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โฆ

โ‘ ยฐEdition

)summer festival(

independent publishing  ฯŸ   music  ฯŸ  graffiti  ฯŸ local products ฯŸ design

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 09 – 10 July/luglio 2022 

Curata da Yimei Zhang e Daniel Drabek

Orari dโ€™apertura: sab. 09 luglio 17.00โ€“โ€“23.00, dom. 10 luglio 17:00โ€“โ€“22:00

Concerto dal vivo: Uochi toki

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Curated by Yimei Zhangand Daniel Drabek

Opening time:  Sat.09/07/2022 from 17:00โ€“โ€“22:00,

Sun. 10/07/2022 17:00โ€“โ€“22:00

Live Concert: Uochi Toki

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La Rada – spazio per lโ€™arte contemporanea di Locarno, รจ lieta di presentare Crampiarcore, un festival estivo pluridisciplinare a cura di Yimei ZhangeDaniel Drabek, con la partecipazione di Alessio De Gottardi w Adventure of Lindasay, Casa Stanata w my.castom, bottega della luce gentile, Fernando Ruiz, Elia Varini, Complice Press, Condylura, Daniel Drabek, Davide Fams, Fuzao Studio, Johanna Invrea, J.V.B, Le Zeste,  Lugano Bella, Rafael Kuoto, Stay dirty, Suppergiรน, Teleki Atelier Itinerante, Tredici studio, Tristebacio, Tudesorden, Tulpess, Ugo Gattini.

Durante il week end suoneranno dal vivo i Uochi Toki, mentre i nostri fantastici amici Djs ci accompagneranno durante lโ€™intero festival 067eoin, Bon Voyage, Clemente Gatto, djpesce, DJsaliva, Emma Etc, Felys, Jacksonbbb, Kapras, Lonneker, Magutt9000, Spiritotem.

๐˜พ๐™๐˜ผ๐™ˆ๐™‹๐™„๐˜ผ๐™๐˜พ๐™Š๐™๐™€ รฉ evento pop up interdisciplinare che vuole unire editori indipendenti, artigianato e prodotti locali ticinesi, con arte urbana, grafica, musica e lโ€™illustrazione sperimentale.

lo scopo รจ creare un ponte tra la scena artistica ticinese e quella nazionale e internazionale, mettendole in relazione tra di loro per invogliare a trovare nuove connessioni tra i vari partecipanti. 

Il Ticino รจ una terra di passaggio, un luogo di transizione e di collegamento; ๐˜พ๐™๐˜ผ๐™ˆ๐™‹๐™„๐˜ผ๐™๐˜พ๐™Š๐™๐™€ vuole essere anche questo: una terra di confine tra il non-professionale e il professionale, lโ€™alternativo e il conforme, dando vita a un sottobosco culturale:  un terreno ricco di flora da scoprire. 

Lโ€™evento รจ previsto per il weekend del 9โ€“10 luglio 2022 e prenderร  luogo presso gli spazio de La Rada, a Locarno. Oltre allโ€™esposizione dei vari prodotti, รจ nostra intenzione creare una serie di eventi collaterali quali talk, conferenze, concerti dal vivo, djsets e performance.

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Programma

Sabato 9 luglio:ย 

17:00 opening

18:00 launch ”Adventure of Lindasay” by Alessio de Gottardi

20:00 dinner

21:00 concerto Uoki Toki

23:00 chiusura

Domenica 10 luglio:ย 

17:00 opening

18:00 graffiti performance

20:00 dinner

21:00 dj set

23:00 chiusura

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La Rada – space for contemporary art in Locarno, is pleased to present Crampiarcore, a multidisciplinary summer festival, curated by Yimei Zhang and Daniel Drabek, with the participation of Alessio De Gottardi w Adventure of Lindasay, Casa Stanata w my. castom, bottega della luce gentile, Fernando Ruiz, Elia Varini, Complice Press, Condylura, Daniel Drabek, Davide Fams, Fuzao Studio, Johanna Invrea, J.V.B, Le Zeste, Lugano Bella, Rafael Kuoto, Stay dirty, Suppergiรน, Teleki Atelier Itinerante, Tredici studio, Tristebacio, Tudesorden, Tulpess, Ugo Gattini.

During the weekend there will be Uochi Toki playing live and our fantastic friends and friends Djs accompany us the whole festival 067eoin, Bon Voyage, Clement Gatto, djpesce, DJsaliva, Emma Etc, Felys, Jacksonbbb, Kapras, Lonneker, Magutt9000, Spiritotem.

๐˜พ๐™๐˜ผ๐™ˆ๐™‹๐™„๐˜ผ๐™๐˜พ๐™Š๐™๐™€ is interdisciplinary pop-up event that aims to unite independent publishers, crafts and local products from Ticino with urban art, graphics, music and experimental illustration.

The purpose is to create a bridge between the Ticino art scene and the national and international art scene, relating them to each other to entice new connections between the various participants. 

Ticino is a land of passage, a place of transition and connection; ๐˜พ๐™๐˜ผ๐™ˆ๐™‹๐™„๐˜ผ๐™๐˜พ๐™Š๐™๐™€ also wants to be this: a borderland between the non-professional and the professional, the alternative and the compliant, giving birth to a cultural undergrowth: a rich soil of flora to be discovered. 

The event is scheduled for the weekend of July 9-10, 2022, and will take place at La Rada spaces in Locarno. In addition to the exhibition of the various products, it is our intention to create a series of side events, such as talks, lectures, live concert, djsets, and performances.

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Program

Saturday, July 9:ย 

17:00 opening

18:00 launch ”Adventure of Lindasay” by Alessio de Gottardi

20:00 dinner

21:00 concert live Uoki Toki

23:00 closing


Sunday, July 10:ย 

17:00 opening

18:00 graffiti performance

20:00 dinner

21:00 dj set

23:00 closing

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๐Ÿงกย Graphic design by Daniel Drabekย ๐Ÿงก

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Follow usย ๐Ÿ‘‰๐Ÿปย @Crampiarcore

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โฆ ๐‘น๐’‚๐’…๐’‚ ๐‘ฒ๐’ลพ๐’†๐’‹๐’Š, ๐‘ฑ๐’‚๐’„๐’๐’‘๐’ ๐‘ฉ๐’†๐’๐’๐’๐’๐’Š, ๐‘บ๐’•๐’†๐’‡๐’‚๐’๐’ ๐‘ช๐’†๐’„๐’‚๐’•๐’Š๐’†๐’๐’๐’, ๐‘ฑ๐’†๐’“๐’๐’๐’Š๐’Ž ๐‘ฏ๐’๐’“๐’—๐’‚๐’• โฆ

Curata da ๐’€๐’Š๐’Ž๐’†๐’Š ๐’๐’‰๐’‚๐’๐’ˆ e ๐‘ป๐’๐’Ž๐’Ž๐’‚๐’”๐’ ๐‘ฎ๐’‚๐’•๐’•๐’Š

๐Ÿฅ€ 07.05.2022 – 12.06.2022๐Ÿฅ€ 

๐‘ฝ๐’†๐’“๐’๐’Š๐’”๐’”๐’‚๐’ˆ๐’†:  Sabato 07 maggio dalle 17:00-20:00

con una ๐‘ท๐’†๐’“๐’‡๐’๐’“๐’Ž๐’‚๐’๐’„๐’† di ๐‘น๐’‚๐’…๐’‚ ๐‘ฒ๐’ลพ๐’†๐’‹๐’Š

๐‘จ๐’‡๐’•๐’†๐’“ ๐’‘๐’‚๐’“๐’•๐’š: Tesoro Bar, Piazza Grande 16, 6600 Locarno

๐‘ซ๐’‹ ๐’”๐’†๐’• ๐’ƒ๐’š ๐‘ณ๐‘จ๐‘ช๐‘น๐‘ฐ๐‘ด๐‘จ e ๐‘จ๐‘บ๐‘ฏ๐‘จ๐‘บ๐‘ฏ๐‘จ

Orari di apertura della mostra: da venerdรฌ a Sabato, dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

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Curated by ๐’€๐’Š๐’Ž๐’†๐’Š ๐’๐’‰๐’‚๐’๐’ˆ  and ๐‘ป๐’๐’Ž๐’Ž๐’‚๐’”๐’ ๐‘ฎ๐’‚๐’•๐’•๐’Š

๐Ÿฅ€ 07.05.2022 – 12.06.2022 ๐Ÿฅ€ 

๐‘ฝ๐’†๐’“๐’๐’Š๐’”๐’”๐’‚๐’ˆ๐’†: Saturday, March 19 from 17:00 to 20:00

with a performance by ๐‘น๐’‚๐’…๐’‚ ๐‘ฒ๐’ลพ๐’†๐’‹๐’Š.

๐‘จ๐’‡๐’•๐’†๐’“ ๐’‘๐’‚๐’“๐’•๐’š: Tesoro Bar, Piazza Grande 16, 6600 Locarno

๐‘ซ๐’‹ ๐’”๐’†๐’• ๐’ƒ๐’š ๐‘ณ๐‘จ๐‘ช๐‘น๐‘ฐ๐‘ด๐‘จ and ๐‘จ๐‘บ๐‘ฏ๐‘จ๐‘บ๐‘ฏ๐‘จ

Exhibition opening hours: Friday to Saturday, from 15:00 to 19:00

and by appointment by writing to: direzione@larada.ch

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๐‘น๐’๐’”๐’‚๐’”๐’‘๐’Š๐’๐’‚ รจ una mostra che presenta il lavoro di quattro artisti emergenti –๐‘น๐’‚๐’…๐’‚ ๐‘ฒ๐’ลพ๐’†๐’‹๐’Š, ๐‘ฑ๐’‚๐’„๐’๐’‘๐’ ๐‘ฉ๐’†๐’๐’๐’๐’๐’Š, ๐‘บ๐’•๐’†๐’‡๐’‚๐’๐’ ๐‘ช๐’†๐’„๐’‚๐’•๐’Š๐’†๐’๐’๐’, ๐‘ฑ๐’†๐’“๐’๐’๐’Š๐’Ž ๐‘ฏ๐’๐’“๐’—๐’‚๐’• – residenti tra Svizzera e Italia.

Il titolo trae ispirazione dalla fiaba dei fratelli ๐‘ฎ๐’“๐’Š๐’Ž๐’Ž, ed evoca il folto roveto che protegge e occulta, come il piรน delicato dei fiori, la bella addormentata. Metafora dellโ€™opera dโ€™arte e il suo segreto, questo titolo allude ad alcune suggestioni che accomunano gli artisti in mostra e la loro ricerca, come lโ€™atmosfera fiabesca che si respira in ogni lavoro e lโ€™evocazione di immaginari boschivi e forme vegetali.

Gli artisti coinvolti, pur servendosi di molteplici medium (pittura, scultura, installazione e performance), condividono una sensibilitร  caratterizzata da una diffidenza nei con- fronti dei linguaggi artistici e dei modelli culturali dominanti. Questa distanza li induce a riprendere forme e tecniche dal sapore antico per rileggere, da unโ€™altra prospettiva, ciรฒ che li circonda. Sedotti dal magico e lโ€™esoterico, immaginari a cui attingono per creare opere dโ€™arte che sembrano emerse da un romanzo gotico o un delirio onirico, si servono della libera associazione e di altre tecniche automatistiche, nel tentativo di creare opere concepite come dispositivi divinatori. Indagano il linguaggio del simbolo, che travalica il pensiero e la didascalia, impedendo il concetto e la riduzione. In occasione di ๐‘น๐’๐’”๐’‚๐’”๐’‘๐’Š๐’๐’‚, per tenere fede a questa fascinazione, daranno vita a un ambiente suggestivo in cui le opere emanano il proprio mistero pur risuonando come accordi in unโ€™armonia.

Il progetto รจ generosamente sostenuto da :

โคทPro Helvetia, ProLitteris, Republique et canton de Geneve e Kanton Basel Stadt Kultur 

Lโ€™esposizione รจ parte di BODIDIOMA, programma espositivo  la rada 2022. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino Swisslos, Pro Helvetia, Ernst Gรถhner Stiftung. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

โ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พโ˜ฝโ˜พ

๐‘น๐’๐’”๐’‚๐’”๐’‘๐’Š๐’๐’‚ is an exhibition presenting the work of four emerging artists -๐‘น๐’‚๐’…๐’‚ ๐‘ฒ๐’ลพ๐’†๐’‹๐’Š, ๐‘ฑ๐’‚๐’„๐’๐’‘๐’ ๐‘ฉ๐’†๐’๐’๐’๐’๐’Š, ๐‘บ๐’•๐’†๐’‡๐’‚๐’๐’ ๐‘ช๐’†๐’„๐’‚๐’•๐’Š๐’†๐’๐’๐’, ๐‘ฑ๐’†๐’“๐’๐’๐’Š๐’Ž ๐‘ฏ๐’๐’“๐’—๐’‚๐’• – residing between Switzerland and Italy.

The title is inspired by the fairy tale of the ๐‘ฎ๐’“๐’Š๐’Ž๐’Ž brothers, and evokes the thick bush that protects and conceals, like the most delicate of flowers, the sleeping beauty. Metaphor of the work of art and its secret, this title alludes to some suggestions that unite the artists in the exhibition and their research, such as the fairy-tale atmosphere that is breathed in each work and the evocation of imaginary woods and plant forms.

The artists involved, while using multiple mediums (painting, sculpture, installation and performance), share a sensitivity characterized by a distrust of artistic languages and dominant cultural models. This distance induces them to take up forms and techniques with an ancient flavor to reinterpret, from another perspective, what surrounds them. Seduced by the magical and the esoteric, imaginaries they draw on to create works of art that seem to have emerged from a Gothic novel or a dreamlike delirium, they use free association and other automatic techniques in an attempt to create works conceived as divinatory devices. They investigate the language of the symbol, which transcends thought and caption, preventing concept and reduction. On the occasion of ๐‘น๐’๐’”๐’‚๐’”๐’‘๐’Š๐’๐’‚, to keep faith with this fascination, they will create an evocative environment in which the works emanate their own mystery while resonating like chords in a harmony.

The project is generously supported by :

โคทPro Helvetia, ProLitteris, Republique et canton de Geneve and Kanton Basel Stadt Kultur 

The exhibition is part of BODIDIOMA, la rada 2022 exhibition program. The annual program has the support of: City of Locarno, Republic and Canton of Ticino Swisslos, Pro Helvetia, Ernst Gรถhner Stiftung. Special thanks to Michele Tognetti for his constant support.

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๐Ÿฅ€ Graphic design by ๐‘ฑ๐’๐’”๐’‰๐’–๐’‚ ๐‘จ๐’๐’•๐’‰๐’‚๐’–๐’”

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โ™ก ๐”ฝโ„๐”ผ๐”ผ ๐”ผโ„•๐•‹โ„๐”ธโ„•โ„‚๐”ผ and ๐•ฏ๐–”๐–“’๐–™ ๐–’๐–Ž๐–˜๐–˜ ๐–Ž๐–™โ™ก

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ร‰lie Autin, Catol Teixeira, Rita Hajj, Lucas Cantori, Chris Kauffmann and Greco Bomb.ย 

Curata da Danniel Tostes e Antoine Simeรฃo Schalk

19.03.2022 – 24.04.2022

Vernissage Sabato 19 marzo dalle 18:00-21:00,

con una performance di Catol Teixeira alle 19:00.

Orari di apertura della mostra: da venerdรฌ a domenica, dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a:ย direzione@larada.ch

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Curated byย Danniel Tostesย andย Antoine Simeรฃo Schalk

19.03.2022 – 24.04.2022

Vernissage: Saturday, March 19 from 18:00 to 21:00,

with a performance by Catol Teixeira at 19:00.

Exhibition opening hours: Friday to Sunday, from 15:00 to 19:00

and by appointment by writing to:ย direzione@larada.ch

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Between the lines รจ unโ€™esposizione che interroga alcuni elementi dello spazio e come certi territori possano acquistare nuovi significati attraverso chi li abita. La mostra presenta opere di artisti e ricercatori i cui confini non sono definiti dalle classiche nozioni di territorio. La comunitร  costruita tra le mura de La Rada per la durata dellโ€™esposizione รจ definita da complesse e multipolari nozioni di appartenenza. Le ricerche e le realtร  che le ritraggono, interrogano questioni quali il contrastare le strutture di potere esistenti, che ci vengono presentate come realtร . Con le loro opere si apre una breccia che ci permette di meglio esercitare lโ€™immaginazione collettiva. 

Questo esperimento collettivo vuole proporre una riflessione su come le persone possano trasformarsi a vicenda e su come vadano, sottilmente o meno, a cambiare lo spazio in cui si trovano. La trasformazione degli spazi dipende in definitiva dalle persone, anche se solo temporaneamente. Quando si uniscono, i corpi, sono in grado di appropriarsi di tipologie di architettura una volta ostili o non pensate per loro. La rinegoziazione della concezione dello spazio interroga inoltre lโ€™uso e il pubblico degli spazi costruiti. Cosรฌ come il fatto di mettere in discussione lโ€™utilizzo dei linguaggi moderni dimostra la loro incapacitร  di decostruire binari esistenti. Narrazioni diverse capaci di plasmare la comunitร  e distorcere le strutture stesse di uno spazio. 

Il progetto รจ generosamente sostenuto da :
โคทOertli Stiftung e Fondo Culturale Sud. 

Lโ€™esposizione  รจ parte di BODIDIOMA, programma espositivo de la rada 2022. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino SwisslosPro HelvetiaErnst Gรถhner Stiftung. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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Between the lines is an exhibition questioning certain elements of space and how certain spaces or territories can be resignified through their inhabitants. The show features works of artists and researchers whose boundaries are not defined by classical notions of territories. The community that is built within the walls of La Rada for the duration of the exhibition is defined by notions of belonging that are complex and multi polar. The research and the realities they depict discuss the questions of tackling existing power structures given as static realities to us. With their works, a crack is opened, allowing us to better exercice collective imagination. 

This collective experiment wants to propose a reflection on how people can transforme each other and subtly or not, change the space where they are located. Transformation of spaces ultimately depends on the people who inhabit them, even temporarily. Bodies when joining together are able to appropriate types of architecture that had been once hostile at most or not designed for them. Renegotiation of space design eventually questions the use and public of constructed spaces. Just as questioning the contemporary use of modern languages points at their in-capacity to deconstruct existing binaries. Different narratives capable of shaping community and distort the very structures of a space. 

Exhibition kindly supported by:
โคทOertli Stiftung and Fondo Culturale Sud – SรผdKulturFonds

This exhibition is part of BODIDIOMA, la radaโ€™s 2022 exhibition program. The annual program is supported by: Municipio di LocarnoRepubblica e Cantone Ticino SwisslosPro HelvetiaErnst Gรถhner Stiftung. We particularly thank Michele Tognetti for his consistent support.

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โ‹ฐEUTROPIAโ‹ฐ- PROJECT FOR A TRIP TO CHINA

Alessio Binda, Lucas Herzig, Nicolas Polli, Gabriel Stรถckli, Vera Trachsel, 

Xiao Longhua & Nini Sum, Yuwei Gong e Lvya

Curata da Yimei Zhang e Carolina Sanchez

โŸฃ12.12.2021 – ย 08.01.2022ย โŸข

Vernissage Domenica 12 dicembre dalle 15:00

Orari di apertura: da venerdรฌ a domenica, dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

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Curated by Yimei Zhang and Carolina Sanchez

โŸฃ12.12.2021 – 08.01.2022โŸข

Opening on Sunday 12 December from 15:00

Opening times: Fri-Sun from 3pm to 7pm

and by appointment: direzione@larada.ch

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Volevamo partire nel 2020. 

Volevamo partire nel 2021. 

Vorremmo partire nel 2022.

Eutropia – Project for a Trip to China รจ un piccolo estratto di un progetto di residenza in Cina

non ancora realizzato, previsto per lโ€™estate 2022 e che coinvolge artisti svizzeri e cinesi. 

Eutropia รจ una delle Cittร  invisibili nate dalla penna di Italo Calvino. Una cittร  in cui un viaggiatore non vede una cittร  unica, ma molte, sparse per un vasto altopiano. E lei รจ tutte queste cittร , i cui abitanti le vivono di volta in volta, a turno, quando decidono di spostarsi per rinnovarsi a ogni trasloco adottando ogni volta abitudini diverse. La residenza si basa sul medesimo meccanismo, in cui gli scambi non sono altro che flussi migratori insoliti che, per un periodo, vivranno Jingdezhen, Shanghai, Beijing. Il progetto vuole creare sinergie tra due mondi apparentemente diversi, che giร  condividono lo sviluppo di relazioni bilaterali e cooperative in vari settori, tra cui quello culturale, con lโ€™obiettivo di alimentare le interazioni artistiche e sociali, gli scambi di lavoro, di abitudini, di amicizie e di vita sociale, dimenticando le proprie regole e cercando di re-imparare trovando nuovi stimoli.

Con lโ€™impossibilitร  di partire, Eutropia – Project for a Trip to China offre lโ€™emozione di stare nellโ€™impalcatura di un progetto costruito ma non ancora concretizzato. Si sviluppa secondo una libera associazione di epigrammi, di stimoli e fatti innescati dalla promessa di questo viaggio. Un collage composto da lavori individuali e uniti dalla visione d’insieme di una residenza immaginaria. 

La mostra diventa cosรฌ un viaggio che non include un movimento fisico effettivo, ma che porti comunque da qualche parte e che possa placare un desiderio:Is going to China like going to the moon? Weโ€™ll tell you when we get back. 

Importante: l’evento si svolge in osservanza delle disposizioni sanitarie vigenti. Lโ€™affluenza รจ regolamentata, si richiede lโ€™uso della mascherina e il rispetto delle distanze.

Mostra realizzata con il gentile contributo di: 

โคทโŸฃ Fondo Culturale Sud – SรผdKulturFonds, Fondazione Pro Helvetia, Dr Georg und Josi Guggenheim Stiftung, ProLitteris. โŸข

Lโ€™esposizione  รจ parte di Glob0, programma espositivo de la rada 2021. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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We wanted to leave in 2020. 

We wanted to leave in 2021. 

We wanted to leave in 2022.

Eutropia – Project for a Trip to China is a small excerpt of an unrealized residency project in China called Eutropia, scheduled for summer 2022 and involving Swiss and Chinese artists. 

Eutropia is one of the Invisible Cities born from the pen of Italo Calvino. A city in which a traveler does not see a single city, but many, scattered over a vast plateau. And she is all these cities, whose inhabitants live from time to time, in turn, when they decide to move to renew themselves at each move, adopting different habits each time. The residence is based on the same mechanism, in which the exchanges are nothing but unusual migratory flows that, for a period, will live Jingdezhen, Shanghai, Beijing. The project wants to create synergies between two seemingly different worlds, which already share the development of bilateral and cooperative relations in various fields, including culture, with the aim of nurturing artistic and social interactions, exchanges of work, habits, friendships and social life, forgetting their own rules and trying to re-learn by finding new stimuli.

With the impossibility of leaving, Eutropia – Project for a Trip to China offers the emotion of being in the scaffolding of a project built but not yet materialized. It develops according to a free association of epigrams, stimuli and facts triggered by the promise of this journey. A collage composed of individual works and united by the overall vision of an imaginary residence. 

The exhibition thus becomes a journey that doesn’t include an actual physical movement, but that nevertheless leads somewhere and can appease a desire: Is going to China like going to the moon? We’ll tell you when we get back. 

Note: the event will take place in compliance with the precautionary covid-19 measures. Attendance is regulated, a mask and respect for distances are required.

Exhibition kindly supported by:

โคทโŸฃFondo Culturale Sud – SรผdKulturFonds, Fondazione Pro Helvetia, Dr Georg und Josi Guggenheim Stiftung, ProLitteris. โŸข

This exhibition is part of Glob0, la radaโ€™s 2021 exhibition program. The annual program is supported by: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. We particularly thank Michele Tognetti for his consistent support.

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la rada

via della Morettina 2

6600 Locarno

AXEL CRETTENAND, MAYAR EL BAKRY & JOANNA SELINGER

a cura di Francesca Ceccherini e Eleonora Stassi
progetto di OTO SOUND MUSEUM e la rada

29.10.21- 27.11.21

Vernissage venerdรฌ 29 ottobre h 18.00

Orari di apertura: da venerdรฌ a domenica dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

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AXEL CRETTENAND, MAYAR EL BAKRY & JOANNA SELINGER

curated by Francesca Ceccherini and Eleonora Stassi

project by OTO SOUND MUSEUM and la rada

29.10.21- 27.11.21

OPENING Friday 29 October from 6 pm

Opening times: Fri-Sun from 3pm to 7pm

and on appointment: direzione@larada.ch

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Migrando verso la Svizzera italiana in occasione del suo quarto appuntamento nello spazio reale, OTO SOUND MUSEUM presenta il progetto espositivo SOUNDATA invitando gli artisti Axel Crettenand, Mayar El Bakry e Joanna Selinger a la rada.
Insieme a la rada OTO torna ad interrogare la sperimentazione, questa volta dando spazio alla relazione con i dati e alla loro libera interpretazione attraverso il linguaggio del suono. La mostra SOUNDATA รจ stata concepita con lโ€™obiettivo di aprire uno spazio di riflessione tra suono e immagine, tra arte e tecnologia, rimescolando anche i rapporti di un’antica dicotomia che vede coinvolti lโ€™essere umano e la macchina. SOUNDATA si rivolge alle ricerche avviate da Crettenand, El Bakry e Selinger in relazione all’elaborazione e all’interpretazione dei dati relativi a determinate condizioni dellโ€™esistente o alla situazione ambientale piรน recente. Attraverso differenti approcci, gli artisti hanno sviluppato display artistici e strategie tecnologiche per tradurre specifiche informazioni in suono, creando percorsi di ascolto e possibili paesaggi di significato.


Chaotic arrangement for 66 voices (2021) di Axel Crettenand รจ un’installazione pensata per tradurre il comportamento caotico prodotto dal calore in un coro di voci. Lโ€™opera consiste in un dispositivo composto da un serbatoio di acqua riscaldata, monitorato da termometri, un software e un impianto audio. I dati vengono raccolti attraverso dodici termometri disposti nel volume d’acqua e inviati a un programma appositamente progettato per tradurre in tempo reale le informazioni di temperatura in note MIDI, che sono infine sintetizzate in voci umane. Attraverso questi suoni antropomorfi, precedentemente registrati e orchestrati dal comportamento casuale dei cambiamenti di temperatura, l’invisibilitร  del caos si manifesta in un coro effimero e imprevedibile. In Chaotic arrangement for 66 voices il suono prodotto traduce una metodologia scientifica in una pratica artistica capace di rivelare anche una dimensione spirituale che gioca con i confini tra visibile e invisibile, assenza e presenza, elementi naturali e dispositivi tecnologici.

Sperimentando tra le diverse possibilitร  di visualizzazione dei fenomeni naturali, Mayar El Bakry e Joanna Selinger hanno concentrato la loro ricerca nella raffigurazione di eventi naturali attraverso metodi non convenzionali, metodi in grado di restituire i dati in una forma estetica e sonora di grande impatto. Dopo una fase iniziale di orientamento hanno scelto di dedicare il loro lavoro allo studio del fenomeno degli tsunami partendo da alcuni dei principali eventi degli ultimi due decenni: gli tsunami della costa dell’Indonesia (2004), della costa di Samoa (2009), vicino a Tohaku, Giappone (2009) e della costa del Cile (2015). Il risultato di questo percorso รจ l’installazione audiovisiva wave/forms (2016), elaborata sulla base dei dati sismici della IRIS (Incorporated Research Institutions for Seismology) e sviluppato con l’aiuto del software “Sonifyer” che ha permesso di tradurre i dati sismografici in frequenze udibili. Questa traccia sonora si presenta accompagnata da una visualizzazione dinamica ottenuta grazie
allโ€™utilizzo di uno script audio-reattivo che, mostrando l’epicentro degli tsunami, svela il comportamento delle onde audio che si scontrano con il profilo dei continenti di una geografia celata ma anche con i confini reali della sala in cui lโ€™opera รจ presentata. Nel percorso di SOUNDATA i dati prendono vita, forma e suono, si impossessano dello spazio espositivo in maniera inedita e totale migrando nella percezione del visitatore, che รจ invitato a rivalutare e riscoprire il fascino e la vertigine dei dati celati in ogni cosa che ci circonda, in ogni legge che regola la vita umana sul nostro pianeta.


Axel Crettenand (1989, CH) รจ artista multidisciplinare e inventore che vive e lavora a Zurigo. Inizialmente focalizzato sulla fotografia e sulle sperimentazioni video, la sua pratica si รจ rivolta in seguito alla concezione di installazioni generative attraverso lโ€™utilizzo di voci, suoni e testi. Intreccia costantemente la ricerca artistica e scientifica e si interessa anche alle differenti manifestazioni di spiritualitร  nelle societร  contemporanee. Tra le ultime ricerche lโ€™atlante di immagini The Obsession Of The Form, che indaga e specula sul rapporto tra Dio e la matematica. Si รจ laureato all’ECAL (Losanna) dove ha conseguito la laurea in Fotografia e successivamente ha ottenuto il Master in Fine Arts presso la ZHdK (Zurigo). Tra le mostre: Life Lines, Johann Jacobs Museum, 2020-21, Zรผrich (CH), Small Project for Coming Communities, House of the Catholic Church, 2019, Stuttgart (DE), Tiny show, 2018, ZHdK, Zรผrich (CH), Dix ans dโ€™EnQuรชte photographique valaisanne, 2018, Mรฉdiathรจque Valais (CH), Lab Photography Research, 2018, ateliers de Bellevaux, Lausanne (CH), 21st price of the Young Talents in photography,
2017, Oslo@Buro, Basel (CH), High, 2014, thรฉรขtre de Vidy, Lausanne (CH), Too Cool For School, 2012, Spazio Orso, Milan (IT). Nel 2019 ha vinto il finanziamento ZHdK-Avina Project Fund per realizzare la performance partecipativa The Green Spirits.


Mayar El Bakry รจ una graphic designer e ricercatrice svizzera-egiziana che vive a Zurigo. Esplora i confini del design, fondendo diverse pratiche nel suo lavoro. Attualmente, si sta concentrando sul cibo e la cucina come mezzo per creare spazi di scambio, dialogo e riflessione comune. All’interno della sua ricerca sottolinea l’importanza dello scambio interculturale, della collaborazione interdisciplinare, delle pedagogie femministe decoloniali e intersezionali. Nel suo progetto in due parti “Food for Radical Thought” sta indagando la cucina come spazio creativo e luogo di comunione e resistenza. La ricerca si basa sulla premessa che cucinare e mangiare insieme puรฒ funzionare come un’interfaccia per facilitare il dialogo e creare un ponte per discussioni non invasive su argomenti difficili come il potere, il privilegio, il razzismo, la supremazia bianca e la discriminazione. Nella sua ricerca guarda specificamente alle pratiche decoloniali che si rivelano nel riappropriarsi dello spazio attraverso il cibo e la cultura gastronomica, applicando queste conoscenze in un dialogo auto-riflessivo con la sua pratica
(di design). Oltre allo studio e la ricerca, coordina lo Swiss Design Network e co-cura “Educating Otherwise”, un programma di formazione continua presso l’Universitร  di Scienze Applicate e Arti FHNW di Basilea che si concentra sulle pedagogie femministe intersezionali nel design.


Joanna Selinger, nata a Basilea nel 1992. Dopo la scuola dell’obbligo a Allschwil, all’etร  di diciassette anni ha frequentato il Leonhard Gymnasium di Basilea, specializzandosi in arti visive. Nel 2014 รจ stata ammessa alla Scuola d’Arte e Design di Basilea. Tra i molti progetti durante la sua formazione, ha creato l’installazione Wave Forms* in collaborazione con Mayar El Bakry. Nel settembre 2017, ha completato con successo il suo Bachelor of Arts in comunicazione visiva. Dal 2018, Joanna Selinger si รจ dedicata sempre piรน ai suoi progetti: videoclip musicali, cortometraggi, copertine di vinili, fotografie, loghi, design di poster e volantini e design tessile e ha potuto cosรฌ approfondire la sua formazione in vari settori. Nel 2019 ha anche potuto fare esperienza come grafico freelance nel settore del design editoriale e aziendale presso Vitra International AG.

OTO SOUND MUSEUM รจ un museo pensato per accogliere opere invisibili e sperimentazioni legate al linguaggio del suono. Le sue opere costituiscono una collezione di paesaggi sonori inediti o recenti realizzati da artisti contemporanei differenti per pratica, geografia di provenienza e generazione. Presentato al pubblico con un display digitale, attraverso una selezione di opere accolte in uno spazio iconoclasta, il progetto sviluppa anche performance live e installazioni in quattro sedi partner distribuite sul territorio svizzero. OTO SOUND MUSEUM รจ un progetto curato da ZAIRA ORAM โ€“ collettivo curatoriale avviato da Francesca Ceccherini e Eleonora Stassi con Chloรฉ Dallโ€™Olio e Camille Regli che indirizza la sua ricerca verso display sperimentali e progetti multidisciplinari. Il progetto รจ supportato da Pro Helvetia.

Mostra realizzata con il gentile contributo di:

Pro Helvetia e Net Cetera. 

Lโ€™esposizione  รจ parte di Glob0, programma espositivo de la rada 2021. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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ENGLISH

Migrating to the Italian part of Switzerland, OTO SOUND MUSEUM presents the show SOUNDATA on the occasion of the fourth appointment in the real space inviting the artists Axel Crettenand, Mayar El Bakry and Joanna Selinger at la rada.
Together with la rada, OTO returns to interrogate experimentation, this time giving space to the relationship with data and their free interpretation through the language of sound. The exhibition SOUNDATA has been conceived to open a space for reflection between the areas of sound and image, art and technology, also shaking up an old dichotomy that sees humans and machines involved. SOUNDATA focuses on the researches initiated by Crettenand, El Bakry and Selinger on the processing and interpretation of data related to certain existing conditions or environmental frame. Through different approaches, the artists developed artistic displays and technological strategies to translate specific information into sound, creating new paths of listening and landscapes of meaning.


Chaotic arrangement for 66 voices (2021) by Axel Crettenand is an installation designed to translate the chaotic behavior of heat in a fluid into a choir of voices. It consists of an apparatus composed of a tank of warmed water monitored by thermometers, a software and a sound system. Data are collected through twelve thermometers spread in the volume of water and sent to a program specifically designed to translate the temperature information into MIDI notes in real time, which are ultimately synthesized into human voices. Through these anthropomorphic sounds, previously recorded and orchestrated by the random behavior of heat, the invisibility of chaos manifests itself in an ephemeral and unpredictable chorus. The sound of Chaotic arrangement for 66 voices traduces a scientific methodology in an artistic practice capable of revealing a spiritual dimension that plays with boundaries between visible and invisible, absence and presence, natural and technological elements.


Experimenting among the different possibilities of visualization of natural phenomena, Mayar El Bakry and Joanna Selinger have focused their research in the representation of natural events through unconventional methods able to return the data in an aesthetic and sound form of great impact. After an initial phase of orientation, they chose to devote their efforts toward studying the phenomenon of tsunamis starting with some of the major events of the last two decades: the tsunamis of the coast of Indonesia (2004), the coast of Samoa (2009), near Tohaku, Japan (2009), and the coast of Chile (2015). The result of this path is the audiovisual installation wave/forms (2016), elaborated on the basis of seismic data from IRIS (Incorporated Research Institutions for Seismology) and developed with the help of the software “Sonifyer” that allowed to translate seismographic data into audible frequencies. This sound track is accompanied by a dynamic visualization obtained through the use of an audio- reactive script. By showing the epicenter of the tsunamis, the image reveals the behavior of the audio waves that encounter the profile of the continents of a hidden geography, but also with the real boundaries of the room in which the work is presented. The data come to life, shape and sound, take possession of the exhibition space in a total and unexpected way migrating in the perception of the visitor, who is invited to re-evaluate and rediscover the fascination and vertigo of the data hidden in everything that surrounds us, in every law that regulates human life on our planet.



Axel Crettenand (1989, CH) is a research-based multimedia artist and inventor based in Zรผrich. Initially focused on photography and video experimentations, his practice evolved to include voices, sounds and texts into generative installations. He constantly intertwines the artistic and scientific research and he is also interested in the manifestations of contemporary spiritualities. Among the last inquiries resulted in a commented atlas of images, The Obsession Of The Form, that investigate and speculate on the relationship between God and mathematics. He graduated at ECAL (Lausanne) where he obtained his bachelor’s degree in Photography and later he got his master’s degree in Fine Arts from ZHdK (Zurich). Among the exhibitions: Life Lines, Johann Jacobs Museum, 2020-21, Zรผrich (CH), Small Project for Coming Communities, House of the Catholic Church, 2019, Stuttgart (DE), Tiny show, 2018, ZHdK, Zรผrich (CH), Dix ans dโ€™EnQuรชte photographique valaisanne, 2018, Mรฉdiathรจque Valais (CH), Lab Photography Research, 2018, ateliers de Bellevaux, Lausanne (CH), 21st price of the Young Talents in photography, 2017, Oslo@Buro, Basel (CH), High, 2014, thรฉรขtre de Vidy, Lausanne (CH), Too Cool For School, 2012, Spazio Orso, Milan (IT). In 2019 he won the ZHdK-Avina Project Fund to realize the participative performance The Green Spirits.


Mayar El Bakry is a Swiss-Egyptian graphic designer and researcher based in Zurich. She works in and around the peripheries of design, merging diverse practices in her work. Currently, sheโ€™s focusing on food and cooking as a means to create spaces of discourses, exchange and dialogue and communal reflection. Within her research, she emphasizes the importance of cross-cultural exchange, cross-disciplinary collaboration, decolonial and intersectional feminist pedagogies. In her two-part project โ€œFood for Radical Thoughtโ€ she is investigating the kitchen as a creative space and a place for communing and resistance. The research draws on the premise that communal cooking and eating can operate as an interface to facilitate dialogue and bridge non-invasive discussions around difficult topic such as power, privilege, racism, white supremacy, and discrimination. She understands cooking and eating together as practices of making and reclaiming space for marginalized voices. In her research she specifically looks at decolonial practices focusing on making and reclaiming space through/with and by food and cooking while applying these learnings in a self-reflective dialogue with her own(design) practice. Next to her studies and research, she coordinates the Swiss Design Network and co-curatesโ€œEducating Otherwiseโ€ a continued education program at the FHNW University of Applied Sciences and Arts in Basel focusing on intersectional feminist pedagogies within design.


Joanna Selinger, born in Basel in 1992. After her compulsory schooling in Allschwil, she attended the Leonhard Gymnasium in Basel at the age of seventeen, majoring in visual arts. In 2014, she was admitted to the Basel School of Art and Design. Among many projects during her education, she created the installation Wave Forms* in collaboration with Mayar El Bakry. In September 2017, she successfully completed her Bachelor of Arts degree in Visual Communication. Since 2018, Joanna Selinger has increasingly dedicated herself to projects in independent work; in addition to music video clips, short films, vinyl covers, photographs, logos, poster and flyer designs and textile design, she was thus able to further her education in various areas. In 2019, she was also able to gain experience as a freelance graphic designer in the area of editorial and corporate design at Vitra International AG. She is currently still working on many different projects.

OTO SOUND MUSEUM is a museum designed to host invisible and experimental works related to the language of sound. The works constitute a collection of unpublished or recent soundscapes made by Swiss and international artists from different generations and practices. Presented to the public with a selection of works set up in an iconoclastic digital space, the project also features live performances and installations in four partner locations in Switzerland. OTO SOUND MUSEUM is a project curated by ZAIRA ORAM โ€“ curatorial collective focusing on experimental displays and interdisciplinary projects initiated by Francesca Ceccherini and Eleonora Stassi with Chloรฉ Dallโ€™Olio and Camille Regli. The museum is supported by Pro Helvetia.

Exhibition kindly supported by:

Pro Helvetia and Netcetera

This exhibition is part of Glob0, la radaโ€™s 2021 exhibition program. The annual program is supported by: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. We particularly thank Michele Tognetti for his consistent support.

Andrea Bordoli, Andrรฉs Baron, Jeannette Muรฑoz, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Ben Rivers

a cura di Jessica Macor e Yimei Zhang 

18.09.2021 – 16.10.2021

Vernissage sabato 18 settembre alle 18:00

Orari di apertura: da venerdรฌ a domenica dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

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Andrea Bordoli, Andrรฉs Baron, Jeannette Muรฑoz, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Ben Rivers

curated by Jessica Macor and Yimei Zhang 

18.09.2021 – 16.10.2021

Opening on Saturday September 18 from 6pm.

Opening times: Fri-Sun from 3pm to 7pm

and on appointment: direzione@larada.ch

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Persistenze รจ unโ€™esposizione di film dโ€™artista realizzati in pellicola 16mm, un formato instabile e soggetto alla decomposizione. Dallโ€™estetica delle rovine allโ€™approccio stratificato della storia, dalla meditazione sulla distruzione al trompe lโ€™oeil, le opere esposte propongono una riflessione sulle possibilitร  di percezione dello scorrimento temporale attraverso lโ€™osservazione dei cambiamenti di luoghi e paesaggi. 

Come รจ ormai noto, il mondo del cinema e dellโ€™immagine in movimento in generale ha attraversato negli ultimi 20 anni un processo di digitalizzazione massiva, rendendo obsoleto, costoso e piรน difficoltoso lโ€™impiego della pellicola per la realizzazione di film. Tuttavia, piรน questo processo di smaterializzazione delle immagini avanza, piรน alcuni autori, soprattutto coloro che evolvono a partire dagli anni 2000 nellโ€™interstizio poroso tra cinema sperimentale e installazione dโ€™arte contemporanea, persistono nel ricorrere alla pellicola 16mm, quasi come un atto di resistenza. Cosi facendo, questi artisti questionano i processi di trasformazione fisica e cognitiva di luoghi e paesaggi a noi familiari tramite lโ€™uso di un formato esso stesso volto a diventare rovina per via della fragilitร  del suo materiale. 

Tuttavia, non si tratta semplicemente di unโ€™operazione nostalgica fine a se stessa, ma in tutte le opere esposte si puรฒ cogliere infatti lโ€™influenza della visione di Robert Smithson sulla percezione delle rovine: non un simulacro immobile del passato, ma unโ€™opportunitร  di riflessione sulla dinamicitร  e sul divenire del mondo che ci circonda.

Siccome la proiezione in pellicola รจ diventata una pratica sempre piรน rara negli ultimi anni, questa ha recuperato la sua dimensione auratica, nel senso benjaminiano del termine. I film in pellicola diventano infatti sempre piรน degli oggetti unici, il cui supporto materiale cambia di copia in copia, in base allo stato di conservazione e dโ€™usura. Durante lโ€™esposizione si potrร  quindi assistere al โ€œciclo di vitaโ€ di una pellicola: a forza di attraversare il proiettore e il looper, alcuni colori muteranno, graffi e segni nuovi appariranno, facendo eco alla degradazione dei muri degli edifici filmati, allโ€™evoluzione dei paesaggi, al senso di transitorietร  dellโ€™immagine, aprendo squarci che ispirano nuove interpretazioni e possibili alternative.

In Sack Barrow, lโ€™artista inglese Ben Rivers (Somerset, 1972), documenta i gesti dei sei operai di una piccola fabbrica a conduzione famigliare della periferia di Londra prossima alla chiusura dopo 80 anni dโ€™attivitร . Anni e anni di processi chimici e minerali hanno finito per trasformare questo luogo in un mondo a parte, liquido e spettrale.

Il giovane cineasta e antropologo ticinese Andrea Bordoli (Stabio, 1990) propone in anteprima alla rada il suo film Stabulum, in cui esplora la natura ambivalente del paesaggio di Stabio, comune alla frontiera tra Italia e Svizzera in cui รจ cresciuto, a metร  tra un passato agricolo e pastorale e un presente di infrastrutture industriali e reti di trasporto.

Andrรฉs Baron (Bogotร , 1986), fotografo e cineasta colombiano stabilitosi a Parigi, sviluppa la sua pratica artistica come unโ€™investigazione sui diversi livelli di lettura dellโ€™immagine, per ricontestualizzarla e sviarne i codici e le convenzioni. Folded landscape (El Pรกramo) รจ un piccolo trattato sullโ€™immagine come trompe lโ€™oeil: un paesaggio diventa immagine fissa, che a sua volta diventa immagine in movimento.

Jeannette Muรฑoz (Santiago del Cile, 1967) pratica lโ€™arte del frammento e della nota visiva per creare opere in divenire. Puchuncavรญ (where the fiestas end) รจ lโ€™esplorazione di un luogo che porta in sรฉ le tracce della sua trasformazione durante i secoli: crocevia di strade Inca, passato tra le mani dei colonizzatori Spagnoli, diventato un centro balneare allโ€™epoca di Allende, campo di concentramento durante la dittatura di Pinochet e infine, in anni piรน recenti, destinazione turistica e centro industriale.

Partendo dal quotidiano come luogo di ricerca, il duo svizzero Taiyo Onorato & Nico Krebs (Zurigo e Winterthur, 1979) crea immagini fisse e in movimento in cui realtร  e finzione collidono. Il loro film Fire, girato in un unico piano su una sola bobina di pellicola 16mm, apre una riflessione sulla nozione di durata e sul tempo necessario ad un atto di distruzione.

Jessica Macor (Como, 1990, vive e lavora a Parigi)

Ricercatrice, programmatrice e curatrice nellโ€™ambito del cinema e dellโ€™immagine in movimento, specializzata nelle forme ibride, documentarie e sperimentali. Oltre alla curatela di mostre e rassegne di video e cinema (La materia dellโ€™immagine digitale: personale di Jacques Perconte – Milano 2015, Boom cut guรฉrilla – Marsiglia 2016, personale di Emmanuelle Negre – Parigi 2018, Archivi del Festival des Cinรฉmas Diffรฉrents et Expรฉrimentaux de Paris โ€“ Parigi 2018), ha collaborato con numerosi festival e istituzioni nazionali e internazionali, tra cui: Cinรฉma du rรฉel – Centre Pompidou, FIDMarseille, Collectif Jeune Cinรฉma, e piรน recentemente con il Locarno Film Festival. 

Dal 2015 prepara una tesi di dottorato allโ€™universitร  Sorbonne Nouvelle โ€“ Paris III.

Yimei Zhang (Guiyang, Cina, 1990, vive e lavora a Locarno)

Curatrice indipendente, fotografa, coordinatrice e mediatrice in progetti di scambi artistici e culturali, si รจ laureata presso il Dipartimento di scenografia dโ€™arte presso lโ€™Accademia di Belle Arti di Brera di Milano nel 2014. Nello stesso anno, ha iniziato gli studi di master e si รจ laureata nel 2017 in Nuove tecnologie dโ€™arte allโ€™Accademia di Belle Arti di Brera. Ha partecipato a diversi progetti tra cui residenze, esposizioni e fiere dโ€™arte, mettendo in relazione scene artistiche di diverse zone geografiche, lavorando tra Svizzera, Italia e Cina. Nellโ€™estate del 2016, ha fondato Fuzao Studio, Milano, la cui attivitร  รจ caratterizzata dalla produzione di libri dโ€™artista, che vengono presentati ogni anno in fiere di settore sulla scena internazionale; nel 2020 รจ stata selezionata come fotografa per il catalogo dโ€™artista di Marta Margnetti โ€˜e improvvisamente scossa da una forzaโ€™ pubblicato dal MASI di Lugano.

Dal 2021 fa parte del gruppo direttivo de la rada, spazio per lโ€™arte contemporanea, come co-direttrice.

Process for a Film di Jeannette Muรฑoz, performance di expanded cinema in pellicola 16mm

19 settembre 2021 alle 16:00, Bi12, Biennale dellโ€™Immagine, Chiasso, Sede ABi – Vicolo dei Chiesa 1, 6830 Chiasso

Performance di cinema espanso in cui diverse pellicole 16mm vengono manipolate, montate in diretta e proiettate seguendo vari processi di deformazione in unโ€™atmosfera intimista. La struttura musicale della performance permette ai fotogrammi di sfuggire al dispositivo di proiezione convenzionale.

Workshop Pellicola 16mm

Durante lโ€™ultima settimana dellโ€™esposizione, lโ€™artista italo-sloveno Tomaลพ Burlin (1977, Koper/Capodistria) terrร  un workshop di iniziazione alla pratica cinematografica in 16mm con gli studenti del CISA di Locarno. Il materiale filmico prodotto in questo contesto verrร  mostrato sotto forma di performance di expanded cinema durante il finissage della mostra alla rada, sabato 16 ottobre 2021 alle 19:30.

Mostra realizzata con il gentile contributo di:

Landis & Gyr Stiftung, Fondazione Pro Helvetia, Erna und Curt Burgauer Stiftung, Ernst Gรถhner Stiftung. 

Lโ€™esposizione  รจ parte di Glob0, programma espositivo de la rada 2021. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

Si ringraziano inoltre i partners organizzativi di Persistenze:  CISA (Conservatorio Internazionale Scienze Audiovisive, Locarno), Bi12 Biennale dellโ€™Immagine (Chiasso), Spazio ELLE (Locarno) 

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ENGLISH

Persistenze focuses on artist films made in 16mm, a format known for its fragility and decaying properties. From the aesthetic of the ruins to a stratified approach of History, from the meditation on destruction to the trompe lโ€™oeil, the exposed artworks reflect on the possibility of the perception of the passing of time through the observation of the changes undergone by specific places and landscapes.

The world of cinema and moving image in general has gone through a massive digitalization process during the past 20 years: as a consequence the use of celluloid film became more difficult, expensive and obsolete. Despite the spreading of the dematerialization of the images, there are many artists that from the beginning of the 2000s  especially those whose work exist in the grey area between experimental cinema and art installation decided to develop their practice using 16mm, almost as a form of resistance. By doing so, they create artworks that are capable of questioning the processes of physical and cognitive transformation of familiar places and landscapes through a medium such as film, that is doomed to become a ruin itself due to the properties of its material support.

By doing so, they capture the processes of destruction and change of familiar landscapes on a material that is itself doomed to ruin. However, this is not a nostalgic operation. In all the artworks exhibited one can grasp the influence of Robert Smithson’s vision of the ruins: not as a static simulacrum of the past, but as an opportunity to observe the dynamics and the becoming of the world.

As the projection of celluloid film has become nowadays an increasingly rare practice, it has recovered its auratic dimension, in the Benjaminian sense of the term. Celluloid prints, due to the frailty of their material, are becoming more and more unique objects, whose unstable support changes from copy to copy, depending on the state of preservation and use. 

During the exhibition, one can experience the “life cycle” of a film: by going through the projectors and the loopers, some colors of the films will fade, scratches and new marks will appear, echoing the degradation of the walls of the buildings filmed, the denatured landscapes, the sense of transience of the image, opening up glimpses that inspire new interpretations and possible alternatives. 

In Sack Barrow, British filmmaker Ben Rivers (Somerset, 1972), documents the actions of six workers from a small factory in the outskirts of London that is about to close after 80 years of activity. Years and years of chemical and mineral processes transformed this place into a parallel microcosmos, liquid and spectral. 

Young director and anthropologist Andrea Bordoli (Stabio, 1990) showcases for the first time at la rada his film Stabulum, that explores the double nature of Stabioโ€™s landscape, a village on the border between Switzerland and Italy where he grew up, suspended between a bucolic past and a present made of industrial plants and transportation infrastructures.

Andrรฉs Baron (Bogotร , 1986) is a Colombian photographer and filmmaker based in Paris. Through his artistic practice he investigates on the different levels of interpretation of the images, by recontextualizing them and hijacking their codes and norms. Folded landscape (El Pรกramo) is a small essay on the image as trompe lโ€™oeil: a landscape first becomes a still image, then becomes a moving image.

Jeannette Muรฑoz (Santiago de Chile, 1967) practices the fragment form and the visual note as a structure to create her series of artworks. Puchuncavรญ (where the fiestas end) is the exploration of a place that carries in itself all the traces of its changes through the centuries: ending point of an ancient Inca route gone through Spanish colonization, it has become a touristic spot during the Allende years and became a camp under Pinochetโ€™s dictatorship. In recent years it evolved into an industrial centre.

Starting from the everyday as their research field, Swiss duo Taiyo Onorato & Nico Krebs (Zurigo and Winterthur, 1979) creates still and moving images where reality and fiction merge. Their film Fire, shot on a sigle 16mm roll, develops a reflection on the notion of duration and on the time needed to accomplish an act of destruction.

Jessica Macor (Como, Italy, 1990)

Researcher, film programmer and curator in the field of cinema and moving image, specialized in hybrid, documentary and experimental forms. She lives and works in Paris since 2009. In addition to curating film and video exhibitions and retrospectives (The matter of the digital image: personal retrospective on Jacques Perconteโ€™s work – Milan 2015, Boom cut guรฉrilla: collective video exhibition – Marseille 2016, Temps de pose: personal exhibition on Emmanuelle Negreโ€™s work- Paris 2018, 20 ans dโ€™archives: Festival des Cinรฉmas Diffรฉrents et Expรฉrimentaux de Paris – Paris 2018), she has collaborated with numerous national and international film festivals and institutions, including: Cinรฉma du rรฉel – Centre Pompidou, FIDMarseille, Collectif Jeune Cinรฉma, Lausanne Underground Film Festival and more recently with the Locarno Film Festival. She is preparing a doctoral thesis at the Sorbonne Nouvelle University – Paris III.

Yimei Zhang(Guiyang, China, 1990)

Independent curator, photographer, coordinator and mediator in artistic and cultural exchange projects, lives and works in Ticino. She graduated from the Department of Art Scenography at the Accademia di Belle Arti di Brera in Milan in 2014. In the same year, she began her master’s studies and graduated in 2017 in New Art Technologies at the Academy of Fine Arts of Brera. She has participated in various projects including artistic residencies, exhibitions and art fairs, linking artistic scenes from different geographical areas, working between Switzerland, Italy and China. In the summer of 2016, she founded Fuzao Studio in Milan, whose activity is focused on the production of artist books which are presented every year at international trade fairs; in 2020 she was selected as photographer for Marta Margnetti’s artist catalog โ€œand suddenly shaken by a forceโ€ published by MASI in Lugano. Starting from 2021 she is co-director of La Rada – spazio per lโ€™arte contemporanea.

Process for a Film by Jeannette Muรฑoz, expanded cinema performance on 16mm film

September 19, 2021 at 4pm, Bi12, Biennale dellโ€™Immagine, Chiasso

Sede ABi  – Vicolo dei Chiesa 1, 6830 Chiasso

Expanded cinema performance where the artist manipulates, edits and distorts different 16mm reels, in an intimate atmosphere. The musical structure of the performance allows the frames to escape from the conventional projection setting.

16mm Film Workshop

During the last week of the show, Italian-Slovenian artist Tomaลพ Burlin (1977, Koper/Capodistria) will direct a workshop on the practice of 16mm film with the students of the CISA in Locarno. The film material produced in this context will be shown as an expanded cinema performance that will take place for the closing of the exhibition at la rada, on Saturday October 16 at 7:30pm.

Exhibition kindly supported by:

Landis & Gyr Stiftung, Fondazione Pro Helvetia, Erna und Curt Burgauer Stiftung, Ernst Gรถhner Stiftung. 

This exhibition is part of Glob0, la radaโ€™s 2021 exhibition program. The annual program is supported by: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. We particularly thank Michele Tognetti for his consistent support.We thank the organizational partners of Persistenze:  CISA (Conservatorio Internazionale Scienze Audiovisive, Locarno), Bi12 Biennale dellโ€™Immagine (Chiasso), Spazio ELLE (Locarno)

Hanna Hildebrand

vernissage: merc. 4 agosto h 18
live music set: ven. 13 agosto, h 19 con Franziska Lantz

Orari di apertura: dal 5 al 14 agosto: tutti i giorni, h 17 โ€“ 22
dal 15 agosto al 5 settembre: dal venerdรฌ alla domenica, h 15 โ€“ 19

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opening: Wednesday August 4, 6pm
live music set: Friday August 13, 7pm with Franziska Lantz

Opening times: from August 5 to 14: every day, 5 โ€“ 10 pm
from August 15 to September 5: from Friday to Sunday, 3 โ€“ 7 pm

FOE ENGLISH SCROLL DOWN:

Come sempre, la rada offre al pubblico del Festival di Locarno la possibilitร  di vedere forme di espressione contemporanea laterali rispetto allโ€™arte cinematografica. Lโ€™artista esposta questโ€™anno โ€“ Hanna Hildebrand โ€“ รจ anche regista e dal 2018 sta lavorando sul progetto Omega Transit, trilogia di cortometraggi ispirata al genere science fiction.

Ma come detto, qui il pubblico trova una pausa rispetto alla consueta visione filmica. Questo progetto – ancora in evoluzione – รจ in effetti un dispositivo espositivo multimediale ed eclettico che traspone la verticalitร  della sequenza temporale di tre film sperimentali e li riporta orizzontalmente nelle sale di uno spazio indipendente dโ€™arte contemporanea.

In effetti la produzione di Omega Transit non รจ quella consueta di un film, ma soprattutto un progetto artistico e sociale che nasce – oltre che dallโ€™esperienza e approccio dellโ€™artista โ€“ anche da due intensi stimoli presenti a Chiasso, una delle sue cittร : il passaggio costante di migranti e la presenza di un centro commerciale dalle forme futuribili ma presto rimasto in disuso, il Centro Ovale. Brevemente, la trama del film รจ costituita dal viaggio di alcuni giovani verso una vita migliore, viaggio effettuato usando lโ€™Ovale come astronave interplanetaria. I dialoghi e le scene sono stati realizzati assieme dalla regista e dagli attori, che in questo film, nel contesto di momenti di improvvisazione, estendono il loro ruolo a reali partecipanti. Il mondo nuovo e migliore sui quali i personaggi atterrano รจ forse in un certo senso semplicemente la Svizzera, รจ un ritorno alla realtร , con una nuova coscienza acquisita dallโ€™esperienza e dalle vicissitudini del viaggio, decisamente non ancora terminato.

Lโ€™esposizione si apre con uno spazio di transizione: un passaggio tra materiali impiegati nelle riprese e copie di bozzetti e storyboard di alcune scene. Alcuni dei disegni e testi esposti in originale sono stati realizzati dai partecipanti durante i workshop preparatori e le riprese. I tre corti, realizzati dal 2018, rappresentano anche tre fasi delle vite effettive di post-adolescenti in cerca di un futuro.

Possiamo immaginare di avere di fronte un anziano che, ispirato dagli oggetti che lo circondano quotidianamente in uno scenario post apocalittico, racconti di accadimenti ipotetici e favolosi.

Si entra nellโ€™ultima sala in un caos proteiforme e rappresentativo del nostro vivere nel villaggio globale massmediatico, grazie a circa 15 proiezioni. Avanzando nella sala si procede dal primo episodio allโ€™ultimo della trilogia, mentre lโ€™astronave in viaggio e il correre dei ragazzi in cerca del mondo nuovo fanno da bordone a scene decisive di un film realizzato anche volutamente in modalitร  low-budget e lo-fi.

Hildebrand percepisce lโ€™influenza dellโ€™approccio dellโ€™architetto Yona Friedman: per lui una carta appallottolata puรฒ fungere da modello di un edificio. Ingenui effetti speciali sono perciรฒ stimoli e strumenti per lโ€™immaginazione. Una lettura onirica appare praticabile, anzi utile. Il viaggio interplanetario diviene lโ€™esperienza universale, in particolare adolescenziale, un processo di passaggio tra stati dellโ€™essere.

Appare evidente che รจ il processo, il lavoro che lโ€™artista e regista sta compiendo, che qui viene mostrato, in una forma liberamente esplorabile dallo spettatore.

Come detto, questo progetto รจ ancora in divenire ed invitiamo il pubblico a seguirlo, per esempio partecipando giovedรฌ 13 agosto dalle ore 19 al concerto della compositrice elettronica Franziska Lantz (Londra) che ha realizzato le colonne sonore di Omega Transit, sempre alla rada ed a ingresso libero.

I costumi dellโ€™ultimo episodio sono una collaborazione con lโ€™upcycling couture brand Rafael Kouto, dalle collezioni All the nothing that will remain, 2018, Suspended bodies that will never fall, 2019, e Wishing this world will last forever, 2020.

Questa esposizione รจ parte di GLOB0, programma della rada 2021, ed รจ curata dallโ€™ex direttore de la rada, Riccardo Lisi.

Il progetto Omega Transit รจ stato sostenuto nelle fasi di realizzazione da Infogiovani del Canton Ticino, da Pro Helvetia e dal Programma di Integrazione Cantonale. Un particolare ringraziamento al Centro Ovale e alla Croce Rossa Svizzera, Sezione del Sottoceneri. Il programma espositivo de la rada รจ reso possibile da: Gรถhner Stiftung, DECS Repubblica e Stato del Cantone Ticino / Fondi SwissLos, Cittร  di Locarno, Tognetti Auto (Gordola), Migros Percento Culturale. Un grande ringraziamento va a Matthew Antezzo, Sandro Pianetti, Rosario Ilardo e Michele Tognetti, oltre che al Locarno Film Festival.

ENGLISH:

As always, la rada offers the Locarno Festival public the opportunity to see contemporary forms of expression that are lateral to the art of cinema. The artist exhibited this year – Hanna Hildebrand – is also a director and since 2018 has been working on the Omega Transit project, a trilogy of short films inspired by the science fiction genre. But as mentioned, here the public finds a break from the usual film vision. This project – still evolving – is in fact a multimedia and eclectic display device that transposes the verticality of the temporal sequence of three experimental films and brings them horizontally into the halls of an independent contemporary art space. In fact, the production of Omega Transit is not the usual one of a film, but above all an artistic and social project that arises – as well as from the artist’s experience and approach – also from two intense stimuli present in Chiasso, one of her cities: the constant passage of migrants and the presence of a commercial center with a futurist shape, that soon fell into disuse, the Centro Ovale.

Briefly, the plot of the film is the journey of a group of youngsters towards a better life, a journey made using the Ovale as an interplanetary spaceship. The dialogues and scenes were made together by the director and the actors, who in this film, in the context of moments of improvisation, extend their role to real participants. The new and better world on which the characters land is perhaps in a certain sense simply Switzerland, it is a return to reality, with a new awareness acquired from the experience and vicissitudes of the journey, which is definitely not yet finished. The exhibition opens with a transition space: a transition between materials used in shooting and copies of sketches and storyboards of some scenes. Some of the original drawings and texts on display were made by the participants during the preparatory workshops and shooting. The three shorts, made since 2018, also represent three phases in the actual lives of post-adolescents looking for a future.

One can imagine, in the context of the exhibition, the point of view of an elderly person who, inspired by the objects that surround him every day in a post apocalyptic scenario, tells tales of hypothetical and fabulous events.

You enter the last room in a protean chaos representative of our life in the global mass media village, thanks to about 15 flat screen monitors. Advancing in the room, one proceeds from the first episode to the last of the trilogy, while the traveling spaceship and the running of the youths in search of the new world are the cast for decisive scenes of a film also deliberately made with a low-budget and lo- fi attitude. Hildebrand perceives the influence of architect Yona Friedman’s approach: for him a crumpled paper can serve as a model of a building. Relative naive special effects are therefore stimuli and tools for the imagination.

Another possible point of view is to interpret the total work of the exhibions as a dream or series of dreams. The interplanetary journey becomes the universal experience, especially of adolescence, a process of transition between states of being. It is clear that it is the process, the work that the artist and director is doing, which is shown here, in a form that can be freely explored by the viewer.

As mentioned, this project is still in progress and we invite the public to follow it, for example by participating on Thursday 13 August from 7 pm to the concert of the electronic composer Franziska Lantz (London) who made the soundtracks of Omega Transit, always at la rada with free admission.

The costumes of episode 3, are a collaboration with the upcycling couture brand Rafael Kouto, from the collections: All the nothing that will remain, 2018, Suspended bodies that will never fall, 2019, and Wishing this world will last forever, 2020.

The exhibition is part of GLOB0, la radaโ€™s 2021 program and has been curated by the former director of la rada, Riccardo Lisi.

The Omega Transit project was supported in the implementation phases by Infogiovani of the Canton of Ticino, by Pro Helvetia and by the Cantonal Integration Program. Special thanks to the Oval Center and the Swiss Red Cross, Sottoceneri Section. The exhibition program of la rada is made possible by: Gรถhner Stiftung, DECS Republic and State of the Canton of Ticino / Fondi SwissLos, City of Locarno, Tognetti Auto (Gordola), Migros Percento Culturale. A big thank you goes to Matthew Antezzo, Sandro Pianetti, Rosario Ilardo and Michele Tognetti, as well as to the Locarno Film Festival.

(scroll down for the english text)

Oscar Formacio, Byron Gago, Carlos Lara, Fatima Wegmann

A cura di Nina Fiocco e Tommaso Gatti

11 Giugno – 10 Luglio 2021 

Inaugurazione 11 Giugno, Ore 18.00

L’abbandono del paesaggio รจ un tema frequente nella storia dell’arte. Le immagini di vestigia e ambienti naturali con ruderi sono apparse in modo intermittente per diversi secoli,  spesso rappresentando il simbolo malinconico di un passato da celebrare. Ogni giorno, in America Latina, compaiono nuove rovine e alcuni territori si svuotano della presenza umana. Lontani da qualsiasi pretesa romantica, questi fenomeni sono legati su scala globale a politiche di sfruttamento e abuso, e sono la conseguenza di processi di estrattivismo, nuove industrializzazioni e narco-violenza.  Il paesaggio, raccontato e rappresentato dagli artisti latinoamericani, diventa quindi il sito forense in cui raccogliere indizi sulle conseguenze di questioni storiche e sociali al centro del dibattito postcoloniale contemporaneo. In Deriva Continental, a cura di Nina Fiocco e Tommaso Gatti, quattro paesaggi sono frammentariamente evocati attraverso i video, i racconti e le installazioni di quattro artisti (Oscar Formacio, Byron Gago, Carlos Lara e Fatima Wegmann) . Le opere presenti in mostra, a partire da ricerche microstoriche e suggestioni autobiografiche, delineano un quadro delle ragioni politiche dietro i processi di ricollocazione territoriale, di dislocamento forzato della popolazione e di ricostruzione della memoria in contesti specifici. 

Byron Gagoย (*Ecuador, 1994)ย vive e lavora a Losanna; ha ottenuto un bachelor presso lโ€™Accademia di Brera di Milano e un master in Visual Arts presso lโ€™ECAL di Losanna. รˆ stato insignito del Premio Ducato 2020 nella categoria Accademia. Nella sua pratica affronta con diversi media momenti storici di transizione a cui spesso introduce una componente di finzione, osservando in particolare l’architettura come dispositivo e agente di identitร  e le sue derive dispotiche, caratterizzate da spazi vincolati a specifici immaginari collettivi.

Fatima Wegmann ย (*Perรน, 1992)ย artista, operatrice culturale, ricercatrice e DJ (alias ven’3mo) con sede a Ginevra. Ha ottenuto un Bachelor presso lโ€™International Relations Global Institute dellโ€™Universitร  di Ginevra e sta svolgendo un Master in Visual Arts presso la HEAD di Ginevra. Il suo lavoro esplora nozioni di identitร  e ibridazione attraverso una pratica audiovisiva intrecciata con la poesia, le teorie postcoloniali e il cyberfemminismo. Questo le permette di dar luogo a distinti spazi di sperimentazione laddove ricerca discorsi emancipatori e processi di guarigione.ย 

Oscar Formacio (*Messico, 1989) vive e lavora in Messico, รจ artista e manager culturale. Il suo lavoro, basato sul suo quotidiano e sulla sua storia familiare, affronta criticamente problemi socio-politici ed economici, con particolare enfasi sui concetti di territorio e memoria. Il suo lavoro I lavori di Oscar sono stati esposti in diverse cittร  del Messico, cosรฌ come in mostre e festival in Spagna, Italia, Russia, Perรน e Germania.

Carlos Lara (*Messico,1994) รจ un artista multidisciplinare. Si รจ laureato in arti visive presso l’Universitร  di Monterrey (UDEM), ha studiato fotografia presso la scuola Alfa Horus e incisione, disegno e pittura presso la Scuola Adolfo Prieto. Il suo lavoro esplora le diverse maniere e le valenze simboliche legate ai processi di modernizzazione industriale, su cui รจ costruita l’identitร . In particolare analizza il processo di civilizzazione inteso come un riflesso della cultura del lavoro, come veicolo per il progresso, la capitalizzazione del tempo libero e lo sfollamento forzato in balia della modernizzazione.


Inaugurazione: 11 giugno 2021, ore 18.00-22.30

โ•Osservazioniโ•: il vernissage ha luogo in osservanza delle disposizioni vigenti.

Lโ€™affluenza รจ regolamentata, si richiede la mascherina e il rispetto delle distanze.

La mostra rimarrร  aperta fino al 10 luglio 2021

Orari dโ€™apertura: venerdรฌ – domenica 15.00 – 19.00

e su appuntamento: direzione@larada.ch  / +41789088262

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la rada

Via della Morettina 2, 6600 Locarno

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Deriva continental (una storia dโ€™abbandono)

Oscar Formacio, Byron Gago, Carlos Lara, Fatima Wegmann

Curated by Nina Fiocco and Tommaso Gatti

June 11 – July 10, 2021  

Opening: June 11, 6-9 pm

Abandoned landscapes are a frequent theme in art history. Images of vestiges and natural environments with ruins have appeared intermittently for several centuries, often representing the melancholic symbol of a past to be celebrated. Every day, new ruins appear in Latin America, and territories become empty of human presence. Far from any romantic claim, these phenomena are linked on a global scale to policies of exploitation and are the consequence of processes of extractivism, new industrialization, and narco-violence. The landscape, narrated and represented by Latin American artists, is the forensic site in which to collect clues about the consequences of historical and social issues at the center of the contemporary postcolonial debate. In Deriva Continental, curated by Nina Fiocco and Tommaso Gatti, four landscapes are fragmentarily evoked through the videos, stories, and installations of four artists (Oscar Formacio, Byron Gago, Carlos Lara, and Fatima Wegmann). The artworks, starting from micro-historical research and autobiographical suggestions, outline a picture of the political reasons behind the processes of territorial relocation, forced displacement of the population, and reconstruction of memory in a specific context.

Byron Gago  (*Ecuador, 1994) lives and works in Lausanne; he holds a BA from the Fine Arts Academy of Brera in Milan and a master’s degree in Visual Arts from ECAL in Lausanne. He was awarded the Ducato Prize 2020 in the Academy category. In his practice he faces, with different media, historical moments of transition to which he often introduces a component of fiction, focusing on architecture as a device and agent of identity and its despotic drifts, characterized by spaces bound to specific collective imagination.

Fatima Wegmann (*Perรน, 1992) is an artist, cultural worker, researcher, and DJ (aka ven’3mo) based in Geneva. She holds a BA from the International Relations Global Institute at the University of Geneva and is pursuing a Master’s degree in Visual Arts at HEAD in Geneva. Her work explores notions of identity and hybridization through an audiovisual practice intertwined with poetry, postcolonial theories, and cyberfeminism. This allows her to give rise to distinct spaces of experimentation where she researches emancipatory discourses and healing processes. 

Oscar Formacio (*Mexico, 1989) lives and works in Mexico, is an artist and cultural manager. His work, based on his daily life and family history, critically addresses socio-political and economic issues, with particular emphasis on the concepts of territory and memory. Oscarโ€™s works have been exhibited in several cities in Mexico, as well as in exhibitions and festivals in Spain, Italy, Russia, Peru, and Germany.

Carlos Lara (*Mexico, 1994) is a multidisciplinary artist. He graduated in visual arts from the University of Monterrey (UDEM), studied photography at the Alfa Horus school, and etching, drawing, and painting at the Adolfo Prieto School. His work explores the different symbolic values related to the processes of industrial modernization, on which the identity is built. In particular, he analyzes the process of civilization understood as a reflection of the culture of work, as a vehicle for progress, the capitalization of leisure, and forced displacement at the mercy of modernization.

Opening: June 11, 2021, 6:00-10:30 pm

โ•Noteโ•: the vernissage will take place in compliance with the precautionary covid-19 measures. Attendance is regulated and a mask and respect for distances are required.

The exhibition is open until July 10, 2021

Opening hours: Friday – Sunday 3-7 pm

and by appointment: direzione@larada.ch / +41789088262

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la rada

Via della Morettina 2, 6600 Locarno

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Mostra realizzata con il contributo di: Migros Ticino e Pro Helvetia Nuove Leve

Lโ€™esposizione  รจ parte di Glob0, programma espositivo de la rada 2021. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

Exhibition realized with the contribution of: Migros Ticino and Pro Helvetia Nuove Leve

The exhibition is part of Glob0, la radaโ€™s 2021 exhibition program. The yearly program has the support of: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent. We would like to especially thank Michele Tognetti for his consistent support.

(scroll down for the English text)

Lo sguardo di Piritta Martikainen introduce al mistero che avvolge la natura; sullโ€™esile soglia tra sogno e realtร  tangibile รจ condotto chi guarda le fotografie e i video presentati a la rada. Lโ€™artista porta ad ulteriore compimento le ricerche che hanno contraddistinto sino ad ora la sua poetica: lโ€™ancestrale rapporto tra uomo e natura, incarnata, questโ€™ultima, dalle terre scandinave e da quelle ticinesi. Il mondo che ci restituisce qui raggiunge inediti effetti di onirismo: Martikainen sconfina nella visione piรน marcatamente sognante, nella rรชverie.
I lavori โ€“ realizzati tra il 2020 e il 2021 con rare eccezioni โ€“ hanno visto la luce durante passeggiate solitarie, fatte nello spirito di una flรขneuse dei tempi moderni. Il termine flรขneuse associato alla pratica della fotografa non appare fuori luogo, soprattutto se si considera il suo approccio, basato sullโ€™osservazione profonda e sullโ€™autentico godimento estetico di colore, di luce e di forme; ma qui il paesaggio naturale si sostituisce a quello cittadino. Inoltre, la fotografa non parte da idee preconcette, piuttosto si lascia trascinare in un viaggio intimo e solitario,
in un flusso interiore di immagini poetiche alimentate da stupore e meraviglia, che trovano poi riscontro nelle fotografie. La maggior parte dei lavori qui presentati sono nati nel clima di grande incertezza legato alla pandemia. In questo contesto ci siamo visti costretti ad accogliere la solitudine nelle sue svariate forme, e la natura piรน che mai ha rappresentato un luogo di fuga. I paesaggi di Martikainen rimandano allora ad una sorta di locus amoenus: un ambiente di rifugio, idilliaco e incontaminato, fuori dal mondo e dal tempo. In questโ€™ottica, essi si caricano di nuove valenze e offrono spunti di riflessione ulteriori in merito, ad esempio, ai dibattiti inerenti allo scombussolamento delle abitudini di vita che hanno caratterizzato gli ultimi tempi.
Il mito della forza della natura che affascina e intimorisce, insito in alcuni lavori, ricorda i sentimenti dei pittori romantici a cavallo tra Sette e Ottocento. Pure la sacralitร  del paesaggio romantico offre parallelismi di rilievo: nel โ€œMonaco in riva al mareโ€ di Caspar David Friedrich, ad esempio, lโ€™infinito coincide con il sacro. Alcuni lavori di Martikainen โ€“ come โ€œUhripuu (Lโ€™albero del sacrificio)โ€ โ€“ focalizzano lโ€™attenzione sulla dimensione sacrale di antiche credenze e pratiche proprie al folclore scandinavo, legate al culto della natura. Nei video lโ€™artista sperimenta le possibilitร  espressive di materiali riflettenti, come lastre di rame o plastica, e ancora lenti apposite. Con tali strumenti si raggiungono effetti di distorsione e alterazione che esaltano la componente magica e fiabesca. Nel video โ€œVisioita (Visioni)โ€ Martikainen evidenzia il pulsare del cosmo mediante lโ€™impiego di musiche elettroniche dellโ€™artista sonora siberiana e residente a Ginevra Olga Kokcharova, e attraverso immagini che rimandano alla complessitร  della natura, sintetizzata nei suoi elementi primigeni: terra, acqua, aria e fuoco. Nel video sono integrate parti che lโ€™artista aveva creato per la piรจce teatrale โ€œMacbeth, le cose nascosteโ€.
La scelta di unirle al lavoro รจ dettata dalla volontร  di marcare la corrispondenza tra natura e condizione umana, divisa tra ombra e luce. Nel susseguirsi metamorfico della pluralitร  dei volti della natura, lo sguardo si fa a tratti quasi allucinato, rivelando i lati piรน inquieti e inquietanti dellโ€™animo umano: il sangue nel candore di un manto innevato si trasforma in una macchia di Rorschach, lโ€™abbaiare di un cane suggerisce presenze fantasmatiche, mentre il ronzio incessante di sottofondo introduce una tensione che lascia presagire risvolti affatto idilliaci.

Mostra personale di ๐๐ข๐ซ๐ข๐ญ๐ญ๐š ๐Œ๐š๐ซ๐ญ๐ข๐ค๐š๐ข๐ง๐ž๐ง
02.05 – 29.05.2021
a cura di Nadia Bensbih


Piritta Martikainen
Finlandese di nascita, svizzera di adozione, fotografa, videoartista, insegna materie artistiche presso il CSIA/SCA. Si laurea in Finlandia in Arti visive, e prosegue gli studi presso lโ€™Accademia di Belle Arti di Vienna.
Dal 2000 partecipa ad esposizioni in Svizzera e allโ€™estero (MAK, Vienna; Kaapelitehdas, Helsinki; FotoGrafia Festival internazionale di Roma; Substitut, Berlino; Villa Dutoit, Ginevra; 8a Biennale dellโ€™immagine, Chiasso). Al 2013 risale la mostra personale al Museo Cantonale dโ€™Arte di Lugano; nel 2018 espone al Max Frisch Bad, Freibad Letzigraben di Zurigo. Nel 2020 le sue fotografie e video fanno parte dello spettacolo teatrale presso il LAC โ€œMacbeth, le cose nascosteโ€ per la regia di Carmelo Rifici; nel 2020 presso Casa Pessina ha luogo la mostra personale โ€œVedelleโ€.

Lโ€™esposizione โ€œRรชverie. Metamorfosi della visioneโ€ รจ parte di Glob0, programma espositivo de la
rada 2021. Con il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent,
Percento culturale Migros Ticino. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

Vernissage: Sabato, 01.05.2021, 18:00 โ€“ 21:00

Durata esposizione: dal 1/5/21 al 29/5/21

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Solo show of ๐๐ข๐ซ๐ข๐ญ๐ญ๐š ๐Œ๐š๐ซ๐ญ๐ข๐ค๐š๐ข๐ง๐ž๐ง

Curated by Nadia Bensbih

02.05 – 29.05.2021

Piritta Martikainen’s gaze introduces us to the mystery that surrounds nature; the viewer is led to the thin threshold between dream and tangible reality by the photographs and videos presented at la rada. The artist brings to a further completion the research that has characterized her poetics up to now: the ancestral relationship between mankind and nature, embodied by the Scandinavian lands and those of Ticino. The world that she shows us here reaches new effects of oneiricism: Martikainen crosses over into the most markedly dreamy vision, into rรชverie.The works – realized with rare exceptions between 2020 and 2021 โ€“ are captured during solitary walks, made in the spirit of a modern-day flรขneuse. The term flรขneuse associated with the photographer’s practice does not seem out of place, especially considering her approach, based on deep observation and authentic aesthetic enjoyment of color, light and form; but here the natural landscape is substituted for the cityscape. Moreover, the photographer does not start from preconceived ideas, but rather allows herself to be drawn into an intimate and solitary journey, into an inner flow of poetic images fueled by awe and wonder, which are then reflected in the photographs. Most of the works presented here were born in the climate of great uncertainty related to the pandemic. In this context we were and still we are all forced to embrace solitude in its various forms, and nature more than ever represented a place of escape. Martikainen’s landscapes refer to a sort of locus amoenus: a refuge, idyllic and uncontaminated, out of the world and out of time. From this point of view, they are charged with new values and offer further food for thought regarding, for example, the debates related to the disruption of lifeโ€™s habits that have characterized recent times. The myth of the fascinating and frightening force of nature, inherent in some of the works, recalls the feelings of the Romantic painters at the turn of the 18th and 19th centuries. Also the sacredness of the Romantic landscape offers important parallels: in Caspar David Friedrich’s “Monk by the Sea”, for instance, the infinite coincides with the sacred. Some of Martikainen’s works – such as “Uhripuu (Tree of Sacrifice)” – draw attention to the sacred dimension of ancient beliefs and practices of Scandinavian folklore, linked to the cult of nature. In the videos, the artist experiments with the expressive possibilities of reflective materials, such as copper or plastic plates, and special lenses. With these instruments she achieves effects of distortion and alteration that exalt the magical and fairy-tale component. In the video “Visioita (Visions)” Martikainen highlights the pulsing of the cosmos through the use of electronic music by Siberian sound artist based in Geneva Olga Kokcharova, and through images that refer to the complexity of nature synthesized in its primordial elements: earth, water, air and fire. In the video are integrated parts that the artist had created for the play “Macbeth, le cose nascoste”. The choice to include them to the work is dictated by the desire to mark the correspondence between nature and the human condition, divided between shadow and light. In the metamorphic succession of the plurality of natureโ€™s faces, the gaze becomes at times almost hallucinating, revealing the most restless and disturbing sides of the human soul: the blood on the whiteness of a snowy mantle is transformed into a stain of Rorschach, a barking of a dog suggests ghostly presences, while the incessant buzzing in the background introduces a tension that lets us presage implications not at all idyllic.

Piritta Martikainen

Born in Finland, living in Switzerland, photographer, video artist, teaches art subjects at CSIA/SCA. She graduated in Visual Arts in Finland and continued her studies at the Academy of Fine Arts in Vienna. Since 2000 she has participated in exhibitions in Switzerland and abroad (MAK, Vienna; Kaapelitehdas, Helsinki; FotoGrafia Festival internazionale di Roma; Substitut, Berlin; Villa Dutoit, Geneva; 8th Biennale dell’immagine, Chiasso). The solo exhibition at the Museo Cantonale d’Arte in Lugano dates back to 2013; in 2018 she exhibits at the Max Frisch Bad, Freibad Letzigraben in Zรผrich. In 2020 her photographs and videos are part of the theatrical piรจce at the LAC “Macbeth, le cose nascoste” directed by Carmelo Rifici; in 2020 at Casa Pessina takes place the personal exhibition “Vedelle”. The exhibition โ€œRรชverie. Metamorfosi della visioneโ€ is part of Glob0, la radaโ€™s 2021 exhibition program. With the support of: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent, Percento culturale Migros Ticino. We would like to especially thank Michele Tognetti for his consistent support.

Vernissage: Saturday 1st, 6 – 9pm

Duration of exhibition: 1 – 29 May, 2021

(scroll down for the english text)

Il programma espositivo de la rada dell’anno in corso รจ intitolato Glob0 (Globzero). Si tratta di una serie di 6 esposizioni, di respiro internazionale, che mettono in relazione il locale con il globale. Glob0, mette a fuoco una vasta gamma di argomenti nel contesto dello stato attuale del mondo, riflettendo le sfide e le complessitร  del nostro tempo. Il titolo Glob0, รจ una fusione di globale e zero, a indicare l’urgenza di ricominciare da capo. A causa dei recenti cambiamenti sociali ed economici, cosรฌ come dei progressi della tecnologia dell’informazione, la nostra condizione globale รจ interconnessa a un livello molto avanzato, consentendo ai cittadini del mondo di considerare una gamma piรน ampia di prospettive e domande poste da questa nuova realtร . Da maggio a fine anno verranno presentati 6 progetti distinti.  Caratterizzati dalla loro specificitร  e dalla loro portata globale, e legati dal filo conduttore di un ampio scambio umano, essi rappresentano una pluralitร  di riflessioni sulla vita contemporanea e sulle sue dinamiche.

Il lancio di Glob0 coincide con lโ€™inaugurazione della nuova direzione collettiva de la rada, composta da curatori e artisti. Descrive i diversi interessi e portata dei partecipanti e il loro desiderio di collegare il locale con il mondo intero. Il nuovo team ritiene che la chiave della conoscenza risieda in una visione pluriprospettica e che uno spazio indipendente abbia la caratteristica di riunire una comunitร  in uno scambio fluido e stimolante di idee, tendenze e competenze. 

Le attivitร  de la rada sono supportate da Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Kulturprozent, Migros Ticino, Pro Helvetia Nuove Leve, Fondo Culturale Sud e Guggenheim Stiftung. Vorremmo ringraziare in particolare Michele Tognetti per il suo costante supporto. 

GLOB0, PROGRAMMA ESPOSITIVO LA RADA 2021

1- Piritta Martikainen

Rรชverie. Metamorfosi della visione

Dal 1/5/21 al 29/5/21, Curata da Nadia Bensbih

Nei video e fotografie dellโ€™artista finlandese trapiantata in Ticino, il paesaggio naturale scandinavo e quello ticinese si fondono in visioni dal carattere ora immediato ora onirico. La metamorfosi del volto della natura rivela la magia e lo stupore di cui si fa portavoce lโ€™artista.

2- Oscar Formacio, Byron Gago, Carlos Lara, Fatima Wegmann

Deriva Continental (una storia di abbandono)

Dal 11/6/21 al 10/7/2, Curata da Nina Fiocco e Tommaso Gatti

Con la storia coloniale dell’America Latina come punto di partenza, questa mostra indaga i retroscena delle condizioni attuali che affliggono la regione e, in una portata piรน ampia, il nostro mondo. Le riflessioni degli artisti diventano materiale per lavori artistici che affrontano questioni di disuguaglianza, estrattivismo delle risorse, economie egemoniche e altri dibattiti postcoloniali

3- Hanna Hildebrand

Omega Transit

Dal 4/8/21 al 4/9/21, Curata da Riccardo Lisi

Un film di fantascienza sperimentale che ha come punto di partenza la partecipazione di persone che hanno vissuto la migrazione e si stanno attualmente integrando in Svizzera. Il progetto opera su molti livelli: come visione individuale di un artista, come sforzo collaborativo, come commento sociale, come esercizio pratico di narrazione con un gruppo di viaggiatori che affrontano nuove sfide in una nuova terra. 

4- Andrea Bordoli, Andrรฉs Baron, Jeannette Muรฑoz, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Ben Rivers

Persistenze

Dal 18/9/21 al 16/10/21, Curata da Jessica Macor e Yimei Zhang

Persistenze รจ unโ€™esposizione di film dโ€™artista realizzati in pellicola 16mm, un formato instabile e soggetto alla decomposizione. Dallโ€™estetica delle rovine allโ€™approccio stratificato della storia, dalla meditazione sulla distruzione al trompe lโ€™oeil, le opere esposte propongono una riflessione sulle possibilitร  di percezione dello scorrimento temporale attraverso lโ€™osservazione dei cambiamenti di luoghi e paesaggi.

5- Alex Crettenand, Joanna Selinger & Mayar El Bakry

Soundata

Dal 29/10/21 al 27/11/21, Curata da Zaira Oram

Questa รจ una tappa di un largo esperimento di comunicazione e diffusione, che supera i confini fisici e materiali: un museo del suono su un sito web. Il museo si manifesta negli spazi, e nello specifico in questo capitolo saranno presentate due opere sonore che si relazionano a scienza e natura.

6- Alessio Binda, Lucas Herzig, Xiao Longhua, Lvya, Nicolas Polli, Gabriel Stรถckli, Vera Trachsel, Gong Yuwei

Eutropia

Dal 10/12/21 al 8/1/22, Curata da Carolina Sanchez e Yimei Zhang

Un gruppo di giovani artisti svizzeri i esplora uno dei luoghi piรน ferventi del momento, la Cina, per poi tornare insieme ad alcuni giovani artisti cinesi per presentare al pubblico attraverso una extravaganza multimediale le loro scoperte condivise.

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ENGLISH TEXT:

The current yearโ€™s exhibition program of la rada is titled Glob0 (Globzero). It is a series of 6 exhibitions, with an international scope, relating the local to the global.  Glob0, brings into focus a wide range of topics in the context of the worldโ€™s current state, reflecting the challenges and complexities of our time. The title Glob0, is a portmanteau of global and zero, indicating the urgent need to start anew. Due to recent social and economic changes, as well as advanced information technology, our global condition is interconnected at a highly advanced level, allowing citizens of the world to consider a wider range of perspectives and questions posed by this new reality. From May until the end of the year, 6 distinct projects will be presented. Characterized by their differences and their global reach, and bound by a common thread of broad human exchange, they represent a plurality of reflections on contemporary life and its dynamics.

The launch of Glob0 coincides with the inauguration of the new collective directorship at la rada, composed of curators and artists. It lays out the diverse interests and reach of the participants and their desire to connect the local area with the greater world. The new team believes that the key to knowledge resides in a poly-perspective vision and that an independent space has the characteristic of bringing together a community in a fluid and stimulating exchange of ideas, trends and skills.

The activities of la rada are supported by Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino, Migros Ticino, Migros Ticino, Pro Helvetia Nuove Leve program, Fondo Culturale Sud e Guggenheim Stiftung. We would like to especially thank Michele Tognetti for his consistent support.

GLOB0, EXHIBITION PROGRAM LA RADA 2021

1- Piritta Martikainen

Rรชverie. Metamorfosi della visione

From 1/5/21 to 29/5/21, Curated by Nadia Bensbih

In the videos and photographs of the Finnish artist transplanted to Ticino, the Scandinavian and the Ticinese natural landscapes merge into visions with an immediate and dreamlike character. The metamorphosis of the face of nature reveals the magic and amazement of which the artist is spokesperson.

2- Oscar Formacio, Byron Gago, Carlos Lara, Fatima Wegmann

Deriva Continental (una storia di abbandono)

From 11/6/21 to 10/7/21, Curated by Nina Fiocco and Tommaso Gatti

With Latin America colonial history as its starting point, this exhibition investigates the background to current conditions which plague the region and in a wider scope, our world. The artistโ€™s reflections then become the material for various works of art that address issues of inequity, resource extractivism, hegemonic economies and other postcolonial debates.

3- Hanna Hildebrand

Omega Transit

From 4/8/21 to 4/9/21, Curated by Riccardo Lisi

An experimental science fiction that has as a starting point, the participation of people who have experienced migration, and are currently integrating in Switzerland. The project operates on many levels: as an individual artistโ€™s vision, as a collaborative effort, as social commentary, as a practical exercise of storytelling with a group of travelers facing challenges in a new land.

4- Andrea Bordoli, Andrรฉs Baron, Jeannette Muรฑoz, Taiyo Onorato & Nico Krebs, Ben Rivers

Persistenze

From 18/9/21 to 16/10/21, Curated by Jessica Macor and Yimei Zhang

Persistenze focuses on artist films made in 16mm, a format known for its fragility and decaying properties. From the aesthetic of the ruins to a stratified approach of History, from the meditation on destruction to the trompe lโ€™oeil, the exposed artworks reflect on the possibility of the perception of the passing of time through the observation of the changes undergone by specific places and landscapes.

5- Alex Crettenand, Joanna Selinger & Mayar El Bakry

Soundata

From 29/10/21 to 27/11/21, Curated by Zaira Oram

This is a single stage of a large experiment of communication and diffusion, which goes beyond physical and material boundaries: a sound museum on a website.  The museum manifests in spaces, and specifically in this chapter, there will be two sound works presented which relate to science and nature.

6- Alessio Binda, Lucas Herzig, Xiao Longhua, Lvya, Nicolas Polli, Gabriel Stรถckli, Vera Trachsel, Gong Yuwei

Eutropia

From 10/12/21 to 8/1/22, Curated by Carolina Sanchez and Yimei Zhang

A group of curious young Swiss artists explores one of the most fervent places at the moment, China, and then returns together with young Chinese artists colleagues to present their shared discoveries to the public through a multimedia extravaganza.

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