la rada

30.09-13.11.2022  

Curata da/Curated by: Jessica Macor & Yimei Zhang

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Friday 30 September from 18:00-21:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

and by appointment by writing to: direzione@larada.ch

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Le hasard fait bien les choses mette in dialogo gli scatti di due giovani fotografi, Ludovica De Santis e Andrea Basileo, questionando la pratica dell’istantanea attuale e delle possibilità di rappresentazione della quotidianità.

“Le hasard fait bien les choses”, cioè “il caso fa riuscire le cose” è un detto famigliare francese che allude alle fortunate coincidenze, alle serendipità, a un fato benefico al quale la vita talvolta ci confronta, facendoci esclamare di stupore. Ma il caso è un elemento che, chi si occupa di fotografia, deve imparare a cogliere al volo, a scatenare, a rendere malleabile, per poter immortalare i suoi soggetti in un dato momento sotto forma di istantanea.

Ed è così che la nozione di accidentalità diventa quindi per alcuni artisti lo strumento stesso del loro mestiere, al medesimo livello della macchina fotografica: la condizione sine qua non della loro pratica.

Il titolo francese dell’esposizione è tutt’altro che casuale. Pur non informando in maniera esplicita l’opera dei due fotografi, sia Andrea Basileo che Ludovica De Santis hanno un legame particolare con Parigi, poiché tutti e due hanno vissuto in questa città per periodi più o meno lunghi. La fotografa romana infatti ha studiato teoria e storia del cinema alla Sorbona, laureandosi con una tesi sulle tecniche narrative nel cinema sovietico prima di tornare in Italia e installarsi nel capoluogo lombardo; invece il fotografo ticinese, dopo aver conseguito il diploma in fotografia allo IED di Milano, ha diviso la sua vita a partire dal 2017 tra Ginevra e Parigi, come assistente e fotografo di campagne per grandi marchi di alta moda.

Due percorsi incrociati, speculari e chiastici, che però oltre ad essere accomunati dalla casualità dell’iter geografico, presentano anche una netta similitudine nell’approccio alla fotografia.

Entrambi infatti, pur essendo nati e cresciuti negli anni 90, facendo quindi parte della generazione che ha assistito all’avvento della trasformazione digitale, prediligono per la loro pratica artistica l’uso della pellicola analogica, che permette alle loro fotografie di far emergere la grana dell’emulsione chimica e di stabilire un rapporto particolare con la luce. Questa scelta, quasi a controcorrente rispetto alla tendenza attuale, permette ai due artisti di catturare davvero l’essenza di un’istantanea e di rispettarne la temporalità di produzione: serrata, momentanea, per realizzare lo scatto in sé, unico e irripetibile, e dilatata invece per scoprirne il risultato su carta dopo il processo di sviluppo. 

All’epoca della condivisione immediata delle informazioni, dell’instant messaging, dei social media basati sul testo o sull’immagine, filtrata e modificata, questo ritorno alla spontaneità e alla materialità del medium fotografico pare una boccata d’aria fresca.

L’esposizione Le hasard fait bien les choses propone due nuove serie commissionate da La Rada a De Santis e Basileo: abili ritrattisti, entrambi portano uno sguardo particolarmente emotivo ed intimista ai soggetti immortalati dalla loro macchina fotografica. 

Praticando l’arte della fotografia di strada grezza, brutale e diretta, Ludovica De Santis narra storie di noia e solitudine provinciale. In questa nuova serie, la fotografa romana porta il suo sguardo nella regione del Viterbese per esplorare la periferia e la vita dei suoi abitanti nell’era dell’ultra digitalizzazione, dei ritmi di vita accelerati, del divario generazionale reso ancora più marcato dall’avvento di internet. Ma in realtà, cos’è cambiato? Come sopravvivono abitudini e immagini legate al secolo scorso?

Dopo aver realizzato il progetto pluriennale “Tutti frutti”, dedicato ai momenti ludici dell’infanzia, Andrea Basileo, in questa nuova serie, coglie gli sguardi emblematici di una generazione che ha deciso, per una ragione o per l’altra, di andare a vivere altrove rispetto al luogo d’origine. Nell’intimità dei loro appartamenti o in esterni affezionati, i soggetti degli scatti del fotografo ticinese evocano una nuova quotidianità in divenire, in bilico costante tra le tracce del passato e una nuova geografia, interiore ed esteriore, ancora da costruire.

Le serie dei due fotografi diventano dunque le facce di una stessa medaglia, capaci di carpire visivamente le sorprese del caso attraverso la cristallizzazione di un momento, in bilico tra epoche e luoghi.

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Le hasard fait bien les choses brings into dialogue the shots of two young photographers, Ludovica De Santis and Andrea Basileo, questioning the contemporary practice of the snapshot and the possibilities of representing everyday life.

“Le hasard fait bien les choses,” meaning “chance makes things succeed,” is a familiar French saying that alludes to fortunate coincidences, serendipity, a beneficent fate to which life sometimes confronts us causing us to exclaim in amazement. But chance is an element that, those involved in photography, must learn to catch on the fly, to unleash, to make malleable, in order to immortalize their subjects at any given moment in the form of a snapshot.

The notion of accidentality thus becomes for some artists the very instrument of their craft, on the same level as the camera: the sine qua non condition of their practice.

The French title of the exhibition is anything but accidental. Although it does not explicitly inform the work of the two photographers, both Andrea Basileo and Ludovica De Santis have a special connection to Paris, as both have lived in this city for more or less long periods of time. In fact, the Roman photographer studied theory and history of cinema at the Sorbonne, graduating with a thesis on narrative techniques in Soviet cinema before returning to Italy and settling in the Lombard capital; on the other hand, the photographer from Ticino, after graduating in photography at the IED in Milan, has divided his life as of 2017 between Geneva and Paris, as an assistant and campaign photographer for major high fashion brands.

Two crossed paths, specular and chiastic, which, however, in addition to being united by the coincidences of the geographical iter, also present a clear similarity in their approach to photography.

In fact, both of them, despite being born and raised in the 1990s, thus being part of the generation that witnessed the advent of digital transformation, prefer the use of analog film, which allows their photographs to bring out the grain of the chemical emulsion and to establish a special relationship with light. This choice, almost against the current trend, allows the two artists to truly capture the essence of a snapshot and to respect its temporality of production: tight, momentary, to realize the unique and unrepeatable shot itself, and dilated instead to discover the result on paper after the development process. 

In the age of instant information sharing, instant messaging, text-based or image-based social media, filtered and edited, this return to the spontaneity and materiality of the photographic medium seems like a breath of fresh air.

The exhibition Le hasard fait bien les choses features two new series commissioned by La Rada to De Santis and Basileo: skilled portraitists, the two photographers both bring a particularly emotional and intimate look to the subjects immortalized by their cameras. 

Practicing the art of raw, brutal and direct street photography, Ludovica De Santis tells stories of provincial boredom and loneliness. In this new series, the Roman photographer brings her gaze to the region around Viterbo (Italy) to explore suburbia and the lives of its inhabitants in the era of ultra-digitization, accelerated pace of life, and the generation gap made even more pronounced by the advent of the Internet. But really, what has changed? How do habits and images associated with the last century survive?

After the project “Tutti frutti” dedicated to the playful moments of childhood, Andrea Basileo captures in this new series the emblematic gaze of a generation that has decided, for one reason or another, to move away from their place of origin. In the intimacy of their apartments or in affectionate exteriors, the subjects of the Ticinese photographer’s shots evoke a new everyday life in the making, constantly balancing between the traces of the past and a new  interior and exterior geography, yet to be constructed.

The two series thus become two sides of the same coin, capable of visually grasping the surprises of chance through the crystallization of a moment, poised between epochs and places.

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Graphic design by 𝑱𝒐𝒔𝒉𝒖𝒂 𝑨𝒍𝒕𝒉𝒂𝒖𝒔

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♡ Free entrance and don’t miss it ♡

Serata di proiezioni a La Rada, in presenza de* cineast*

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GIOVANE CINEMA CONTEMPORANEO

Serata di proiezioni a La Rada, in presenza de* cineast*

Il 7 agosto ore 17:00-23:00

Programma:

17:30-19:00 cortometraggi:

LA PATIENCE DES VIGNES di Agnese Làposi, 15’

LA ROUTE DES JEUNES di Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas e Saro Vallejo, 16’

À LA RECHERCHE D’ALINE, di Rokhaya Marieme Balde, 26’

20:30-22:00 aperitivo

22:00-23:00 UN USAGE DE LA MER di Fabrizio Polpettini,52’

23:00 chiusura

FILMS:

LA PATIENCE DES VIGNES

di Agnese Làposi, Svizzera, 2021, 15’, francese (st inglese) prodotto da Artist Collective Revolta e Ardèche Images 

Nel 1888 l’epidemia di fillossera devasta i vigneti europei, causando disperazione e povertà. Monsieur Chevrier è alla ricerca del luogo dove sembra sia stata trovata una soluzione: una fabbrica di innesti. Ma gli sconvolgimenti indotti da questa malattia sulla viticoltura persistono nel tempo. Difatti, il viaggio di Monsieur Chevrier prevale le contingenze storiche e si prolunga fino ai giorni nostri.

Nata a Lugano nel 1995, Agnese è cresciuta in Ticino, Svizzera. Nel 2019 ha conseguito il Bachelor in regia cinematografica presso l’ECAL di Losanna. Due dei suoi cortometraggi più recenti, Alma nel branco e Zu Dritt (quest’ultimo co-diretto con Benjamin Bucher), hanno partecipato a diversi festival internazionali (Palm Springs, Premiers Plans, Oberhausen, IDFA, Visions du Réel). Dopo gli studi in Svizzera, nel 2021 ha concluso un Master in cinema documentario a Lussas, in Francia, con il film ‘La Patience des vignes’.

LA ROUTE DES JEUNES

di Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas e Saro Vallejo, Svizzera, 2021, 16’, francese (st inglese)

prodotto da HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Sotto al viadotto che innalza la Route des Jeunes a Ginevra, l’epicentro del divertimento della città coesiste con gli ammassi di polvere accumulata dai veicoli abbandonati. A seconda dei giorni e degli orari, si ritrovano skaters, giocatori di hockey, promettenti motociclisti che si esercitano con gli slalom, o dei giovani che si godono le loro auto. La gioventù fa parte della storia di questa strada, dalla sua costruzione nel 1942 fino ad oggi.

Justine Knuchel è nata a Paradiso, Svizzera nel 1997, ed ha la nazionalità svizzera e italiana. Dopo aver studiato fotografia per due anni all’ECAL (École Cantonale d’Art de Lausanne) e due anni alla HEAD (Haute école d’art et de design – Geneva) come montatrice di film, è principalmente fotografa, montatrice e regista autodidatta. Nel 2019 ha fondato il suo studio FONDAMENTA e lavora per il Base Camp, un ex campo militare trasformato in hub creativo durante Locarno Film Festival. Nel 2021 ha girato, tramite fotogrammetria, 53 presentazioni video di 53 atelier d’artisti svizzeri, e questo lavoro è stato esposto al MCBA.

Juan Manuel Vegas, è location sound mixer, regista, montatore, sound designer, direttore della fotografia e sound editor.

Saro Vallejo è cresciuto vicino a Zurigo e a Quito, e ora vive a Ginevra. Ha la doppia nazionalità svizzera ed ecuadoriana. Dopo aver lavorato come assistente di produzione e ricoprendo diversi ruoli nel cinema come freelance, si è iscritto alla HEAD (Haute École d’Art et Design) dove studia attualmente.

À LA RECHERCHE D’ALINE 

di Rokhaya Marieme Balde, Svizzera/Senegal, 2021, 26’, francese/wolof (st inglese)

prodotto da HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Rokhaya, una giovane regista, torna a casa sua a Dakar per realizzare un film su un personaggio storico locale. Nel corso della sua ricerca, che consiste in interviste a personalità locali, discussioni con il suo team e scene di finzione girate sul posto, scopriamo la storia di Aline Sitoe Diatta.

Rokhaya Marieme Balde è nata a Dakar (Senegal) nel 1995. Ha iniziato gli studi alla Sup Imax Dakar (Institut Supérieur des Arts et Métiers du Numérique) nel 2017. Dopo un anno di studi in International Business Management in Cina e un semestre in Scienze Politiche all’Università di Montreal, ottiene il suo Bachelor in regia alla HEAD (Haute école d’art et de design) nel 2020. Ha iniziato di recente un Master congiunto ECAL/HEAD in sceneggiatura.

UN USAGE DE LA MER

di Fabrizio Polpettini, Francia, 2021, 52’, italiano/francese/arabo/inglese (st inglese)

prodotto da ​​La Bête, con Baton Rouge Productions e ViàOccitanie

In questo diario di viaggio apertamente autobiografico, una serie di incontri casuali rivelano le tracce lasciate da eventi semi-dimenticati che in un modo o nell’altro hanno dato forma alla storia del Mediterraneo.

Nota del regista:

“Sono cresciuto in una piccola città della costa settentrionale italiana. Sin dalla mia infanzia, il Mediterraneo è stato il panorama a me più familiare. A sei anni, avevo già imparato come prendere i ricci di mare a mani nude, senza pungermi.

Di recente sono rimasto sempre più sorpreso e intristito dall’immagine che alcuni politici senza fantasia, specialmente in Italia dove sono nato, hanno voluto attribuire al mio campo giochi preferito. Infatti, hanno provato a descrivere il Mediterraneo come una frontiera divisoria, le cui coste al Nord e al Sud sono abitate da popolazioni tradizionalmente ed essenzialmente straniere ed ostili le une alle altre. 

Alcuni anni fa, in una fresca serata d’autunno a Losanna, un incontro casuale mi ha messo sulle tracce di una ricerca lungo il Mediterraneo, nella quale sono stato accompagnato da due amici registi: Roman da Locarno, in Svizzera, e Amir da Constantine, in Algeria. Ciò che immaginavamo sarebbe stato un girovagare nello spazio si è rivelato un viaggio nel tempo. Ogni posto visitato ha aperto una finestra su una storia decisamente complessa e avventurosa a proposito di un mare in passato continuamente agitato da alleanze e faide, scambi e piraterie, e da storie rocambolesche di corsari e banditi. Questi sono i personaggi cattivi e romantici che immaginavo quando, a sei anni, pescavo i ricci di mare.”

Fabrizio Polpettini ha studiato arti visive e scienze ambientali a Milano, produzione cinematografica a Parigi e produzione di documentari in Corsica. Nel 2009 ha creato Filmcaravan, un festival del cinema all’aperto, e nel 2014 ha fondato La Bête, una compagnia di produzione creativa di documentari.

Un ringraziamento speciale a:

Basecamp e Justine Knuchel,  HEAD – Genève Département Cinéma, SUDU CONNEXION, Jessica Macor, Isotta Regazzoni e Roman Hüben

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YOUNG CONTEMPORARY CINEMA

One night event of screenings at La Rada, in the presence of the filmmakers

August 7, 17:00 to 23:00

Program:

17:30-19:00 Short films:

LA PATIENCE DES VIGNES by Agnese Làposi, 15′

LA ROUTE DES JEUNES by Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas and Saro Vallejo, 16′

À LA RECHERCHE D’ALINE, by Rokhaya Marieme Balde, 26′

20:30-22:00 aperitif

22:00-23:00 UN USAGE DE LA MER by Fabrizio Polpettini, 52′

23:00 Closing

FILMS:

LA PATIENCE DES VIGNES

by Agnese Làposi, Switzerland, 2021, 15′, French (st English) produced by Artist Collective Revolta and Ardèche Images 

In 1888 the phylloxera epidemic ravages European vineyards, causing despair and poverty. Monsieur Chevrier is in search of the place where a solution seems to have been found: a graft factory. But the upheavals induced by this disease on viticulture persist over time. In fact, Monsieur Chevrier’s journey overrides historical contingencies and extends to the present day.

Born in Lugano in 1995, Agnese grew up in Ticino, Switzerland. In 2019, she received her Bachelor’s degree in film directing from ECAL in Lausanne. Two of her most recent short films, Alma in the pack and Zu Dritt (the latter co-directed with Benjamin Bucher), have participated in several international festivals (Palm Springs, Premiers Plans, Oberhausen, IDFA, Visions du Réel). After studying in Switzerland, he completed a Master’s degree in documentary filmmaking in Lussas, France, in 2021 with the film ‘La Patience des vignes‘.

LA ROUTE DES JEUNES

by Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas and Saro Vallejo, Switzerland, 2021, 16′, French (st English)

produced by HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Under the viaduct that raises the Route des Jeunes in Geneva, the epicenter of the city’s entertainment coexists with the piles of dust accumulated by abandoned vehicles. Depending on the day and time of day, one finds skateboarders, field hockey players, promising bikers practicing slaloms, or young people enjoying their cars. Youth is part of the history of this road, from its construction in 1942 to the present.

Justine Knuchel was born in Paradiso, Switzerland in 1997 and has Swiss and Italian nationality. After studying photography for two years at ECAL (École Cantonale d’Art de Lausanne) and two years at HEAD (Haute école d’art et de design – Geneva) as a film editor, she is mainly a self-taught photographer, editor and filmmaker. In 2019 she founded her studio FONDAMENTA and works for Base Camp, a former military camp turned creative hub during Locarno Film Festival. In 2021 he shot, via photogrammetry, 53 video presentations of 53 Swiss artists’ studios, and this work was exhibited at MCBA.

Juan Manuel Vegas, is location sound mixer, director, editor, sound designer, cinematographer and sound editor.

Saro Vallejo grew up near Zurich and Quito, and now lives in Geneva. He has dual Swiss and Ecuadorian nationality. After working as a production assistant and holding various roles in film as a freelancer, he enrolled at HEAD (Haute École d’Art et Design) where he is currently studying.

À LA RECHERCHE D’ALINE 

by Rokhaya Marieme Balde, Switzerland/Senegal, 2021, 26′, French/Wolof (st English)

produced by HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Rokhaya, a young filmmaker, returns to her home in Dakar to make a film about a local historical figure. In the course of her research, which consists of interviews with local personalities, discussions with her team, and fictional scenes shot on location, we discover the story of Aline Sitoe Diatta.

Rokhaya Marieme Balde was born in Dakar (Senegal) in 1995. She began her studies at Sup Imax Dakar (Institut Supérieur des Arts et Métiers du Numérique) in 2017. After a year of studies in International Business Management in China and a semester in Political Science at the University of Montreal, he obtained his Bachelor’s degree in directing at HEAD (Haute école d’art et de design) in 2020. He recently started a joint ECAL/HEAD master’s degree in screenwriting.

UN USAGE DE LA MER

by Fabrizio Polpettini, France, 2021, 52′, Italian/French/Arabic/English (st English)

produced by La Bête, with Baton Rouge Productions and ViàOccitanie

In this overtly autobiographical travelogue, a series of chance encounters reveal the traces left by half-forgotten events that in one way or another shaped the history of the Mediterranean.

Director’s note:

“I grew up in a small town on the northern Italian coast. Since my childhood, the Mediterranean has been the landscape most familiar to me. By the time I was six years old, I had already learned how to catch sea urchins with my bare hands, without stinging myself.

Recently, I have been increasingly surprised and saddened by the image that some unimaginative politicians, especially in Italy where I was born, have wanted to attribute to my favorite playground. In fact, they have tried to describe the Mediterranean as a dividing frontier, whose shores to the north and south are inhabited by populations that are traditionally and essentially foreign and hostile to each other. 

A few years ago, on a cool autumn evening in Lausanne, a chance meeting set me on the trail of a quest along the Mediterranean, in which I was accompanied by two filmmaker friends-Roman from Locarno, Switzerland, and Amir from Constantine, Algeria. What we imagined would be a wander through space turned out to be a journey through time. Each place we visited opened a window on a decidedly complex and adventurous history about a sea in the past continually stirred by alliances and feuds, exchanges and piracy, and by the rollicking tales of privateers and bandits. These are the naughty, romantic characters I imagined when I was six years old fishing for sea urchins.”

Fabrizio Polpettini ha studiato arti visive e scienze ambientali a Milano, produzione cinematografica a Parigi e produzione di documentari in Corsica. Nel 2009 ha creato Filmcaravan, un festival del cinema all’aperto, e nel 2014 ha fondato La Bête, una compagnia di produzione creativa di documentari.

Un ringraziamento speciale a:
Basecamp e Justine Knuchel, HEAD – Genève Département Cinéma, SUDU CONNEXION, Jessica Macor, Isotta Regazzoni e Roman Hüben

𝟎𝟓.𝟎𝟖-𝟏𝟖.𝟎𝟗.𝟐𝟎𝟐𝟐

Con/with:~ 𝐑𝐢𝐢𝐤𝐤𝐚 𝐓𝐚𝐮𝐫𝐢𝐚𝐢𝐧𝐞𝐧 ~ 𝐋𝐨𝐮 𝐌𝐚𝐬𝐝𝐮𝐫𝐚𝐮𝐝~ 𝐈𝐧𝐝𝐮𝐬𝐭𝐫𝐢𝐚 𝐢𝐧𝐝𝐢𝐩𝐞𝐧𝐝𝐞𝐧𝐭𝐞 ~ 𝐄𝐯𝐨 𝐉𝐨𝐯𝐢𝐜𝐢𝐜 ~ 𝐖𝐫𝐞𝐭𝐜𝐡𝐞𝐝 𝐅𝐥𝐨𝐰𝐞𝐫𝐬~ 𝐍𝐲𝐠𝐞𝐥 𝐏𝐚𝐧𝐚𝐬𝐜𝐨 ~ 𝐃𝐚𝐟𝐧𝐞 𝐁𝐨𝐠𝐠𝐞𝐫𝐢 ~ 𝐋𝐮𝐜𝐢𝐥𝐞 𝐎𝐥𝐲𝐦𝐩𝐞 𝐇𝐚𝐮𝐭𝐞~ 𝐀𝐥𝐢𝐞𝐧 ~ 𝐅𝐚𝐭𝐭𝐮𝐜𝐜𝐡𝐢𝐞𝐫𝐞 [𝐌𝐚𝐫𝐭𝐚 𝐌𝐚𝐫𝐠𝐧𝐞𝐭𝐭𝐢 𝐚𝐧𝐝 𝐆𝐢𝐚𝐝𝐚 𝐎𝐥𝐢𝐯𝐨𝐭𝐭𝐨]~ 𝐆𝐎𝐎𝐃𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐚𝐧𝐝 𝐋𝐀 𝐖𝐚𝐫𝐦𝐚𝐧 ~ 𝐓𝐎𝐌𝐁𝐎𝐘𝐒 𝐃𝐎𝐍’𝐓 𝐂𝐑𝐘 / 𝐖𝐞𝐭 𝐌𝐞𝐬𝐬

Curata da/Curated by 𝐓𝐎𝐌𝐁𝐎𝐘𝐒 𝐃𝐎𝐍’𝐓 𝐂𝐑𝐘

ᐯEᖇᑎIᔕᔕᗩGE:

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𝘍𝘰𝘳 𝘌𝘯𝘨𝘭𝘪𝘴𝘩 𝘵𝘦𝘹𝘵 𝘴𝘤𝘳𝘰𝘭𝘭 𝘥𝘰𝘸𝘯

‘𝐒𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐓𝐇𝐄 𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇’ è una mostra collettiva e multidisciplinare curata da TOMBOYS DON’T CRY che coinvolge realtà artistiche svizzere e internazionali e affronta il tema dell’altereità, della mutazione, della trasformazione e del realismo magico attraverso un punto di vista transfemminista.
TOMBOYS DON’T CRY invita una pluralità di artistə a esplorare diversi scenari in una prospettiva di resistenza pluralista, propositiva e sensibile, il cui scopo è di fare incontrare lə artistə in un dialogo che inneschi visioni, considerazioni e idee sul futuro.

Le opere in mostra infatti propongono modi non convenzionali di ricordare e connettersi, offrendo spazio per descriversi, attraverso emozioni ed intuizioni, rituali, accadimenti collettivi e reclamare la figura della strega e dell’ ‘altro’ in opposizione alla rappresentazione stereotipata fornita nel corso della Storia. Dobbiamo a queste femministe cacciate, accusate, torturate e bruciate, gli enormi progressi in ambito socio-politico e di genere. Ci parlano di salute, di corpo, di medicina, di scoperta di sé e di rifiuto dell’ordine stabilito, ci riconciliano con la natura, trasgrediscono le norme, ci ricordano che non è sempre facile rivendicare l’accesso al sapere e sviluppare competenze non accademiche.

Lə artistə invitatə sono Alien [Londra], Lou Masduraud [Ginevra], Evo Jovicic [Losanna], Riikka Tauriainen [Zurigo], Fattucchiere [Marta Margnetti e Giada Olivotto] [Lugano], Dafne Boggeri [Milano], GOODWITCH & LA Warman [NY], Industria Indipendente [Roma], Lucile Olympe Haute [Parigi], Nygel Panasco [Strasburgo], TOMBOYS DON’T CRY/Wet Mess [Milano/Londra] e Wretched Flowers [NY].

𝐒𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐓𝐇𝐄 𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 dà precedenza ad espressioni di sorellanza, differenza, al soprannaturale, alla creatività e alla cerimonia come percorso di guarigione e ci ricorda come il trauma ereditato dalla storia continua a influenzarci oggi.

Il progetto è gentilmente sostenuto da :

Dr. Georg und Josi Guggenheim Stiftung e Landis & Gyr Stiftung

L’esposizione è parte di BODIDIOMA, programma espositivo  la rada 2022. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino Swisslos, Pro Helvetia. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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‘𝐒𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐓𝐇𝐄 𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇’ is a group and multidisciplinary exhibition curated by TOMBOYS DON’T CRY that involves Swiss and international artists and addresses the theme of alterity, mutation, transformation and magic realism through a transfeminist point of view.

TOMBOYS DON’T CRY invites a plurality of female artists to explore different scenarios in a pluralist, proactive and sensitive perspective of resistance, the aim of which is to bring artists together in a dialogue that triggers visions, considerations and ideas about the future.

The works in the exhibition propose unconventional ways of remembering and connecting, offering space to describe oneself, through emotions and intuitions, rituals, collective events and reclaiming the figure of the witch and the ‘other’ in opposition to the stereotypical representation provided throughout history. We owe to these hunted, accused, tortured and burnt feminists the enormous advances in the socio-political and gender spheres. They talk to us about health, the body, medicine, self-discovery and rejection of the established order, they reconcile us with nature, they transgress norms, they remind us that it is not always easy to claim access to knowledge and develop non-academic skills.

The invited artists are Alien [London], Lou Masduraud [Geneva], Evo Jovicic [Lausanne], Riikka Tauriainen [Zurich], Fattucchiere [Marta Margnetti and Giada Olivotto] [Lugano], Dafne Boggeri [Milan], GOODWITCH and LA Warman [NY], Industria Indipendente [Rome], Lucile Olympe Haute [Paris], Nygel Panasco [Strasbourg], TOMBOYS DON’T CRY/Wet Mess [Milan/London] and Wretched Flowers [NY].

SWITCH THE WITCH gives precedence to expressions of sisterhood, difference, the supernatural, creativity, and ceremony as a path to healing and reminds us how trauma inherited from history continues to affect us today.

The project is kindly supported by :

Dr. Georg und Josi Guggenheim Stiftung and Landis & Gyr Stiftung

The exhibition is part of BODIDIOMA, la rada 2022 exhibition program. The annual program has the support of: Pro Helvetia, City of Locarno, Republic and Canton Ticino Swisslos. Special thanks to Michele Tognetti for continued support.

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Oltre nostro orario di apertura normale (venerdì-sabato), durante film festival di Locarno tranne il 7 e il 12 agosto, siamo aperti tutti giorni dalle 6-10 pm, passate vedere la mostra e salutarci!

Besides our normal opening hours (Friday-Saturday), during the Locarno Film festival except August 7 and 12, we are open every day from 6-10 pm, come by see the exhibition and say hello!

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♡ 𝐹𝓇𝑒𝑒 𝑒𝓃𝓉𝓇𝒶𝓃𝒸𝑒 𝒶𝓃𝒹 𝒹𝑜𝓃’𝓉 𝓂𝒾𝓈𝓈 𝒾𝓉 ♡

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and on appointment: direzione@larada.ch

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Migrando verso la Svizzera italiana in occasione del suo quarto appuntamento nello spazio reale, OTO SOUND MUSEUM presenta il progetto espositivo SOUNDATA invitando gli artisti Axel Crettenand, Mayar El Bakry e Joanna Selinger a la rada.
Insieme a la rada OTO torna ad interrogare la sperimentazione, questa volta dando spazio alla relazione con i dati e alla loro libera interpretazione attraverso il linguaggio del suono. La mostra SOUNDATA è stata concepita con l’obiettivo di aprire uno spazio di riflessione tra suono e immagine, tra arte e tecnologia, rimescolando anche i rapporti di un’antica dicotomia che vede coinvolti l’essere umano e la macchina. SOUNDATA si rivolge alle ricerche avviate da Crettenand, El Bakry e Selinger in relazione all’elaborazione e all’interpretazione dei dati relativi a determinate condizioni dell’esistente o alla situazione ambientale più recente. Attraverso differenti approcci, gli artisti hanno sviluppato display artistici e strategie tecnologiche per tradurre specifiche informazioni in suono, creando percorsi di ascolto e possibili paesaggi di significato.

Chaotic arrangement for 66 voices (2021) di Axel Crettenand è un’installazione pensata per tradurre il comportamento caotico prodotto dal calore in un coro di voci. L’opera consiste in un dispositivo composto da un serbatoio di acqua riscaldata, monitorato da termometri, un software e un impianto audio. I dati vengono raccolti attraverso dodici termometri disposti nel volume d’acqua e inviati a un programma appositamente progettato per tradurre in tempo reale le informazioni di temperatura in note MIDI, che sono infine sintetizzate in voci umane. Attraverso questi suoni antropomorfi, precedentemente registrati e orchestrati dal comportamento casuale dei cambiamenti di temperatura, l’invisibilità del caos si manifesta in un coro effimero e imprevedibile. In Chaotic arrangement for 66 voices il suono prodotto traduce una metodologia scientifica in una pratica artistica capace di rivelare anche una dimensione spirituale che gioca con i confini tra visibile e invisibile, assenza e presenza, elementi naturali e dispositivi tecnologici.

Sperimentando tra le diverse possibilità di visualizzazione dei fenomeni naturali, Mayar El Bakry e Joanna Selinger hanno concentrato la loro ricerca nella raffigurazione di eventi naturali attraverso metodi non convenzionali, metodi in grado di restituire i dati in una forma estetica e sonora di grande impatto. Dopo una fase iniziale di orientamento hanno scelto di dedicare il loro lavoro allo studio del fenomeno degli tsunami partendo da alcuni dei principali eventi degli ultimi due decenni: gli tsunami della costa dell’Indonesia (2004), della costa di Samoa (2009), vicino a Tohaku, Giappone (2009) e della costa del Cile (2015). Il risultato di questo percorso è l’installazione audiovisiva wave/forms (2016), elaborata sulla base dei dati sismici della IRIS (Incorporated Research Institutions for Seismology) e sviluppato con l’aiuto del software “Sonifyer” che ha permesso di tradurre i dati sismografici in frequenze udibili. Questa traccia sonora si presenta accompagnata da una visualizzazione dinamica ottenuta grazie
all’utilizzo di uno script audio-reattivo che, mostrando l’epicentro degli tsunami, svela il comportamento delle onde audio che si scontrano con il profilo dei continenti di una geografia celata ma anche con i confini reali della sala in cui l’opera è presentata. Nel percorso di SOUNDATA i dati prendono vita, forma e suono, si impossessano dello spazio espositivo in maniera inedita e totale migrando nella percezione del visitatore, che è invitato a rivalutare e riscoprire il fascino e la vertigine dei dati celati in ogni cosa che ci circonda, in ogni legge che regola la vita umana sul nostro pianeta.

Axel Crettenand (1989, CH) è artista multidisciplinare e inventore che vive e lavora a Zurigo. Inizialmente focalizzato sulla fotografia e sulle sperimentazioni video, la sua pratica si è rivolta in seguito alla concezione di installazioni generative attraverso l’utilizzo di voci, suoni e testi. Intreccia costantemente la ricerca artistica e scientifica e si interessa anche alle differenti manifestazioni di spiritualità nelle società contemporanee. Tra le ultime ricerche l’atlante di immagini The Obsession Of The Form, che indaga e specula sul rapporto tra Dio e la matematica. Si è laureato all’ECAL (Losanna) dove ha conseguito la laurea in Fotografia e successivamente ha ottenuto il Master in Fine Arts presso la ZHdK (Zurigo). Tra le mostre: Life Lines, Johann Jacobs Museum, 2020-21, Zürich (CH), Small Project for Coming Communities, House of the Catholic Church, 2019, Stuttgart (DE), Tiny show, 2018, ZHdK, Zürich (CH), Dix ans d’EnQuête photographique valaisanne, 2018, Médiathèque Valais (CH), Lab Photography Research, 2018, ateliers de Bellevaux, Lausanne (CH), 21st price of the Young Talents in photography,
2017, Oslo@Buro, Basel (CH), High, 2014, théâtre de Vidy, Lausanne (CH), Too Cool For School, 2012, Spazio Orso, Milan (IT). Nel 2019 ha vinto il finanziamento ZHdK-Avina Project Fund per realizzare la performance partecipativa The Green Spirits.

Mayar El Bakry è una graphic designer e ricercatrice svizzera-egiziana che vive a Zurigo. Esplora i confini del design, fondendo diverse pratiche nel suo lavoro. Attualmente, si sta concentrando sul cibo e la cucina come mezzo per creare spazi di scambio, dialogo e riflessione comune. All’interno della sua ricerca sottolinea l’importanza dello scambio interculturale, della collaborazione interdisciplinare, delle pedagogie femministe decoloniali e intersezionali. Nel suo progetto in due parti “Food for Radical Thought” sta indagando la cucina come spazio creativo e luogo di comunione e resistenza. La ricerca si basa sulla premessa che cucinare e mangiare insieme può funzionare come un’interfaccia per facilitare il dialogo e creare un ponte per discussioni non invasive su argomenti difficili come il potere, il privilegio, il razzismo, la supremazia bianca e la discriminazione. Nella sua ricerca guarda specificamente alle pratiche decoloniali che si rivelano nel riappropriarsi dello spazio attraverso il cibo e la cultura gastronomica, applicando queste conoscenze in un dialogo auto-riflessivo con la sua pratica
(di design). Oltre allo studio e la ricerca, coordina lo Swiss Design Network e co-cura “Educating Otherwise”, un programma di formazione continua presso l’Università di Scienze Applicate e Arti FHNW di Basilea che si concentra sulle pedagogie femministe intersezionali nel design.

Joanna Selinger, nata a Basilea nel 1992. Dopo la scuola dell’obbligo a Allschwil, all’età di diciassette anni ha frequentato il Leonhard Gymnasium di Basilea, specializzandosi in arti visive. Nel 2014 è stata ammessa alla Scuola d’Arte e Design di Basilea. Tra i molti progetti durante la sua formazione, ha creato l’installazione Wave Forms* in collaborazione con Mayar El Bakry. Nel settembre 2017, ha completato con successo il suo Bachelor of Arts in comunicazione visiva. Dal 2018, Joanna Selinger si è dedicata sempre più ai suoi progetti: videoclip musicali, cortometraggi, copertine di vinili, fotografie, loghi, design di poster e volantini e design tessile e ha potuto così approfondire la sua formazione in vari settori. Nel 2019 ha anche potuto fare esperienza come grafico freelance nel settore del design editoriale e aziendale presso Vitra International AG.

OTO SOUND MUSEUM è un museo pensato per accogliere opere invisibili e sperimentazioni legate al linguaggio del suono. Le sue opere costituiscono una collezione di paesaggi sonori inediti o recenti realizzati da artisti contemporanei differenti per pratica, geografia di provenienza e generazione. Presentato al pubblico con un display digitale, attraverso una selezione di opere accolte in uno spazio iconoclasta, il progetto sviluppa anche performance live e installazioni in quattro sedi partner distribuite sul territorio svizzero. OTO SOUND MUSEUM è un progetto curato da ZAIRA ORAM – collettivo curatoriale avviato da Francesca Ceccherini e Eleonora Stassi con Chloé Dall’Olio e Camille Regli che indirizza la sua ricerca verso display sperimentali e progetti multidisciplinari. Il progetto è supportato da Pro Helvetia.

Mostra realizzata con il gentile contributo di:

Pro Helvetia e Net Cetera. 

L’esposizione  è parte di Glob0, programma espositivo de la rada 2021. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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ENGLISH

Migrating to the Italian part of Switzerland, OTO SOUND MUSEUM presents the show SOUNDATA on the occasion of the fourth appointment in the real space inviting the artists Axel Crettenand, Mayar El Bakry and Joanna Selinger at la rada.
Together with la rada, OTO returns to interrogate experimentation, this time giving space to the relationship with data and their free interpretation through the language of sound. The exhibition SOUNDATA has been conceived to open a space for reflection between the areas of sound and image, art and technology, also shaking up an old dichotomy that sees humans and machines involved. SOUNDATA focuses on the researches initiated by Crettenand, El Bakry and Selinger on the processing and interpretation of data related to certain existing conditions or environmental frame. Through different approaches, the artists developed artistic displays and technological strategies to translate specific information into sound, creating new paths of listening and landscapes of meaning.

Chaotic arrangement for 66 voices (2021) by Axel Crettenand is an installation designed to translate the chaotic behavior of heat in a fluid into a choir of voices. It consists of an apparatus composed of a tank of warmed water monitored by thermometers, a software and a sound system. Data are collected through twelve thermometers spread in the volume of water and sent to a program specifically designed to translate the temperature information into MIDI notes in real time, which are ultimately synthesized into human voices. Through these anthropomorphic sounds, previously recorded and orchestrated by the random behavior of heat, the invisibility of chaos manifests itself in an ephemeral and unpredictable chorus. The sound of Chaotic arrangement for 66 voices traduces a scientific methodology in an artistic practice capable of revealing a spiritual dimension that plays with boundaries between visible and invisible, absence and presence, natural and technological elements.

Experimenting among the different possibilities of visualization of natural phenomena, Mayar El Bakry and Joanna Selinger have focused their research in the representation of natural events through unconventional methods able to return the data in an aesthetic and sound form of great impact. After an initial phase of orientation, they chose to devote their efforts toward studying the phenomenon of tsunamis starting with some of the major events of the last two decades: the tsunamis of the coast of Indonesia (2004), the coast of Samoa (2009), near Tohaku, Japan (2009), and the coast of Chile (2015). The result of this path is the audiovisual installation wave/forms (2016), elaborated on the basis of seismic data from IRIS (Incorporated Research Institutions for Seismology) and developed with the help of the software “Sonifyer” that allowed to translate seismographic data into audible frequencies. This sound track is accompanied by a dynamic visualization obtained through the use of an audio- reactive script. By showing the epicenter of the tsunamis, the image reveals the behavior of the audio waves that encounter the profile of the continents of a hidden geography, but also with the real boundaries of the room in which the work is presented. The data come to life, shape and sound, take possession of the exhibition space in a total and unexpected way migrating in the perception of the visitor, who is invited to re-evaluate and rediscover the fascination and vertigo of the data hidden in everything that surrounds us, in every law that regulates human life on our planet.

Axel Crettenand (1989, CH) is a research-based multimedia artist and inventor based in Zürich. Initially focused on photography and video experimentations, his practice evolved to include voices, sounds and texts into generative installations. He constantly intertwines the artistic and scientific research and he is also interested in the manifestations of contemporary spiritualities. Among the last inquiries resulted in a commented atlas of images, The Obsession Of The Form, that investigate and speculate on the relationship between God and mathematics. He graduated at ECAL (Lausanne) where he obtained his bachelor’s degree in Photography and later he got his master’s degree in Fine Arts from ZHdK (Zurich). Among the exhibitions: Life Lines, Johann Jacobs Museum, 2020-21, Zürich (CH), Small Project for Coming Communities, House of the Catholic Church, 2019, Stuttgart (DE), Tiny show, 2018, ZHdK, Zürich (CH), Dix ans d’EnQuête photographique valaisanne, 2018, Médiathèque Valais (CH), Lab Photography Research, 2018, ateliers de Bellevaux, Lausanne (CH), 21st price of the Young Talents in photography, 2017, Oslo@Buro, Basel (CH), High, 2014, théâtre de Vidy, Lausanne (CH), Too Cool For School, 2012, Spazio Orso, Milan (IT). In 2019 he won the ZHdK-Avina Project Fund to realize the participative performance The Green Spirits.

Mayar El Bakry is a Swiss-Egyptian graphic designer and researcher based in Zurich. She works in and around the peripheries of design, merging diverse practices in her work. Currently, she’s focusing on food and cooking as a means to create spaces of discourses, exchange and dialogue and communal reflection. Within her research, she emphasizes the importance of cross-cultural exchange, cross-disciplinary collaboration, decolonial and intersectional feminist pedagogies. In her two-part project “Food for Radical Thought” she is investigating the kitchen as a creative space and a place for communing and resistance. The research draws on the premise that communal cooking and eating can operate as an interface to facilitate dialogue and bridge non-invasive discussions around difficult topic such as power, privilege, racism, white supremacy, and discrimination. She understands cooking and eating together as practices of making and reclaiming space for marginalized voices. In her research she specifically looks at decolonial practices focusing on making and reclaiming space through/with and by food and cooking while applying these learnings in a self-reflective dialogue with her own(design) practice. Next to her studies and research, she coordinates the Swiss Design Network and co-curates“Educating Otherwise” a continued education program at the FHNW University of Applied Sciences and Arts in Basel focusing on intersectional feminist pedagogies within design.

Joanna Selinger, born in Basel in 1992. After her compulsory schooling in Allschwil, she attended the Leonhard Gymnasium in Basel at the age of seventeen, majoring in visual arts. In 2014, she was admitted to the Basel School of Art and Design. Among many projects during her education, she created the installation Wave Forms* in collaboration with Mayar El Bakry. In September 2017, she successfully completed her Bachelor of Arts degree in Visual Communication. Since 2018, Joanna Selinger has increasingly dedicated herself to projects in independent work; in addition to music video clips, short films, vinyl covers, photographs, logos, poster and flyer designs and textile design, she was thus able to further her education in various areas. In 2019, she was also able to gain experience as a freelance graphic designer in the area of editorial and corporate design at Vitra International AG. She is currently still working on many different projects.

OTO SOUND MUSEUM is a museum designed to host invisible and experimental works related to the language of sound. The works constitute a collection of unpublished or recent soundscapes made by Swiss and international artists from different generations and practices. Presented to the public with a selection of works set up in an iconoclastic digital space, the project also features live performances and installations in four partner locations in Switzerland. OTO SOUND MUSEUM is a project curated by ZAIRA ORAM – curatorial collective focusing on experimental displays and interdisciplinary projects initiated by Francesca Ceccherini and Eleonora Stassi with Chloé Dall’Olio and Camille Regli. The museum is supported by Pro Helvetia.

Exhibition kindly supported by:

Pro Helvetia and Netcetera

This exhibition is part of Glob0, la rada’s 2021 exhibition program. The annual program is supported by: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. We particularly thank Michele Tognetti for his consistent support.