Data Mining

06.05 – 11.06.2023

Con / With Paolo Bufallini & Lorenzo Lunghi

Curata da / Curated by Yimei Zhang & Tommaso Gatti

Vernissage : sabato 06 maggio 2023 dalle 18:00

Vernissage : Saturday 06 May 2023 from 18:00

Orario di apertura: da venerdì a sabato dalle 15:00 alle 19:00 e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

Opening hours: Friday to Saturday from 15:00 to 19:00 and by appointment at: direzione@larada.ch

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La rada è lieta di invitarvi al vernissage della mostra Data Mining, a cura di Yimei Zhang e Tommaso Gatti, sabato 06 maggio 2023 dalle ore 18:00. 

Data Mining è una mostra che presenta una selezione di opere di Paolo Bufalini e Lorenzo Lunghi, artisti la cui pratica guarda alla tecnologia con uno sguardo insolito, distante dal freddo rigore di chi se ne serve in maniera strumentale. Le opere in mostra si servono di luci ultraviolette a irradiazione germicida, concentratori di ossigeno, dispositivi di rilevazione di dati biometrici e tecniche arcaiche di divinazione, per creare un ponte tra tecnologia, suggestione poetica e pensiero magico. Il titolo della mostra fa riferimento al termine informatico che indica l’estrazione automatizzata di informazioni dalle profondità del web, ma apre a numerose possibili interpretazioni, alludendo a uno scavo che non è letterale, ma metaforico. Mentre Paolo Bufalini esplora le profondità del mondo onirico, e della memoria individuale e collettiva, attraverso inconsueti ritratti fotografici, Lorenzo Lunghi presenta una serie di misteriosi dispositivi scultorei che agiscono sull’infosfera della mostra, attivando processualità invisibili eppur cariche di simbologia.  

Paolo Bufalini è un scultore le cui opere si compongono prevalentemente di oggetti accostati a creare composizioni inconsuete la cui suggestività è determinata dalla capacità di agire sull’immaginazione dello spettatore a un livello pre-razionale. Nel suo lavoro ricorre a una fascinazione per la natura sfuggente, simil-magica della tecnologia. In occasione di “Data Mining”, Paolo Bufalini, espone “The Sleeper” e “The Kingdom”, recenti lavori fotografici, accanto a due sculture inedite. “The Sleeper” è la documentazione fotografica del processo attraverso il quale, servendosi di un dispositivo medicale a elettrodi, l’artista ha trasformato i dati biometrici sul sonno della propria compagna in un NFT. “The Kingdom”, è una serie di fotografie d’infanzia scattate dall’artista in un museo di scienze naturali, spillate, come reperti entomologici, all’interno di teche.

Lorenzo Lunghi è uno scultore che utilizza pratiche DYI di manomissione degli oggetti per creare opere che attingono all’immaginario mitopoietico del Web e che riflettono su forme contemporanee di tecnofobia. In occasione di Data Mining, l’artista espone alcune delle sue “Spie”, fragili e minacciose sculture in vetro simili ad artigli, e “Ultraviolette” una scultura-lampadario a radiazione germicida. Nella versione realizzata per Data Mining, le “Spie”, connesse a concentratori di ossigeno, esalano attraverso i loro tubicini minuscole quantità di ossigeno, come fossero organismi viventi, mentre “Ultraviolette” incombe sullo spettatore, come una sinistra tecnologia aliena, in attesa di svolgere il proprio lavoro notturno.  

Biografie:

Paolo Bufalini (Roma, 1994) vive a Bologna, dove ha frequentato l’Accademia di Belle Arti.

Tra il 2016 e il 2019 ha gestito lo spazio no profit TRIPLA, di cui è stato co-fondatore. Progetti e  mostre recenti includono: beloved (personale), Gelateria Sogni di Ghiaccio, Bologna, a cura di Condylura (2023); Land of Nod, online/IRL, a cura di Treti Galaxie (2023); MON viewing room (personale), Torino (2022); Casting the Castle III – They repeat themselves constantly, but do not create a sense of habit, Civitella Ranieri Foundation, Umbertide, a cura di Saverio Verini (2022); A paradise for smiling alligators, Mura Urbiche, Lecce (2022); Forget me not, Fabbri- Schenker Projects, Londra (2022); eve (personale), MASSIMO, Milano, a cura di Paolo Gabriotti (2021); Futuro. Arte e Società dagli anni Sessanta a domani, Gallerie d’Italia, Vicenza, a cura di Walter Guadagnini (2020); Martedì (personale), Localedue, Bologna, a cura di Gabriele Tosi (2020); Estate Autunno, State Of, Milano, a cura di Irene Angenica, Giovanni Paolin e Giacomo Pigliapoco (2019); Snoozin’ Gutssss, Neverneverland, Amsterdam, a cura di MRZB (2019); Low (personale), Adiacenze, Bologna (2018); Bello, Dimora Artica, Milano (2018); Playing Scenic, Pinacoteca Nazionale, Bologna (2017); Tirarsi Fuori, P420, Bologna (2017). Nel 2021 è tra gli artisti selezionati per la residenza d’artista Nuovo Forno del Pane presso il MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna. Tra i premi ricevuti negli ultimi anni: Carapelli for Art (2022); Premio Combat (2020); Premio Acquisto Opere d’arte della regione Emilia-Romagna (2020).

Lorenzo Lunghi (Crema, 1993), vive e lavora tra Crema e Milano. Dopo la laurea triennale conseguita nel 2018 in Pittura e Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti Giacomo Carrara, Bergamo, ha concluso nel 2021 il Master in Arti Visive, Work, Master Contemporary Artistic Practices, presso HEAD, Ginevra. 

I suoi lavori sono stati esposti in diversi contesti, tra cui: 

Superblast II, NAM – Not A Museum, Manifattura Tabacchi, Firenze, Italia, 2022; PLATTFORM22, Kulturhaus Palazzo, Liestal, Svizzera, 2022; Adesso no, a cura di Bruno Barsanti e Gabriele Tosi, Manifattura Tabacchi, Firenze, Italia, 2022; Mal di pancia (solo show) AN/CONTEMPORANEA, Ancona, Italia, 2021; Warum ist das Schöne so schwach, Giulietta, Zürcherstrasse 144, Basilea, Svizzera, 2021; Biennale di Monza, a cura di Daniele Astrologo Abadal, Reggia di Monza, Italia, 2021; Domani Qui Oggi, a cura di Ilaria Gianni, Palazzo delle Esposizioni, Roma, 2020; Exception of (not) being, a cura di Essenza Club e Rhizome Parking Garage, Online show, 2020; DEDICHE, a cura di Sonnenstube e Lumpen Station, Sonnenstube, Lugano, Svizzera, 2020; Weaving Home, Limbo off-space, Ginevra, Svizzera, 2020; BAITBALL (01) “I’ll slip an extra shrimp on the barbie for you”, a cura di Like A Little Disaster and Harlesden High Street, Palazzo San Giuseppe, Polignano a Mare, 2020; INSONNE, Sonnenstube, Lugano, Svizzera, 2019; Avviso di garanzia, a cura di Giacinto di Pietrantonio e Simone Ciglia, Fuoriuso, Pescara, 2016.

Dal 2016 al 2019 ha fatto parte del collettivo DITTO di cui citiamo le mostre: Eclissi, MACAO, Milano, 2018; Spettri (premio MAXXI), a cura di Giulia Gelmini, Villa Farinacci, Roma, 2018; Blind Date, Current, Milano, 2018. Dal 2019 cura una serie di mostre itineranti tra contesti naturali ed extra urbani, tra cui ricordiamo: Erbacce, Monza, 2020; Miraggio, Fontanile Fontanone, Farinate, 2019; FORTEZZA, Giacomq, Bergamo, 2019.

L’esposizione è parte di “Un nuovo crepuscolo“, programma espositivo de la rada 2023. Il programma annuale beneficia del sostegno di: Repubblica e Cantone Ticino Swisslos, Fondazione Pro Helvetia, Municipio di Locarno.

Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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La Rada is pleased to invite you to the Vernissage of the exhibition Data Mining, curated by Yimei Zhang and Tommaso Gatti, on Saturday 06 May 2023 from 6 pm.

Data Mining is an exhibition presenting a selection of works by Paolo Bufalini and Lorenzo Lunghi, artists whose practice looks at technology with an unusual eye, far from the cold austerity of those who use it instrumentally. The works in the exhibition use germicidal ultraviolet lamps, oxygen concentrators, biometric data collection devices and archaic divination techniques to create a bridge between technology, poetic suggestion and magical thinking. The title of the exhibition refers to the computer term for the automated extraction of information from the depths of the web, but opens up numerous possible interpretations, alluding to an excavation that is not literal but metaphorical. While Paolo Bufalini explores the depths of the oneiric world and of individual and collective memory through unusual photographic portraits, Lorenzo Lunghi presents a series of mysterious sculptural devices that act on the exhibition’s infosphere, activating invisible but symbolically charged processes.

Paolo Bufalini is a sculptor whose works consist mainly of objects juxtaposed to create unusual compositions whose suggestiveness is determined by their ability to act on the viewer’s imagination at a pre-rational level. In his work, he draws on his fascination with the elusive, magical nature of technology. On the occasion of ‘Data Mining’, Paolo Bufalini is exhibiting ‘The Sleeper’ and ‘The Kingdom’, recent photographic works, alongside two new sculptures. “The Sleeper” is the photographic documentation of the process by which the artist, using a medical electrode device, transformed his partner’s biometric sleep data into an NFT. “The Kingdom is a series of childhood photographs taken by the artist in a natural science museum, stapled like entomological specimens in display cases.

Lorenzo Lunghi is a sculptor who uses DYI practices of object manipulation to create works that draw on the mythopoetic imagery of the Web and reflect on contemporary forms of technophobia. For Data Mining, the artist is showing some of his ‘Spie’, fragile and menacing claw-like glass sculptures, and ‘Ultraviolette’, a germicidal lamp sculpture. In the version created for Data Mining, the ‘Spie’, connected to oxygen concentrators, exhale tiny amounts of oxygen through their tubes as if they were living organisms, while ‘Ultraviolette’ looms over the viewer like a sinister alien technology waiting to do its night job.

Biographies:

Paolo Bufalini (Rome, 1994) lives in Bologna, where he attended the Academy of Fine Arts.

Between 2016 and 2019 he ran the non-profit space TRIPLA, of which he was co-founder. Recent projects and exhibitions include: beloved (solo), Gelateria Sogni di Ghiaccio, Bologna, curated by Condylura (2023); Land of Nod, online/IRL, curated by Treti Galaxie (2023); MON viewing room (solo), Turin (2022); Casting the Castle III – They repeat themselves constantly, but do not create a sense of habit, Civitella Ranieri Foundation, Umbertide, curated by Saverio Verini (2022); A paradise for smiling alligators, Mura Urbiche, Lecce (2022); Forget me not, Fabbri- Schenker Projects, London (2022); eve (solo show), MASSIMO, Milan, curated by Paolo Gabriotti (2021); Futuro. Arte e Società dagli anni Sessanta a domani, Gallerie d’Italia, Vicenza, curated by Walter Guadagnini (2020); Martedì (solo show), Localedue, Bologna. curated by Gabriele Tosi (2020); Estate Autunno, State Of, Milan, curated by Irene Angenica, Giovanni Paolin, Giacomo Pigliapoco (2019); Snoozin’ Gutssss, Neverneverland, Amsterdam, curated by MRZB (2019); Low (solo show), Adiacenze, Bologna (2018); Bello, Dimora Artica, Milan (2018); Playing Scenic, Pinacoteca Nazionale, Bologna (2017); Tirarsi Fuori, P420, Bologna (2017). In 2021 he is among the artists selected for the artist residency Nuovo Forno del Pane at MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna. Among the prizes received in recent years: Carapelli for Art (2022); Combat Prize (2020); Emilia-Romagna Region Art Purchase Prize (2020).

Lorenzo Lunghi (Crema, 1993) lives and works between Crema and Milan. After graduating in 2018 in Painting and Visual Arts at the Accademia di Belle Arti Giacomo Carrara, Bergamo, he completed in 2021 the Master in Visual Arts, Work, Master Contemporary Artistic Practices, at HEAD, Geneva. 

His work has been exhibited in various contexts, including: 

Superblast II, NAM – Not A Museum, Manifattura Tabacchi, Florence, Italy, 2022; PLATTFORM22, Kulturhaus Palazzo, Liestal, Switzerland, 2022; Adesso no, curated by Bruno Barsanti and Gabriele Tosi, Manifattura Tabacchi, Florence, Italy, 2022; Mal di pancia (solo show) AN/CONTEMPORANEA, Ancona, Italy, 2021; Warum ist das Schöne so schwach, Giulietta, Zürcherstrasse 144, Basel, Switzerland, 2021; Biennale di Monza, curated by Daniele Astrologo Abadal, Reggia di Monza, Italy, 2021; Domani Qui Oggi, curated by Ilaria Gianni, Palazzo delle Esposizioni, Rome, 2020; Exception of (not) being, curated by Essenza Club and Rhizome Parking Garage, Online show, 2020; DEDICATIONS, curated by Sonnenstube and Lumpen Station, Sonnenstube, Lugano, Switzerland, 2020; Weaving Home, Limbo off-space, Geneva, Switzerland, 2020; BAITBALL (01) “I’ll slip an extra shrimp on the barbie for you”, curated by Like A Little Disaster and Harlesden High Street, Palazzo San Giuseppe, Polignano a Mare, 2020; INSONNE, Sonnenstube, Lugano, Switzerland, 2019; Avviso di garanzia, curated by Giacinto di Pietrantonio and Simone Ciglia, Fuoriuso, Pescara, 2016.

From 2016 to 2019 he was part of the DITTO collective, whose exhibitions include: Eclissi, MACAO, Milan, 2018; Spettri (MAXXI prize), curated by Giulia Gelmini, Villa Farinacci, Rome, 2018; Blind Date, Current, Milan, 2018. From 2019 he curates a series of travelling exhibitions between natural and extra-urban contexts, including: Erbacce, Monza, 2020; Miraggio, Fontanile Fontanone, Farinate, 2019; FORTEZZA, Giacomq, Bergamo, 2019.

The exhibition is part of ‘Un Nuovo Creposcolo‘, the exhibition programme of la rada 2023. The annual programme is supported by: Republic and Canton of Ticino Swisslos, Pro Helvetia Foundation, Locarno City Hall.

Special thanks to Michele Tognetti for his constant support.

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Graphic design by Joshua Althaus & Marco Buetikofer

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♡ Free entrance ♡

室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS)

18.03 – 23.04.2023

Con / With Caroline Bachmann, Vera Trachsel, Enea Toldo e Yuwei Gong

Curata da / Curated by Yimei Zhang e Neda Zanetti

Vernissage : sabato 18 marzo 2023 dalle 17:00

Vernissage : Saturday 18 March 2023 from 17:00

Orario di apertura: da venerdì a sabato dalle 15:00 alle 19:00 e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

Opening hours: Friday to Saturday from 15:00 to 19:00 and by appointment at: direzione@larada.ch

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La rada è lieta di invitarvi al vernissage della mostra 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS), a cura di Yimei Zhang e Neda Zanetti, sabato 18 marzo 2023 dalle ore 17:00

L’esposizione 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS) presenta il lavoro di Caroline Bachmann, Vera Trachsel, Enea Toldo e Yuwei Gong, artistə che trasformano dei luoghi fisici in paesaggi interiori dove esplorare la relazione col mondo circostante. Il paesaggio diventa il punto di partenza dove s’incrociano le trame della pittura con il mondo concreto e organico, offuscando così la frontiera che separa naturale ed artificiale, arrivando a sperimentare dei modi per abitare l’ambiente. 

Questi paesaggi nascono da uno sguardo soggettivo sulla natura che ne fa delle rappresentazioni sensibili ed emotive. Sono così interiori ma anche interni, racchiusi e ripiegati nelle stanze espositive che li accolgono. Al contempo, essi portano con sé le distese acquitrinose e terrose che rappresentano, allontanandosi dal frenetico e statico spazio urbano che li contiene per far germogliare la possibilità di un ciclo naturale e lento: quello della crescita delle piante e delle stagioni che si succedono. Questi paesaggi pittorici hanno quindi la forza di evocare uno spazio-tempo naturale ed intimo. 

Le risonanze visibili tra le opere lasciano intuire la possibilità di un legame sincronico che le riunisca attorno allo stesso orizzonte significante, oltre ogni causalità geografica e storica. È, tale sincronicità, “l’affiorare di parallelismi simbolici” che, secondo Jung, “non può essere spiegato senza ricorrere all’ipotesi dell’inconscio collettivo” (Jung, La sincronicità). Gli intrecci selvaggi e gli orizzonti quieti sono quindi irrorati da una sfera simbolica comune: i lavori dellə quattro artistə “mettono il mondo in cammino, suscitano le forze che gonfiano le forme, provocano le forze addormentate nel piatto universo” (Bachelard, Paysages. Albert Flocon). Ma soprattutto ci mettono in cammino verso ecosistemi dove la natura non è più sacrificata e circoscritta ma si annida in ogni nostro gesto quotidiano, rinnovando il bisogno di un legame intimo e spontaneo con la natura. 

Le opere di Caroline Bachmann selezionate per la mostra 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS) appartengono a due serie alle quali l’artista lavora dal 2013 in un processo lento e molteplice che la porta a lavorare su più tele simultaneamente: le vedute del lago Lemano e i ritratti dal vivo di artistə svizzerə ed internazionalə. L’artista gioca con la frontiera della sua soggettività esteriorizzandola. Nei suoi quadri trapela così il suo sguardo sul mondo, sulle montagne verdeggianti e sull’acqua luminosa come sui volti rilassati che diventano luoghi atmosferici e fisionomici. 

La poetica di Vera Trachsel interroga la visibilità del gesto creativo nella materia ch’esso trasforma e modella in paesaggi dominati dal movimento. È proprio attraverso il movimento che l’artista arriva a coniugare e a sospendere l’opposizione nelle antitesi quotidiane, dove l’artificiale si fa naturale, il leggero pesante, il palpabile impalpabile e la realtà di schiude al sogno. Le sue installazioni tessili riorganizzano gli spazi espositivi in una promenade giocosa e vertiginosa dove la durata è quella dell’attraversamento. 

Il processo creativo di Enea Toldo si conclude con la creazione di tele monumentali che condensano gli schizzi preparatori, frammenti in cui è possibile osservare la fluidità del suo tratto minuzioso. L’artista prepara il supporto pittorico con un composto d’argilla, sabbia e paglia al fine di creare una materia irregolare ed organica capace di accogliere le forme di una vegetazione fragile e ormai prossima all’estinzione. I suoi quadri portano così le tracce di una successione inesorabile quanto ciclica dove annullazione e rinascita di congiungono. I disegni di Yuwei Gong emergono dal suo quotidiano, dai luoghi che frequenta come mercatini dell’usato e negozi d’antiquariato. Negli oggetti che egli vi trova si manifesta un incontro tra presente e passato dove il tempo si stratifica, ormai circolare grazie alla possibilità del ritorno. È così che vecchi fogli e cartoncini sono attualizzati per accogliere i toni dei blu, dei verdi e dei viola con cui Gong restituisce i boschi e i fiumi prossimi ai luoghi a lui vicini, Beijing e Shenzhen. Sono dei paesaggi sfuggenti e ricordati che si cristallizzano su carta, ormai persistenti – o presenti.

L’esposizione è parte di “Un nuovo crepuscolo“, programma espositivo de la rada 2023. Il programma annuale beneficia del sostegno di: Repubblica e Cantone Ticino Swisslos, Fondazione Pro Helvetia, Municipio di Locarno.

Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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La Rada is pleased to invite you to the Vernissage of the exhibition 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS), curated by Yimei Zhang and Neda Zanetti, on Saturday 18 March 2023 from 5 pm.

The exhibition 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS) presents the work of Caroline Bachmann, Vera Trachsel, Enea Toldo, and Yuwei Gong, artists who transform physical places into interior landscapes where they explore their relationship with the surrounding world. The landscape becomes the starting point where the textures of painting intersect with the concrete and organic world, blurring the border separating the natural and the artificial, and experimenting with ways of inhabiting the environment.

These landscapes arise from a subjective view of nature that makes them sensitive and emotional representations. They are thus interior but also interior, enclosed and folded into the exhibition rooms that house them. At the same time, they carry with them the marshy and earthy expanses they represent, moving away from the hectic and static urban space that contains them to bring forth the possibility of a slow, natural cycle: that of the growth of plants and the succeeding seasons. These pictorial landscapes thus have the power to evoke a natural and intimate space-time.

The visible resonances between the works hint at the possibility of a synchronic link that brings them together around the same signifying horizon, beyond all geographical and historical causality. It is such synchronicity, “the surfacing of symbolic parallelisms” that, according to Jung, “cannot be explained without recourse to the hypothesis of the collective unconscious” (Jung, The Synchronicity). The wild entanglements and quiet horizons are thus sprinkled with a common symbolic sphere: the works of the four artists “set the world on its way, arouse the forces that swell forms, provoke the forces asleep in the flat universe” (Bachelard, Paysages. Albert Flocon). But above all, they set us on a path toward ecosystems where nature is no longer sacrificed and circumscribed but nests in our everyday gestures, renewing the need for an intimate and spontaneous connection with nature.

The works by Caroline Bachmann selected for the exhibition 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS) belong to two series on which the artist has been working since 2013 in slow and multiple processes that leads her to work on several canvases simultaneously: views of Lake Geneva and live portraits of Swiss and international artists. The artist plays with the frontier of her subjectivity by externalizing it. Her paintings thus reveal her view of the world, of green mountains and luminous water as well as of relaxed faces that become atmospheric and physiognomic places.

Vera Trachsel‘s poetics question the visibility of the creative gesture in the material it transforms and shapes into landscapes dominated by movement. It is precisely through movement that the artist manages to combine and suspend the opposition in everyday antitheses, where the artificial becomes natural, the light heavy, the palpable impalpable and reality opens up to dreams. Her textile installations reorganize the exhibition spaces in a playful and vertiginous promenade where the duration is that of crossing.

Enea Toldo‘s creative process ends with the creation of monumental canvases that condense the preparatory sketches, fragments in which one can observe the fluidity of his meticulous stroke. The artist prepares the pictorial support with a mixture of clay, sand, and straw in order to create an irregular and organic material capable of accommodating the forms of fragile vegetation close to extinction. His paintings thus bear the traces of an inexorable as well as cyclic succession where annulment and rebirth come together.

Yuwei Gong‘s drawings emerge from his everyday life, from the places he frequents such as flea markets and antique shops. In the objects he finds there, an encounter between present and past manifests itself, where time stratifies, now circular thanks to the possibility of return. It is thus that old sheets and cards are updated to accommodate the tones of blues, greens, and purples with which Gong restores the woods and rivers close to his neighboring places, Beijing and Shenzhen. They are fleeting, remembered landscapes that crystallize on paper, now persistent – or present.

The exhibition is part of ”Un nuovo crepuscolo”, the exhibition programme of la rada 2023. The annual programme is supported by: the Republic and Canton of Ticino Swisslos, Pro Helvetia Foundation, and Locarno City Hall.

Special thanks to Michele Tognetti for his constant support.

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Graphic design by Joshua Althaus & Marco Buetikofer

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♡ Free entrance ♡

Siamo felic* di annunciare il nuovo programma annuale 2023 de La Rada:

La Rada presenta il nuovo programma espositivo del 2023. Come nuovo capitolo della storia ventennale dell’associazione, il programma “Un nuovo crepuscolo” porterà a Locarno, da marzo a dicembre, sei mostre collettive ed un festival indipendente di pubblicazioni, fanzine e libri d’artista.
Sviluppato dal nuovo comitato dell’associazione in collaborazione con curatorз invitatз, “Un nuovo crepuscolo” continua ad elaborare il percorso iniziato più di vent’anni fa per rendere La Rada un modello sempre più unico in Ticino di spazio indipendente di ricerca e sperimentazione artistica.

Il nuovo comitato de La Rada si è insediato per la prima volta a fine settembre dell’anno scorso. Ad accompagnare la direttrice artistica e curatrice Yimei Zhang, sono entratə a far parte dell’associazione creativə ticinesə che operano a livello cantonale e nazionale. Il comitato è composto da Carolina Sanchez (*1989), Alessio Binda (*1989), Maria Martinelli (*1957), Isotta Ragazzoni (*1992), Rafael Kouto (*1990), e Neda Zanetti (*1996) che a fianco della direzione, svolge invece i compiti di segretariato.

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Il nuovo programma inizierà sabato 18 marzo 2023 (dalle ore 17.00) con la vernice della prima esposizione “室内景观 (Paysages Intérieurs)”. Curata da Yimei Zhang e Neda Zanetti, la mostra presenta una selezione di artistз svizzerз ed internazionalз la cui pratica pittorica interroga il rapporto tra l’individuo e la natura.

Con l’apertura della nuova stagione espositiva, La Rada presenterà anche la sua nuova identità visiva. Sviluppata dal grafici Joshua Althaus e Marco Buetikofer, questa si concentra sulla nuova direzione dello spazio, proponendo una nuova visione che si rifletterà nei canali digitali e le pubblicazioni stampate dell’associazione.

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EN

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We are happy to announce La Rada’s new 2023 annual programme:

La Rada presents its new 2023 exhibition program. As a new chapter in the association’s 20-year history, “Un nuovo crepuscolo” program will bring six group exhibitions and an independent festival of publications, fanzines and artist’s books to Locarno from March to December 2023.


Developed by the association’s new committee in collaboration with invited curators, “Un nuovo crepuscolo” continues to elaborate on the path begun more than two decades ago to make La Rada an increasingly unique model in Ticino of an independent space for artistic research and experimentation.

La Rada’s new committee took office for the first time at the end of September last year. Accompanying artistic director and curator Yimei Zhang, creatives from Ticino working at the cantonal and national levels have joined. The committee is made up of Carolina Sanchez (*1989), Alessio Binda (*1989), Maria Martinelli (*1957), Isotta Ragazzoni (*1992), Rafael Kouto (*1990), and Neda Zanetti (*1996), who also assists the director.

The new program will begin on Saturday, March 18, 2023 (from 5 p.m.) with the opening of the first exhibition “室内景观 (Paysages Intérieurs).” Curated by Yimei Zhang and Neda Zanetti, the exhibition presents a selection of Swiss and internationalз artists whose painting practice interrogates the relationship between the individual and nature.

With the opening of the new exhibition season, La Rada will also present its new visual identity. Developed by graphic designers Joshua Althaus and Marco Buetikofer, this focuses on the new direction of the space, proposing a new vision that will be reflected in the association’s digital channels and print publications.

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“Un nuovo crepuscolo”: programma marzo – giugno | Programme March – June 2023

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室内景观 (Paysages Intérieurs) con/with Caroline Bachmann, Vera Trachsel, Yuwei Gong, Enea Toldo
a cura di / curated by Yimei Zhang & Neda Zanetti
18 marzo – 23 aprile 2023 / March 18-April 23, 2023
vernice: sabato 18 marzo dalle ore 17:00 / Opening: Saturday 18 March from 17:00

Data Mining con / with Lorenzo Lunghi & Paolo Bufalini
a cura di / curated by Yimei Zhang & Tommaso Gatti
6 maggio – 11 giugno 2023 / 6 May – 11 June 2023
vernice: sabato 6 maggio 2023 dalle ore 18:00 / Opening: Saturday 6 May 2023 from 18:00

Post Action : Supports of languages con / with Joshua Althaus & Federico Paviani
a cura di / curated by Yimei Zhang Binda, Neda Zanetti, Rafael Kouto
30 giugno – 23 luglio 2023 / 30 June – 23 July 2023
vernice: 30 giugno 2023 dalle ore 18:00 / Opening : 30 June 2023 from 18:00

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SAVE THE DATE
SABATO 18 MARZO 2023,
VERNICE 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS)
DALLE ORE 17.00

SATURDAY 18 MARCH 2023, OPENING 室内景观 (PAYSAGES INTÉRIEURS)
FROM 17:00

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La Rada (Locarno, Cantone Ticino) è un’associazione culturale no profit per l’arte contemporanea dal 1996.

La Rada (Locarno, Canton Ticino) is a non-profit cultural association for contemporary art since 1996.
La Rada
Via alla Morettina 2
6600 Locarno

larada.ch
direzione@larada.ch

IG: larada_locarno
FB: la rada

James Bantone, Costanza Candeloro, Giulia Essyad, Eleonora Luccarini

26.11.2022-15.01.2023

Curata da/Curated by  Giacomo Pigliapoco e Lucrezia Galeotti

Vernissage:  sabato 26 Novembre dalle 17:00-21:00

Durante Vernissage ci sarà un reading-performance di Eleonora Luccarini

Action, grace, resemblance alle 18:30

Aperture della mostra: solo su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

Vernissage: Saturday, Nov. 26 from 5-9 pm

During Vernissage there will be reading-performance by Eleonora Luccarini

Action, grace, resemblance at 6:30 pm

Exhibition opening: only by appointment, write to: direzione@larada.ch

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BodiesBodies è un discorso aperto e frammentario sulla meta-identità in cui sculture, installazioni, video e performance si combinano per disegnare uno spazio ibrido, tra reale e immaginario, verità e menzogna.

La mostra propone alcune possibili visioni del corpo umano legate alla costante esposizione ai linguaggi cinematografici e al genere narrativo Theory Fiction. Con la crescente attenzione dei media verso comportamenti, sentimenti, psiche e frammenti di esperienze intime e autobiografiche, noi stessi diventiamo il luogo e il mezzo di propagazione di comportamenti altrui, assumendo le scelte e l’estetica dei testimonial dello spettacolo. Il nostro corpo è continuamente costretto al confronto con quello degli altri. Questo meccanismo ha inequivocabilmente spinto la società verso una nuova sfera identitaria, dove gli aspetti legati al genere, alla razza e alla sessualità sono permeati attraverso i prodotti dell’industria cinematografica, le serie televisive e i più vari e disparati linguaggi narrativi utilizzati a fini pubblicitari.

BodiesBodies propone un nuovo immaginario legato al corpo e all sua delicata e dirompente natura trasformativa, tentando di elaborare una forma di narrazione capace di essere all’altezza delle sfide poste dal mondo in cui la forma computazionale del pensiero è diventata la forma culturale egemonica. La mostra approfondisce forme di narrazione alternativa in cui i confini tra realtà e fiction si assottigliano, sovrascrivendo un’ulteriore struttura espositiva non-lineare.

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BodiesBodies is an open and fragmentary discourse on meta-identity in which sculptures, installations, videos and performances combine to draw a hybrid space, between real and imaginary, truth and lies.

The exhibition proposes some possible visions of the human body related to the constant exposure to cinematic languages and the Theory Fiction genre With the media’s increasing focus on behaviors, feelings, psyches, and fragments of intimate and autobiographical experiences, we ourselves become the site and medium of propagating others’ behaviors, taking on the choices and aesthetics of the show’s testimonials. Our bodies are constantly forced into comparison with those of others. This mechanism has unequivocally pushed society toward a new sphere of identity, where aspects of gender, race, and sexuality are permeated through the products of the film industry, television series, and the most varied and disparate narrative languages used for advertising purposes.

BodiesBodies proposes a new imagery related to the body and its delicate and disruptive transformative nature, attempting to elaborate a form of narrative capable of rising to the challenges posed by the world in which the computational form of thought has become the hegemonic cultural form. The exhibition delves into alternative forms of storytelling in which the boundaries between reality and fiction are thinned, overwriting an additional non-linear exhibition structure.

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Graphic design by Santhyan Rizzo

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♡ Free entrance ♡

30.09-13.11.2022  

Esposizione fotografica bipersonale 

Ludovica De Santis & Andrea Basileo

Curata da/Curated by: Jessica Macor & Yimei Zhang

ᐯEᖇᑎIᔕᔕᗩGE::

Venerdi 30 settembre dalle 18:00-21:00

Friday 30 September from 18:00-21:00

Orari di apertura della mostra: da venerdì a Sabato, dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

Exhibition hours: Friday through Saturday, 3 to 7 p.m.

and by appointment by writing to: direzione@larada.ch

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Le hasard fait bien les choses mette in dialogo gli scatti di due giovani fotografi, Ludovica De Santis e Andrea Basileo, questionando la pratica dell’istantanea attuale e delle possibilità di rappresentazione della quotidianità.

“Le hasard fait bien les choses”, cioè “il caso fa riuscire le cose” è un detto famigliare francese che allude alle fortunate coincidenze, alle serendipità, a un fato benefico al quale la vita talvolta ci confronta, facendoci esclamare di stupore. Ma il caso è un elemento che, chi si occupa di fotografia, deve imparare a cogliere al volo, a scatenare, a rendere malleabile, per poter immortalare i suoi soggetti in un dato momento sotto forma di istantanea.

Ed è così che la nozione di accidentalità diventa quindi per alcuni artisti lo strumento stesso del loro mestiere, al medesimo livello della macchina fotografica: la condizione sine qua non della loro pratica.

Il titolo francese dell’esposizione è tutt’altro che casuale. Pur non informando in maniera esplicita l’opera dei due fotografi, sia Andrea Basileo che Ludovica De Santis hanno un legame particolare con Parigi, poiché tutti e due hanno vissuto in questa città per periodi più o meno lunghi. La fotografa romana infatti ha studiato teoria e storia del cinema alla Sorbona, laureandosi con una tesi sulle tecniche narrative nel cinema sovietico prima di tornare in Italia e installarsi nel capoluogo lombardo; invece il fotografo ticinese, dopo aver conseguito il diploma in fotografia allo IED di Milano, ha diviso la sua vita a partire dal 2017 tra Ginevra e Parigi, come assistente e fotografo di campagne per grandi marchi di alta moda.

Due percorsi incrociati, speculari e chiastici, che però oltre ad essere accomunati dalla casualità dell’iter geografico, presentano anche una netta similitudine nell’approccio alla fotografia.

Entrambi infatti, pur essendo nati e cresciuti negli anni 90, facendo quindi parte della generazione che ha assistito all’avvento della trasformazione digitale, prediligono per la loro pratica artistica l’uso della pellicola analogica, che permette alle loro fotografie di far emergere la grana dell’emulsione chimica e di stabilire un rapporto particolare con la luce. Questa scelta, quasi a controcorrente rispetto alla tendenza attuale, permette ai due artisti di catturare davvero l’essenza di un’istantanea e di rispettarne la temporalità di produzione: serrata, momentanea, per realizzare lo scatto in sé, unico e irripetibile, e dilatata invece per scoprirne il risultato su carta dopo il processo di sviluppo. 

All’epoca della condivisione immediata delle informazioni, dell’instant messaging, dei social media basati sul testo o sull’immagine, filtrata e modificata, questo ritorno alla spontaneità e alla materialità del medium fotografico pare una boccata d’aria fresca.

L’esposizione Le hasard fait bien les choses propone due nuove serie commissionate da La Rada a De Santis e Basileo: abili ritrattisti, entrambi portano uno sguardo particolarmente emotivo ed intimista ai soggetti immortalati dalla loro macchina fotografica. 

Praticando l’arte della fotografia di strada grezza, brutale e diretta, Ludovica De Santis narra storie di noia e solitudine provinciale. In questa nuova serie, la fotografa romana porta il suo sguardo nella regione del Viterbese per esplorare la periferia e la vita dei suoi abitanti nell’era dell’ultra digitalizzazione, dei ritmi di vita accelerati, del divario generazionale reso ancora più marcato dall’avvento di internet. Ma in realtà, cos’è cambiato? Come sopravvivono abitudini e immagini legate al secolo scorso?

Dopo aver realizzato il progetto pluriennale “Tutti frutti”, dedicato ai momenti ludici dell’infanzia, Andrea Basileo, in questa nuova serie, coglie gli sguardi emblematici di una generazione che ha deciso, per una ragione o per l’altra, di andare a vivere altrove rispetto al luogo d’origine. Nell’intimità dei loro appartamenti o in esterni affezionati, i soggetti degli scatti del fotografo ticinese evocano una nuova quotidianità in divenire, in bilico costante tra le tracce del passato e una nuova geografia, interiore ed esteriore, ancora da costruire.

Le serie dei due fotografi diventano dunque le facce di una stessa medaglia, capaci di carpire visivamente le sorprese del caso attraverso la cristallizzazione di un momento, in bilico tra epoche e luoghi.

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Le hasard fait bien les choses brings into dialogue the shots of two young photographers, Ludovica De Santis and Andrea Basileo, questioning the contemporary practice of the snapshot and the possibilities of representing everyday life.

“Le hasard fait bien les choses,” meaning “chance makes things succeed,” is a familiar French saying that alludes to fortunate coincidences, serendipity, a beneficent fate to which life sometimes confronts us causing us to exclaim in amazement. But chance is an element that, those involved in photography, must learn to catch on the fly, to unleash, to make malleable, in order to immortalize their subjects at any given moment in the form of a snapshot.

The notion of accidentality thus becomes for some artists the very instrument of their craft, on the same level as the camera: the sine qua non condition of their practice.

The French title of the exhibition is anything but accidental. Although it does not explicitly inform the work of the two photographers, both Andrea Basileo and Ludovica De Santis have a special connection to Paris, as both have lived in this city for more or less long periods of time. In fact, the Roman photographer studied theory and history of cinema at the Sorbonne, graduating with a thesis on narrative techniques in Soviet cinema before returning to Italy and settling in the Lombard capital; on the other hand, the photographer from Ticino, after graduating in photography at the IED in Milan, has divided his life as of 2017 between Geneva and Paris, as an assistant and campaign photographer for major high fashion brands.

Two crossed paths, specular and chiastic, which, however, in addition to being united by the coincidences of the geographical iter, also present a clear similarity in their approach to photography.

In fact, both of them, despite being born and raised in the 1990s, thus being part of the generation that witnessed the advent of digital transformation, prefer the use of analog film, which allows their photographs to bring out the grain of the chemical emulsion and to establish a special relationship with light. This choice, almost against the current trend, allows the two artists to truly capture the essence of a snapshot and to respect its temporality of production: tight, momentary, to realize the unique and unrepeatable shot itself, and dilated instead to discover the result on paper after the development process. 

In the age of instant information sharing, instant messaging, text-based or image-based social media, filtered and edited, this return to the spontaneity and materiality of the photographic medium seems like a breath of fresh air.

The exhibition Le hasard fait bien les choses features two new series commissioned by La Rada to De Santis and Basileo: skilled portraitists, the two photographers both bring a particularly emotional and intimate look to the subjects immortalized by their cameras. 

Practicing the art of raw, brutal and direct street photography, Ludovica De Santis tells stories of provincial boredom and loneliness. In this new series, the Roman photographer brings her gaze to the region around Viterbo (Italy) to explore suburbia and the lives of its inhabitants in the era of ultra-digitization, accelerated pace of life, and the generation gap made even more pronounced by the advent of the Internet. But really, what has changed? How do habits and images associated with the last century survive?

After the project “Tutti frutti” dedicated to the playful moments of childhood, Andrea Basileo captures in this new series the emblematic gaze of a generation that has decided, for one reason or another, to move away from their place of origin. In the intimacy of their apartments or in affectionate exteriors, the subjects of the Ticinese photographer’s shots evoke a new everyday life in the making, constantly balancing between the traces of the past and a new  interior and exterior geography, yet to be constructed.

The two series thus become two sides of the same coin, capable of visually grasping the surprises of chance through the crystallization of a moment, poised between epochs and places.

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Graphic design by 𝑱𝒐𝒔𝒉𝒖𝒂 𝑨𝒍𝒕𝒉𝒂𝒖𝒔

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♡ Free entrance and don’t miss it 

Serata di proiezioni a La Rada, in presenza de* cineast*

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GIOVANE CINEMA CONTEMPORANEO

Serata di proiezioni a La Rada, in presenza de* cineast*

Il 7 agosto ore 17:00-23:00

Programma:

17:30-19:00 cortometraggi:

LA PATIENCE DES VIGNES di Agnese Làposi, 15’

LA ROUTE DES JEUNES di Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas e Saro Vallejo, 16’

À LA RECHERCHE D’ALINE, di Rokhaya Marieme Balde, 26’

20:30-22:00 aperitivo

22:00-23:00 UN USAGE DE LA MER di Fabrizio Polpettini,52’

23:00 chiusura

FILMS:

LA PATIENCE DES VIGNES

di Agnese Làposi, Svizzera, 2021, 15’, francese (st inglese) prodotto da Artist Collective Revolta e Ardèche Images 

Nel 1888 l’epidemia di fillossera devasta i vigneti europei, causando disperazione e povertà. Monsieur Chevrier è alla ricerca del luogo dove sembra sia stata trovata una soluzione: una fabbrica di innesti. Ma gli sconvolgimenti indotti da questa malattia sulla viticoltura persistono nel tempo. Difatti, il viaggio di Monsieur Chevrier prevale le contingenze storiche e si prolunga fino ai giorni nostri.

Nata a Lugano nel 1995, Agnese è cresciuta in Ticino, Svizzera. Nel 2019 ha conseguito il Bachelor in regia cinematografica presso l’ECAL di Losanna. Due dei suoi cortometraggi più recenti, Alma nel branco e Zu Dritt (quest’ultimo co-diretto con Benjamin Bucher), hanno partecipato a diversi festival internazionali (Palm Springs, Premiers Plans, Oberhausen, IDFA, Visions du Réel). Dopo gli studi in Svizzera, nel 2021 ha concluso un Master in cinema documentario a Lussas, in Francia, con il film ‘La Patience des vignes’.

LA ROUTE DES JEUNES

di Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas e Saro Vallejo, Svizzera, 2021, 16’, francese (st inglese)

prodotto da HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Sotto al viadotto che innalza la Route des Jeunes a Ginevra, l’epicentro del divertimento della città coesiste con gli ammassi di polvere accumulata dai veicoli abbandonati. A seconda dei giorni e degli orari, si ritrovano skaters, giocatori di hockey, promettenti motociclisti che si esercitano con gli slalom, o dei giovani che si godono le loro auto. La gioventù fa parte della storia di questa strada, dalla sua costruzione nel 1942 fino ad oggi.

Justine Knuchel è nata a Paradiso, Svizzera nel 1997, ed ha la nazionalità svizzera e italiana. Dopo aver studiato fotografia per due anni all’ECAL (École Cantonale d’Art de Lausanne) e due anni alla HEAD (Haute école d’art et de design – Geneva) come montatrice di film, è principalmente fotografa, montatrice e regista autodidatta. Nel 2019 ha fondato il suo studio FONDAMENTA e lavora per il Base Camp, un ex campo militare trasformato in hub creativo durante Locarno Film Festival. Nel 2021 ha girato, tramite fotogrammetria, 53 presentazioni video di 53 atelier d’artisti svizzeri, e questo lavoro è stato esposto al MCBA.

Juan Manuel Vegas, è location sound mixer, regista, montatore, sound designer, direttore della fotografia e sound editor.

Saro Vallejo è cresciuto vicino a Zurigo e a Quito, e ora vive a Ginevra. Ha la doppia nazionalità svizzera ed ecuadoriana. Dopo aver lavorato come assistente di produzione e ricoprendo diversi ruoli nel cinema come freelance, si è iscritto alla HEAD (Haute École d’Art et Design) dove studia attualmente.

À LA RECHERCHE D’ALINE 

di Rokhaya Marieme Balde, Svizzera/Senegal, 2021, 26’, francese/wolof (st inglese)

prodotto da HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Rokhaya, una giovane regista, torna a casa sua a Dakar per realizzare un film su un personaggio storico locale. Nel corso della sua ricerca, che consiste in interviste a personalità locali, discussioni con il suo team e scene di finzione girate sul posto, scopriamo la storia di Aline Sitoe Diatta.

Rokhaya Marieme Balde è nata a Dakar (Senegal) nel 1995. Ha iniziato gli studi alla Sup Imax Dakar (Institut Supérieur des Arts et Métiers du Numérique) nel 2017. Dopo un anno di studi in International Business Management in Cina e un semestre in Scienze Politiche all’Università di Montreal, ottiene il suo Bachelor in regia alla HEAD (Haute école d’art et de design) nel 2020. Ha iniziato di recente un Master congiunto ECAL/HEAD in sceneggiatura.

UN USAGE DE LA MER

di Fabrizio Polpettini, Francia, 2021, 52’, italiano/francese/arabo/inglese (st inglese)

prodotto da ​​La Bête, con Baton Rouge Productions e ViàOccitanie

In questo diario di viaggio apertamente autobiografico, una serie di incontri casuali rivelano le tracce lasciate da eventi semi-dimenticati che in un modo o nell’altro hanno dato forma alla storia del Mediterraneo.

Nota del regista:

“Sono cresciuto in una piccola città della costa settentrionale italiana. Sin dalla mia infanzia, il Mediterraneo è stato il panorama a me più familiare. A sei anni, avevo già imparato come prendere i ricci di mare a mani nude, senza pungermi.

Di recente sono rimasto sempre più sorpreso e intristito dall’immagine che alcuni politici senza fantasia, specialmente in Italia dove sono nato, hanno voluto attribuire al mio campo giochi preferito. Infatti, hanno provato a descrivere il Mediterraneo come una frontiera divisoria, le cui coste al Nord e al Sud sono abitate da popolazioni tradizionalmente ed essenzialmente straniere ed ostili le une alle altre. 

Alcuni anni fa, in una fresca serata d’autunno a Losanna, un incontro casuale mi ha messo sulle tracce di una ricerca lungo il Mediterraneo, nella quale sono stato accompagnato da due amici registi: Roman da Locarno, in Svizzera, e Amir da Constantine, in Algeria. Ciò che immaginavamo sarebbe stato un girovagare nello spazio si è rivelato un viaggio nel tempo. Ogni posto visitato ha aperto una finestra su una storia decisamente complessa e avventurosa a proposito di un mare in passato continuamente agitato da alleanze e faide, scambi e piraterie, e da storie rocambolesche di corsari e banditi. Questi sono i personaggi cattivi e romantici che immaginavo quando, a sei anni, pescavo i ricci di mare.”

Fabrizio Polpettini ha studiato arti visive e scienze ambientali a Milano, produzione cinematografica a Parigi e produzione di documentari in Corsica. Nel 2009 ha creato Filmcaravan, un festival del cinema all’aperto, e nel 2014 ha fondato La Bête, una compagnia di produzione creativa di documentari.

Un ringraziamento speciale a:

Basecamp e Justine Knuchel,  HEAD – Genève Département Cinéma, SUDU CONNEXION, Jessica Macor, Isotta Regazzoni e Roman Hüben

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YOUNG CONTEMPORARY CINEMA

One night event of screenings at La Rada, in the presence of the filmmakers

August 7, 17:00 to 23:00

Program:

17:30-19:00 Short films:

LA PATIENCE DES VIGNES by Agnese Làposi, 15′

LA ROUTE DES JEUNES by Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas and Saro Vallejo, 16′

À LA RECHERCHE D’ALINE, by Rokhaya Marieme Balde, 26′

20:30-22:00 aperitif

22:00-23:00 UN USAGE DE LA MER by Fabrizio Polpettini, 52′

23:00 Closing

FILMS:

LA PATIENCE DES VIGNES

by Agnese Làposi, Switzerland, 2021, 15′, French (st English) produced by Artist Collective Revolta and Ardèche Images 

In 1888 the phylloxera epidemic ravages European vineyards, causing despair and poverty. Monsieur Chevrier is in search of the place where a solution seems to have been found: a graft factory. But the upheavals induced by this disease on viticulture persist over time. In fact, Monsieur Chevrier’s journey overrides historical contingencies and extends to the present day.

Born in Lugano in 1995, Agnese grew up in Ticino, Switzerland. In 2019, she received her Bachelor’s degree in film directing from ECAL in Lausanne. Two of her most recent short films, Alma in the pack and Zu Dritt (the latter co-directed with Benjamin Bucher), have participated in several international festivals (Palm Springs, Premiers Plans, Oberhausen, IDFA, Visions du Réel). After studying in Switzerland, he completed a Master’s degree in documentary filmmaking in Lussas, France, in 2021 with the film ‘La Patience des vignes‘.

LA ROUTE DES JEUNES

by Justine Knuchel, Juan Manuel Vegas and Saro Vallejo, Switzerland, 2021, 16′, French (st English)

produced by HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Under the viaduct that raises the Route des Jeunes in Geneva, the epicenter of the city’s entertainment coexists with the piles of dust accumulated by abandoned vehicles. Depending on the day and time of day, one finds skateboarders, field hockey players, promising bikers practicing slaloms, or young people enjoying their cars. Youth is part of the history of this road, from its construction in 1942 to the present.

Justine Knuchel was born in Paradiso, Switzerland in 1997 and has Swiss and Italian nationality. After studying photography for two years at ECAL (École Cantonale d’Art de Lausanne) and two years at HEAD (Haute école d’art et de design – Geneva) as a film editor, she is mainly a self-taught photographer, editor and filmmaker. In 2019 she founded her studio FONDAMENTA and works for Base Camp, a former military camp turned creative hub during Locarno Film Festival. In 2021 he shot, via photogrammetry, 53 video presentations of 53 Swiss artists’ studios, and this work was exhibited at MCBA.

Juan Manuel Vegas, is location sound mixer, director, editor, sound designer, cinematographer and sound editor.

Saro Vallejo grew up near Zurich and Quito, and now lives in Geneva. He has dual Swiss and Ecuadorian nationality. After working as a production assistant and holding various roles in film as a freelancer, he enrolled at HEAD (Haute École d’Art et Design) where he is currently studying.

À LA RECHERCHE D’ALINE 

by Rokhaya Marieme Balde, Switzerland/Senegal, 2021, 26′, French/Wolof (st English)

produced by HEAD – Genève (Haute école d’art et de design) 

Rokhaya, a young filmmaker, returns to her home in Dakar to make a film about a local historical figure. In the course of her research, which consists of interviews with local personalities, discussions with her team, and fictional scenes shot on location, we discover the story of Aline Sitoe Diatta.

Rokhaya Marieme Balde was born in Dakar (Senegal) in 1995. She began her studies at Sup Imax Dakar (Institut Supérieur des Arts et Métiers du Numérique) in 2017. After a year of studies in International Business Management in China and a semester in Political Science at the University of Montreal, he obtained his Bachelor’s degree in directing at HEAD (Haute école d’art et de design) in 2020. He recently started a joint ECAL/HEAD master’s degree in screenwriting.

UN USAGE DE LA MER

by Fabrizio Polpettini, France, 2021, 52′, Italian/French/Arabic/English (st English)

produced by La Bête, with Baton Rouge Productions and ViàOccitanie

In this overtly autobiographical travelogue, a series of chance encounters reveal the traces left by half-forgotten events that in one way or another shaped the history of the Mediterranean.

Director’s note:

“I grew up in a small town on the northern Italian coast. Since my childhood, the Mediterranean has been the landscape most familiar to me. By the time I was six years old, I had already learned how to catch sea urchins with my bare hands, without stinging myself.

Recently, I have been increasingly surprised and saddened by the image that some unimaginative politicians, especially in Italy where I was born, have wanted to attribute to my favorite playground. In fact, they have tried to describe the Mediterranean as a dividing frontier, whose shores to the north and south are inhabited by populations that are traditionally and essentially foreign and hostile to each other. 

A few years ago, on a cool autumn evening in Lausanne, a chance meeting set me on the trail of a quest along the Mediterranean, in which I was accompanied by two filmmaker friends-Roman from Locarno, Switzerland, and Amir from Constantine, Algeria. What we imagined would be a wander through space turned out to be a journey through time. Each place we visited opened a window on a decidedly complex and adventurous history about a sea in the past continually stirred by alliances and feuds, exchanges and piracy, and by the rollicking tales of privateers and bandits. These are the naughty, romantic characters I imagined when I was six years old fishing for sea urchins.”

Fabrizio Polpettini ha studiato arti visive e scienze ambientali a Milano, produzione cinematografica a Parigi e produzione di documentari in Corsica. Nel 2009 ha creato Filmcaravan, un festival del cinema all’aperto, e nel 2014 ha fondato La Bête, una compagnia di produzione creativa di documentari.

Un ringraziamento speciale a:
Basecamp e Justine Knuchel, HEAD – Genève Département Cinéma, SUDU CONNEXION, Jessica Macor, Isotta Regazzoni e Roman Hüben


𝟎𝟓.𝟎𝟖-𝟏𝟖.𝟎𝟗.𝟐𝟎𝟐𝟐


Con/with:~ 𝐑𝐢𝐢𝐤𝐤𝐚 𝐓𝐚𝐮𝐫𝐢𝐚𝐢𝐧𝐞𝐧 ~ 𝐋𝐨𝐮 𝐌𝐚𝐬𝐝𝐮𝐫𝐚𝐮𝐝~ 𝐈𝐧𝐝𝐮𝐬𝐭𝐫𝐢𝐚 𝐢𝐧𝐝𝐢𝐩𝐞𝐧𝐝𝐞𝐧𝐭𝐞 ~ 𝐄𝐯𝐨 𝐉𝐨𝐯𝐢𝐜𝐢𝐜 ~ 𝐖𝐫𝐞𝐭𝐜𝐡𝐞𝐝 𝐅𝐥𝐨𝐰𝐞𝐫𝐬~ 𝐍𝐲𝐠𝐞𝐥 𝐏𝐚𝐧𝐚𝐬𝐜𝐨 ~ 𝐃𝐚𝐟𝐧𝐞 𝐁𝐨𝐠𝐠𝐞𝐫𝐢 ~ 𝐋𝐮𝐜𝐢𝐥𝐞 𝐎𝐥𝐲𝐦𝐩𝐞 𝐇𝐚𝐮𝐭𝐞~ 𝐀𝐥𝐢𝐞𝐧 ~ 𝐅𝐚𝐭𝐭𝐮𝐜𝐜𝐡𝐢𝐞𝐫𝐞 [𝐌𝐚𝐫𝐭𝐚 𝐌𝐚𝐫𝐠𝐧𝐞𝐭𝐭𝐢 𝐚𝐧𝐝 𝐆𝐢𝐚𝐝𝐚 𝐎𝐥𝐢𝐯𝐨𝐭𝐭𝐨]~ 𝐆𝐎𝐎𝐃𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐚𝐧𝐝 𝐋𝐀 𝐖𝐚𝐫𝐦𝐚𝐧 ~ 𝐓𝐎𝐌𝐁𝐎𝐘𝐒 𝐃𝐎𝐍’𝐓 𝐂𝐑𝐘 / 𝐖𝐞𝐭 𝐌𝐞𝐬𝐬


Curata da/Curated by 𝐓𝐎𝐌𝐁𝐎𝐘𝐒 𝐃𝐎𝐍’𝐓 𝐂𝐑𝐘


ᐯEᖇᑎIᔕᔕᗩGE:

Venerdì 05 agosto dalle 17:00-21:00

Friday 05 August from 17:00-21:00


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𝘍𝘰𝘳 𝘌𝘯𝘨𝘭𝘪𝘴𝘩 𝘵𝘦𝘹𝘵 𝘴𝘤𝘳𝘰𝘭𝘭 𝘥𝘰𝘸𝘯


‘𝐒𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐓𝐇𝐄 𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇’ è una mostra collettiva e multidisciplinare curata da TOMBOYS DON’T CRY che coinvolge realtà artistiche svizzere e internazionali e affronta il tema dell’altereità, della mutazione, della trasformazione e del realismo magico attraverso un punto di vista transfemminista.
TOMBOYS DON’T CRY invita una pluralità di artistə a esplorare diversi scenari in una prospettiva di resistenza pluralista, propositiva e sensibile, il cui scopo è di fare incontrare lə artistə in un dialogo che inneschi visioni, considerazioni e idee sul futuro.


Le opere in mostra infatti propongono modi non convenzionali di ricordare e connettersi, offrendo spazio per descriversi, attraverso emozioni ed intuizioni, rituali, accadimenti collettivi e reclamare la figura della strega e dell’ ‘altro’ in opposizione alla rappresentazione stereotipata fornita nel corso della Storia. Dobbiamo a queste femministe cacciate, accusate, torturate e bruciate, gli enormi progressi in ambito socio-politico e di genere. Ci parlano di salute, di corpo, di medicina, di scoperta di sé e di rifiuto dell’ordine stabilito, ci riconciliano con la natura, trasgrediscono le norme, ci ricordano che non è sempre facile rivendicare l’accesso al sapere e sviluppare competenze non accademiche.


Lə artistə invitatə sono Alien [Londra], Lou Masduraud [Ginevra], Evo Jovicic [Losanna], Riikka Tauriainen [Zurigo], Fattucchiere [Marta Margnetti e Giada Olivotto] [Lugano], Dafne Boggeri [Milano], GOODWITCH & LA Warman [NY], Industria Indipendente [Roma], Lucile Olympe Haute [Parigi], Nygel Panasco [Strasburgo], TOMBOYS DON’T CRY/Wet Mess [Milano/Londra] e Wretched Flowers [NY].


𝐒𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐓𝐇𝐄 𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 dà precedenza ad espressioni di sorellanza, differenza, al soprannaturale, alla creatività e alla cerimonia come percorso di guarigione e ci ricorda come il trauma ereditato dalla storia continua a influenzarci oggi.

Il progetto è gentilmente sostenuto da :

Dr. Georg und Josi Guggenheim Stiftung e Landis & Gyr Stiftung

L’esposizione è parte di BODIDIOMA, programma espositivo  la rada 2022. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino Swisslos, Pro Helvetia. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.


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‘𝐒𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇 𝐓𝐇𝐄 𝐖𝐈𝐓𝐂𝐇’ is a group and multidisciplinary exhibition curated by TOMBOYS DON’T CRY that involves Swiss and international artists and addresses the theme of alterity, mutation, transformation and magic realism through a transfeminist point of view.


TOMBOYS DON’T CRY invites a plurality of female artists to explore different scenarios in a pluralist, proactive and sensitive perspective of resistance, the aim of which is to bring artists together in a dialogue that triggers visions, considerations and ideas about the future.


The works in the exhibition propose unconventional ways of remembering and connecting, offering space to describe oneself, through emotions and intuitions, rituals, collective events and reclaiming the figure of the witch and the ‘other’ in opposition to the stereotypical representation provided throughout history. We owe to these hunted, accused, tortured and burnt feminists the enormous advances in the socio-political and gender spheres. They talk to us about health, the body, medicine, self-discovery and rejection of the established order, they reconcile us with nature, they transgress norms, they remind us that it is not always easy to claim access to knowledge and develop non-academic skills.


The invited artists are Alien [London], Lou Masduraud [Geneva], Evo Jovicic [Lausanne], Riikka Tauriainen [Zurich], Fattucchiere [Marta Margnetti and Giada Olivotto] [Lugano], Dafne Boggeri [Milan], GOODWITCH and LA Warman [NY], Industria Indipendente [Rome], Lucile Olympe Haute [Paris], Nygel Panasco [Strasbourg], TOMBOYS DON’T CRY/Wet Mess [Milan/London] and Wretched Flowers [NY].


SWITCH THE WITCH gives precedence to expressions of sisterhood, difference, the supernatural, creativity, and ceremony as a path to healing and reminds us how trauma inherited from history continues to affect us today.

The project is kindly supported by :

Dr. Georg und Josi Guggenheim Stiftung and Landis & Gyr Stiftung

The exhibition is part of BODIDIOMA, la rada 2022 exhibition program. The annual program has the support of: Pro HelvetiaCity of Locarno, Republic and Canton Ticino Swisslos. Special thanks to Michele Tognetti for continued support.


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Oltre nostro orario di apertura normale (venerdì-sabato), durante film festival di Locarno tranne il 7 e il 12 agosto, siamo aperti tutti giorni dalle 6-10 pm, passate vedere la mostra e salutarci!

Besides our normal opening hours (Friday-Saturday), during the Locarno Film festival except August 7 and 12, we are open every day from 6-10 pm, come by see the exhibition and say hello!

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♡ 𝐹𝓇𝑒𝑒 𝑒𝓃𝓉𝓇𝒶𝓃𝒸𝑒 𝒶𝓃𝒹 𝒹𝑜𝓃’𝓉 𝓂𝒾𝓈𝓈 𝒾𝓉 ♡

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𝘾𝙍𝘼𝙈𝙋𝙄𝘼𝙍𝘾𝙊𝙍𝙀

①°Edition

)summer festival(

independent publishing  ϟ   music  ϟ  graffiti  ϟ local products ϟ design

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 09 – 10 July/luglio 2022 

Curata da Yimei Zhang e Daniel Drabek

Orari d’apertura: sab. 09 luglio 17.00––23.00, dom. 10 luglio 17:00––22:00

Concerto dal vivo: Uochi toki

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Curated by Yimei Zhangand Daniel Drabek

Opening time:  Sat.09/07/2022 from 17:00––22:00,

Sun. 10/07/2022 17:00––22:00

Live Concert: Uochi Toki

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La Rada – spazio per l’arte contemporanea di Locarno, è lieta di presentare Crampiarcore, un festival estivo pluridisciplinare a cura di Yimei ZhangeDaniel Drabek, con la partecipazione di Alessio De Gottardi w Adventure of Lindasay, Casa Stanata w my.castom, bottega della luce gentile, Fernando Ruiz, Elia Varini, Complice Press, Condylura, Daniel Drabek, Davide Fams, Fuzao Studio, Johanna Invrea, J.V.B, Le Zeste,  Lugano Bella, Rafael Kuoto, Stay dirty, Suppergiù, Teleki Atelier Itinerante, Tredici studio, Tristebacio, Tudesorden, Tulpess, Ugo Gattini.

Durante il week end suoneranno dal vivo i Uochi Toki, mentre i nostri fantastici amici Djs ci accompagneranno durante l’intero festival 067eoin, Bon Voyage, Clemente Gatto, djpesce, DJsaliva, Emma Etc, Felys, Jacksonbbb, Kapras, Lonneker, Magutt9000, Spiritotem.

𝘾𝙍𝘼𝙈𝙋𝙄𝘼𝙍𝘾𝙊𝙍𝙀 é evento pop up interdisciplinare che vuole unire editori indipendenti, artigianato e prodotti locali ticinesi, con arte urbana, grafica, musica e l’illustrazione sperimentale.

lo scopo è creare un ponte tra la scena artistica ticinese e quella nazionale e internazionale, mettendole in relazione tra di loro per invogliare a trovare nuove connessioni tra i vari partecipanti. 

Il Ticino è una terra di passaggio, un luogo di transizione e di collegamento; 𝘾𝙍𝘼𝙈𝙋𝙄𝘼𝙍𝘾𝙊𝙍𝙀 vuole essere anche questo: una terra di confine tra il non-professionale e il professionale, l’alternativo e il conforme, dando vita a un sottobosco culturale:  un terreno ricco di flora da scoprire. 

L’evento è previsto per il weekend del 9–10 luglio 2022 e prenderà luogo presso gli spazio de La Rada, a Locarno. Oltre all’esposizione dei vari prodotti, è nostra intenzione creare una serie di eventi collaterali quali talk, conferenze, concerti dal vivo, djsets e performance.

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Programma

Sabato 9 luglio: 

17:00 opening

18:00 launch ”Adventure of Lindasay” by Alessio de Gottardi

20:00 dinner

21:00 concerto Uoki Toki

23:00 chiusura

Domenica 10 luglio: 

17:00 opening

18:00 graffiti performance

20:00 dinner

21:00 dj set

23:00 chiusura

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La Rada – space for contemporary art in Locarno, is pleased to present Crampiarcore, a multidisciplinary summer festival, curated by Yimei Zhang and Daniel Drabek, with the participation of Alessio De Gottardi w Adventure of Lindasay, Casa Stanata w my. castom, bottega della luce gentile, Fernando Ruiz, Elia Varini, Complice Press, Condylura, Daniel Drabek, Davide Fams, Fuzao Studio, Johanna Invrea, J.V.B, Le Zeste, Lugano Bella, Rafael Kuoto, Stay dirty, Suppergiù, Teleki Atelier Itinerante, Tredici studio, Tristebacio, Tudesorden, Tulpess, Ugo Gattini.

During the weekend there will be Uochi Toki playing live and our fantastic friends and friends Djs accompany us the whole festival 067eoin, Bon Voyage, Clement Gatto, djpesce, DJsaliva, Emma Etc, Felys, Jacksonbbb, Kapras, Lonneker, Magutt9000, Spiritotem.

𝘾𝙍𝘼𝙈𝙋𝙄𝘼𝙍𝘾𝙊𝙍𝙀 is interdisciplinary pop-up event that aims to unite independent publishers, crafts and local products from Ticino with urban art, graphics, music and experimental illustration.

The purpose is to create a bridge between the Ticino art scene and the national and international art scene, relating them to each other to entice new connections between the various participants. 

Ticino is a land of passage, a place of transition and connection; 𝘾𝙍𝘼𝙈𝙋𝙄𝘼𝙍𝘾𝙊𝙍𝙀 also wants to be this: a borderland between the non-professional and the professional, the alternative and the compliant, giving birth to a cultural undergrowth: a rich soil of flora to be discovered. 

The event is scheduled for the weekend of July 9-10, 2022, and will take place at La Rada spaces in Locarno. In addition to the exhibition of the various products, it is our intention to create a series of side events, such as talks, lectures, live concert, djsets, and performances.

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Program

Saturday, July 9: 

17:00 opening

18:00 launch ”Adventure of Lindasay” by Alessio de Gottardi

20:00 dinner

21:00 concert live Uoki Toki

23:00 closing


Sunday, July 10: 

17:00 opening

18:00 graffiti performance

20:00 dinner

21:00 dj set

23:00 closing

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🧡 Graphic design by Daniel Drabek 🧡

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♡ 𝕯𝖔𝖓’𝖙 𝖒𝖎𝖘𝖘 𝖎𝖙

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𝑹𝑶𝑺𝑨𝑺𝑷𝑰𝑵𝑨

❦ 𝑹𝒂𝒅𝒂 𝑲𝒐ž𝒆𝒋𝒊, 𝑱𝒂𝒄𝒐𝒑𝒐 𝑩𝒆𝒍𝒍𝒐𝒏𝒊, 𝑺𝒕𝒆𝒇𝒂𝒏𝒐 𝑪𝒆𝒄𝒂𝒕𝒊𝒆𝒍𝒍𝒐, 𝑱𝒆𝒓𝒐𝒏𝒊𝒎 𝑯𝒐𝒓𝒗𝒂𝒕

Curata da 𝒀𝒊𝒎𝒆𝒊 𝒁𝒉𝒂𝒏𝒈 e 𝑻𝒐𝒎𝒎𝒂𝒔𝒐 𝑮𝒂𝒕𝒕𝒊

🥀 07.05.2022 – 12.06.2022🥀 

𝑽𝒆𝒓𝒏𝒊𝒔𝒔𝒂𝒈𝒆:  Sabato 07 maggio dalle 17:00-20:00

con una 𝑷𝒆𝒓𝒇𝒐𝒓𝒎𝒂𝒏𝒄𝒆 di 𝑹𝒂𝒅𝒂 𝑲𝒐ž𝒆𝒋𝒊

𝑨𝒇𝒕𝒆𝒓 𝒑𝒂𝒓𝒕𝒚: Tesoro Bar, Piazza Grande 16, 6600 Locarno

𝑫𝒋 𝒔𝒆𝒕 𝒃𝒚 𝑳𝑨𝑪𝑹𝑰𝑴𝑨 e 𝑨𝑺𝑯𝑨𝑺𝑯𝑨

Orari di apertura della mostra: da venerdì a Sabato, dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

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Curated by 𝒀𝒊𝒎𝒆𝒊 𝒁𝒉𝒂𝒏𝒈  and 𝑻𝒐𝒎𝒎𝒂𝒔𝒐 𝑮𝒂𝒕𝒕𝒊

🥀 07.05.2022 – 12.06.2022 🥀 

𝑽𝒆𝒓𝒏𝒊𝒔𝒔𝒂𝒈𝒆: Saturday, March 19 from 17:00 to 20:00

with a performance by 𝑹𝒂𝒅𝒂 𝑲𝒐ž𝒆𝒋𝒊.

𝑨𝒇𝒕𝒆𝒓 𝒑𝒂𝒓𝒕𝒚: Tesoro Bar, Piazza Grande 16, 6600 Locarno

𝑫𝒋 𝒔𝒆𝒕 𝒃𝒚 𝑳𝑨𝑪𝑹𝑰𝑴𝑨 and 𝑨𝑺𝑯𝑨𝑺𝑯𝑨

Exhibition opening hours: Friday to Saturday, from 15:00 to 19:00

and by appointment by writing to: direzione@larada.ch

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𝑹𝒐𝒔𝒂𝒔𝒑𝒊𝒏𝒂 è una mostra che presenta il lavoro di quattro artisti emergenti –𝑹𝒂𝒅𝒂 𝑲𝒐ž𝒆𝒋𝒊, 𝑱𝒂𝒄𝒐𝒑𝒐 𝑩𝒆𝒍𝒍𝒐𝒏𝒊, 𝑺𝒕𝒆𝒇𝒂𝒏𝒐 𝑪𝒆𝒄𝒂𝒕𝒊𝒆𝒍𝒍𝒐, 𝑱𝒆𝒓𝒐𝒏𝒊𝒎 𝑯𝒐𝒓𝒗𝒂𝒕 – residenti tra Svizzera e Italia.

Il titolo trae ispirazione dalla fiaba dei fratelli 𝑮𝒓𝒊𝒎𝒎, ed evoca il folto roveto che protegge e occulta, come il più delicato dei fiori, la bella addormentata. Metafora dell’opera d’arte e il suo segreto, questo titolo allude ad alcune suggestioni che accomunano gli artisti in mostra e la loro ricerca, come l’atmosfera fiabesca che si respira in ogni lavoro e l’evocazione di immaginari boschivi e forme vegetali.

Gli artisti coinvolti, pur servendosi di molteplici medium (pittura, scultura, installazione e performance), condividono una sensibilità caratterizzata da una diffidenza nei con- fronti dei linguaggi artistici e dei modelli culturali dominanti. Questa distanza li induce a riprendere forme e tecniche dal sapore antico per rileggere, da un’altra prospettiva, ciò che li circonda. Sedotti dal magico e l’esoterico, immaginari a cui attingono per creare opere d’arte che sembrano emerse da un romanzo gotico o un delirio onirico, si servono della libera associazione e di altre tecniche automatistiche, nel tentativo di creare opere concepite come dispositivi divinatori. Indagano il linguaggio del simbolo, che travalica il pensiero e la didascalia, impedendo il concetto e la riduzione. In occasione di 𝑹𝒐𝒔𝒂𝒔𝒑𝒊𝒏𝒂, per tenere fede a questa fascinazione, daranno vita a un ambiente suggestivo in cui le opere emanano il proprio mistero pur risuonando come accordi in un’armonia.

Il progetto è generosamente sostenuto da :

Pro Helvetia, ProLitteris, Republique et canton de Geneve e Kanton Basel Stadt Kultur 

L’esposizione è parte di BODIDIOMA, programma espositivo  la rada 2022. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino Swisslos, Pro Helvetia, Ernst Göhner Stiftung. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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𝑹𝒐𝒔𝒂𝒔𝒑𝒊𝒏𝒂 is an exhibition presenting the work of four emerging artists -𝑹𝒂𝒅𝒂 𝑲𝒐ž𝒆𝒋𝒊, 𝑱𝒂𝒄𝒐𝒑𝒐 𝑩𝒆𝒍𝒍𝒐𝒏𝒊, 𝑺𝒕𝒆𝒇𝒂𝒏𝒐 𝑪𝒆𝒄𝒂𝒕𝒊𝒆𝒍𝒍𝒐, 𝑱𝒆𝒓𝒐𝒏𝒊𝒎 𝑯𝒐𝒓𝒗𝒂𝒕 – residing between Switzerland and Italy.

The title is inspired by the fairy tale of the 𝑮𝒓𝒊𝒎𝒎 brothers, and evokes the thick bush that protects and conceals, like the most delicate of flowers, the sleeping beauty. Metaphor of the work of art and its secret, this title alludes to some suggestions that unite the artists in the exhibition and their research, such as the fairy-tale atmosphere that is breathed in each work and the evocation of imaginary woods and plant forms.

The artists involved, while using multiple mediums (painting, sculpture, installation and performance), share a sensitivity characterized by a distrust of artistic languages and dominant cultural models. This distance induces them to take up forms and techniques with an ancient flavor to reinterpret, from another perspective, what surrounds them. Seduced by the magical and the esoteric, imaginaries they draw on to create works of art that seem to have emerged from a Gothic novel or a dreamlike delirium, they use free association and other automatic techniques in an attempt to create works conceived as divinatory devices. They investigate the language of the symbol, which transcends thought and caption, preventing concept and reduction. On the occasion of 𝑹𝒐𝒔𝒂𝒔𝒑𝒊𝒏𝒂, to keep faith with this fascination, they will create an evocative environment in which the works emanate their own mystery while resonating like chords in a harmony.

The project is generously supported by :

Pro Helvetia, ProLitteris, Republique et canton de Geneve and Kanton Basel Stadt Kultur 

The exhibition is part of BODIDIOMA, la rada 2022 exhibition program. The annual program has the support of: City of Locarno, Republic and Canton of Ticino Swisslos, Pro Helvetia, Ernst Göhner Stiftung. Special thanks to Michele Tognetti for his constant support.

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🥀 Graphic design by 𝑱𝒐𝒔𝒉𝒖𝒂 𝑨𝒍𝒕𝒉𝒂𝒖𝒔

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♡ 𝔽ℝ𝔼𝔼 𝔼ℕ𝕋ℝ𝔸ℕℂ𝔼 and 𝕯𝖔𝖓’𝖙 𝖒𝖎𝖘𝖘 𝖎𝖙♡

𝗕𝗘𝗧𝗪𝗘𝗘𝗡 𝗧𝗛𝗘 𝗟𝗜𝗡𝗘𝗦

Élie Autin, Catol Teixeira, Rita Hajj, Lucas Cantori, Chris Kauffmann and Greco Bomb. 

Curata da Danniel Tostes e Antoine Simeão Schalk

19.03.2022 – 24.04.2022

Vernissage Sabato 19 marzo dalle 18:00-21:00,

con una performance di Catol Teixeira alle 19:00.

Orari di apertura della mostra: da venerdì a domenica, dalle 15:00 alle 19:00

e su appuntamento scrivendo a: direzione@larada.ch

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Curated by Danniel Tostes and Antoine Simeão Schalk

19.03.2022 – 24.04.2022

Vernissage: Saturday, March 19 from 18:00 to 21:00,

with a performance by Catol Teixeira at 19:00.

Exhibition opening hours: Friday to Sunday, from 15:00 to 19:00

and by appointment by writing to: direzione@larada.ch

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Between the lines è un’esposizione che interroga alcuni elementi dello spazio e come certi territori possano acquistare nuovi significati attraverso chi li abita. La mostra presenta opere di artisti e ricercatori i cui confini non sono definiti dalle classiche nozioni di territorio. La comunità costruita tra le mura de La Rada per la durata dell’esposizione è definita da complesse e multipolari nozioni di appartenenza. Le ricerche e le realtà che le ritraggono, interrogano questioni quali il contrastare le strutture di potere esistenti, che ci vengono presentate come realtà. Con le loro opere si apre una breccia che ci permette di meglio esercitare l’immaginazione collettiva. 

Questo esperimento collettivo vuole proporre una riflessione su come le persone possano trasformarsi a vicenda e su come vadano, sottilmente o meno, a cambiare lo spazio in cui si trovano. La trasformazione degli spazi dipende in definitiva dalle persone, anche se solo temporaneamente. Quando si uniscono, i corpi, sono in grado di appropriarsi di tipologie di architettura una volta ostili o non pensate per loro. La rinegoziazione della concezione dello spazio interroga inoltre l’uso e il pubblico degli spazi costruiti. Così come il fatto di mettere in discussione l’utilizzo dei linguaggi moderni dimostra la loro incapacità di decostruire binari esistenti. Narrazioni diverse capaci di plasmare la comunità e distorcere le strutture stesse di uno spazio. 

Il progetto è generosamente sostenuto da :
Oertli Stiftung e Fondo Culturale Sud. 

L’esposizione  è parte di BODIDIOMA, programma espositivo de la rada 2022. Il programma annuale ha il sostegno di: Municipio di Locarno, Repubblica e Cantone Ticino SwisslosPro HelvetiaErnst Göhner Stiftung. Si ringrazia in particolare Michele Tognetti per il costante supporto.

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Between the lines is an exhibition questioning certain elements of space and how certain spaces or territories can be resignified through their inhabitants. The show features works of artists and researchers whose boundaries are not defined by classical notions of territories. The community that is built within the walls of La Rada for the duration of the exhibition is defined by notions of belonging that are complex and multi polar. The research and the realities they depict discuss the questions of tackling existing power structures given as static realities to us. With their works, a crack is opened, allowing us to better exercice collective imagination. 

This collective experiment wants to propose a reflection on how people can transforme each other and subtly or not, change the space where they are located. Transformation of spaces ultimately depends on the people who inhabit them, even temporarily. Bodies when joining together are able to appropriate types of architecture that had been once hostile at most or not designed for them. Renegotiation of space design eventually questions the use and public of constructed spaces. Just as questioning the contemporary use of modern languages points at their in-capacity to deconstruct existing binaries. Different narratives capable of shaping community and distort the very structures of a space. 

Exhibition kindly supported by:
Oertli Stiftung and Fondo Culturale Sud – SüdKulturFonds

This exhibition is part of BODIDIOMA, la rada’s 2022 exhibition program. The annual program is supported by: Municipio di LocarnoRepubblica e Cantone Ticino SwisslosPro HelvetiaErnst Göhner Stiftung. We particularly thank Michele Tognetti for his consistent support.

𝔽ℝ𝔼𝔼 𝔼ℕ𝕋ℝ𝔸ℕℂ𝔼