires trekking shoes and 3-4 hours of time.

This show is part of the 2018 exhibition program produced by la rada and dedicated to the young Swiss scene, supported by Pro Helvetia. The program is curated by Riccardo Lisi and has as its title a controversial verse of the fairy tale Aunt Fanny, written in 1837 by the English abbot R.H. Barham: A fat, little, punchy concern of sixteen.
The exhibition will last until Saturday 21 April 2018 and is open from Thursday to Saturday, 2-7pm, and by appointment also on holidays, always with free admission.

la rada – space for contemporary art, via della Morettina 2, Locarno
info: larada.ch | www.performa-festival.ch | riccardo.lisi@larada.ch | +41 76 4391866 | +39 320 4866373